DG / Benny Andersson - Piano 2017

https://www.youtube.com/watch?v=yhC7h493vIc
https://www.youtube.com/watch?v=yuwNmJ-zdwI
https://www.youtube.com/watch?v=jrGlQzEQSSw
https://www.youtube.com/watch?v=H7NEat4piXc&t=8s
https://www.youtube.com/watch?v=eUPN-Ox6SXM
https://www.youtube.com/watch?v=X_lj1zIvsnY
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한국인이 가장 사랑하는 팝 그룹 아바의 베니 안데르손이 피아노로 들려주는 아바 명곡 모음 [피아노]

“내 인생을 되돌아보는 한 편의 자서전을 음악으로 연주하고 있다는 묘한 기분이 들었다.” - 베니 안데르손

한국인이 가장 사랑하는 팝 그룹 중의 하나인 아바의 멤버 베니 안데르손이 도이치 그라모폰을 통해 발매하는 새 앨범!

앨범 [피아노]에는 ‘Thank you for the music’, ‘My Love, My Life’ 등 베니 안데르손이 작곡한 아바의 명곡들을 비롯하여 그의 뮤지컬 [치즈], [Kristina från Duvemåla] 삽입곡 ‘Anthem’, ‘Mountain Duet’, ‘I Gott Bevar’ 등이 피아노 연주로 수록되었다. 또한 그의 솔로 앨범에서 들을 수 있었던 ‘Flickornas Rum’ (앨범 O Klang Och Jubeltid), ‘M†larskolan’ (November 1989) 등 그의 음악 인생을 대표하는 곡들 역시 담겼다.

베니 안데르손은 이번 앨범에 수록된 곡을 직접 연주했으며 “과거에 앨범을 작업할 때와는 매우 다른 방식의 접근이었고, 그 때문에 무척 즐거운 여정이었다. 베이스나 드럼, 기타, 현악기, 보컬이 없이도 음악의 어떠한 본질만은 담아냈다고 여겨진다.”고 앨범 작업에 대한 소감을 전했다.

Track
01 Benny Andersson: I Let the Music Speak
02 Benny Andersson, Bjorn Ulvaeus & Tim Rice: You & I
03 Benny Andersson & Bjorn Ulvaeus: Aldrig
04 Benny Andersson & Bjorn Ulvaeus: Thank You for the Music
05 Benny Andersson: Stockholm by Night
06 Benny Andersson, Bjorn Ulvaeus & Tim Rice: Chess
07 Benny Andersson & Bjorn Ulvaeus: The Day Before You Came
08 Benny Andersson, Bjorn Ulvaeus & Tim Rice: Someone Else's Story
09 Benny Andersson & Bjorn Ulvaeus: Midnattsdans
10 Benny Andersson: Malarskolan
11 Benny Andersson, Stig Anderson & Bjorn Ulvaeus: I Wonder (Departure)
12 Benny Andersson, Bjorn Ulvaeus & Tim Rice: Embassy Lament
13 Benny Andersson, Bjorn Ulvaeus & Tim Rice: Anthem
14 Benny Andersson, Stig Anderson & Bjorn Ulvaeus: My Love, My Life
15 Benny Andersson, Bjorn Ulvaeus & Tim Rice: Mountain Duet
16 Benny Andersson: Flickornas Rum
17 Benny Andersson & Mats Norklit: Efter regnet
18 Benny Andersson: Trostevisa
19 Benny Andersson & Kristina Lugn: En Skrift I Snon
20 Benny Andersson & Bjorn Ulvaeus: Happy New Year
21 Benny Andersson & Bjorn Ulvaeus: I Gott Bevar

Live & Direct Part 1
# I Let the Music Speak
I haven't really decided on the order of the songs. I've tried to do it, there's attentive order. I've tried to mix the songs: there could be an ABBA song, then there's something from "Chess", then there's something from my choir work, or from a film, or "Kristina." So that there are not five songs in the same key, for example. I was born on rock and roll. So I only play in keys that will be good for the guitar: only sharps, no flats. I can play a little from "I Let the Music Speak". That's actually a piano song, I think.

저는 노래들의 순서를 실제로 결정하지 않았습니다. 그렇게 하려고 했지만, 세심한 순서가 있습니다. 노래를 섞어봤는데, 아바 노래일 수도 있고, 그러고 나서 <체스>에서 나온 것, 이어서 제 합창곡, 또는 영화, 또는 <크리스티나>에서 나온 것이 있네요. 그래서 예를 들어 같은 조성에는 5개의 노래가 없습니다. 저는 로큰롤과 관련이 있습니다. 그래서 기타에 적합한 조성들로만 연주하는데, 내림표(플랫) 말고 올림표(샵)로만요. 저는 <I Let the Music Speak>에서 조금 연주할 수 있어요. 제 생각에 실제로 피아노 노래거든요.

I think one of the songs that led us into the musical scene, the theatre... Because there is a lot of theatre in that one.

저는 우리를 뮤지컬 장면, 극장으로 이끌었던 노래들 중의 하나를 생각해요... 그 한 가지에는 많은 극장이 있으니까요.

# You and I
I could have done a record with only "Chess" music. I was thinking about that. But I said: Maybe next time. If I do another record, I will do the whole of "Chess". Because a lot of "Chess" is good for piano. Maybe not "One Night in Bangkok", but all the others. "You and I".

<Chess> 음악만 녹음할 줄 알았어요. 그것에 대해서 생각 중이었거든요. 하지만 저는 이렇게 말했죠. - 어쩌면 다음일 거라고요. 제가 또 다른 음반을 녹음한다면, 저는 <Chess> 전체를 할 겁니다. 많은 <Chess>가 피아노에 좋기 때문이죠. 어쩌면 <One Night in Bangkok>이 아니라 다른 모든 것들이겠죠. <You and I> 들려드릴게요.

It's all a matter of trying to see what you can do. Not staying on the same track for the rest of your life. Writing for the theatre was a challenge in a way. Because you have to adjust to other things. It's not just about music. It's about everything else, actually. Preferably the music should be good. And I think "Chess" is good. It's very much alive, "Chess". They do it everywhere, all the time, in Hungary or England, or Germany or Denmark or the US. There are not too many musicals where there's real substance in the score.

그것은 당신이 할 수 있는 일을 보려고 노력하는 것에 달려있습니다. 당신의 여생 동안 같은 길에 계속 남아있지 않죠. 극장을 위해 작곡하는 건 어려웠어요. 다른 것들에 적응해야 되니까요. 단지 음악에 대한 것이 아닙니다. 실제로 다른 모든 것에 대한 것이죠. 가급적 음악이 좋아야 하죠. 그리고 저는 <Chess>가 좋다고 생각해요. <Chess>는 정말 생생해요. 사람들은 헝가리, 잉글랜드, 독일, 덴마크, 미국 등 언제 어디서나 체스를 하죠. 악보에 실제 소재가 있는 뮤지컬은 그리 많지 않아요.

# Aldrig

# I Gott Bevar
I think there's something therapeutic about it. It is! And I think you find out when I was ten when I had my piano. I played the accordion before when I was six: my grandfather taught me to play, and my father. Then I had the piano, and once I had the piano I was sitting there. When I was not in school I was playing the piano. With a very kind mother, who let me play without being able to. You find something in it, it speaks to you. I felt good when I was playing, I still do. I was lucky: first to get a piano, secondly to have a mother who put up with me not being able to play. So that's the way it is.

저는 그것에 대해 긴장을 푸는 데 도움이 되는 것이 있다고 생각해요. 맞다! 그리고 제가 피아노를 가졌던 열 살 때 알아낸 것 같아요. 저는 여섯 살 때 아코디언을 연주하기 시작했는데, 할아버지랑 아버지가 연주법을 가르쳐주셨죠. 그런 다음에는 피아노를 가졌는데, 거기에 앉아있었죠. 학교에 없을 때에는 피아노를 연주하고 있었어요. 아주 친절하신 어머니가 제가 연주할 수 있게 하셨죠. 당신이 그것에서 뭔가를 발견하면, 그것은 당신에게 말합니다. 연주할 때 기분이 좋았는데, 아직도 그래요. 운이 좋았는데, 먼저 피아노, 다음으로 연주할 수 없는 저를 연주할 수 있게 해주신 어머니를 두는 것입니다. 그것이 바로 그 방법입니다.

# Thank You for the Music
"The Girl with the Golden Hair", the "mini-musical" thing which we did because we were going on the road, on tour. So we said: "We should do something that's not what they expect. We'll do something fun." Want to hear it?

<The Girl with the Golden Hair>, 우리가 길거리에서 하려고 했기 때문에 “미니 뮤지컬” 같은 것입니다. 그래서 우리는 이렇게 말했죠. - “우리는 그들이 기대하지 않는 뭔가를 해야 한다. 우리는 재밌는 일을 할 거야.” 들려드릴까요?

The music was always the start. Lyrics always came afterwards. This record with only the piano is how it was from the very beginning, before we started recording, before you added bass, drums, guitars, strings, saxophones, whatever we added. And voices. So this is sort of basic, what the songs are. And I found out during the work with this: yeah, they hold up. The music is still in there, even if Frida is not there, Agnetha is not there, the staging of "Kristina" or "Chess" or everything, the choir is not there... But the music still feels like it's there. So I'm rather pleased that I did this. I've told everyone it should be called "Music to iron shirts by". It's sort of contemplative. It's very laid back, it's sort of soft, in a way.

음악은 항상 시작이었어요. 가사는 항상 나중에 왔죠. 피아노로만 연주한 이 음반은 처음부터 녹음을 시작하기 전, 베이스, 드럼, 기타, 현악기, 색소폰을 추가하기 전, 우리가 추가한 모든 것이었죠. 그리고 보컬. 따라서 이것은 일종의 기본이며 노래입니다. 그리고 저는 이것으로 작업하는 동안 그들이 참는다는 것을 알게 되었죠. 프리다(아바 멤버 안니프리드 쉰니 륑스타의 별명)가 거기에 없더라도, 앙네타(아바 멤버 앙네타 펠트스코그)가 거기에 없더라도, <크리스티나>나 <체스>나 모든 것의 상연, 합창단이 거기에 없더라도...음악은 여전히 거기에 있어요. 하지만 음악이 여전히 존재하는 것처럼 느껴집니다. 그래서 저는 이것을 한 게 기뻐요. 저는 모든 사람에게 “음악에 대한 아이언 셔츠”로 불려야 한다고 들었어요. 일종의 명상입니다. 매우 느긋한데, 어떤 면에선 부드럽죠.

Live & Direct Part 2
# Stockholm by Night
I have a friend - she's actually an artist, a painter. She's now having an exhibition a the Modern Museum of Art up here, starting on Saturday - her whole work, through all years, she's been doing this for at least 40 years. So we're friends, and she also makes films. So she asked me once: "Could you write me a little thing? I'm doing a TV series about a painting school, an art school." I said: "Yeah, fine!" Since then, whenever she's done anything, she asks me, I say: "Yeah, of course." I've written maybe for four, five or six movies that she's done. That song "Stockholm by Night" - the movie was meant to be called "Stockholm by Night", but then she changed the title to "The Secret Friend", I think. But it's quite nice.

제게 친구가 있는데 - 그녀는 실제로 아티스트, 화가죠. 현재 토요일부터 여기 있는 현대 미술관에서 전시회를 열고 있어요. - 모든 작품을 몇 년 동안, 적어도 40년 이상 이것을 해왔죠. 그래서 우리는 친구이며, 그녀도 영화를 만들어요. 그래서 제게 이렇게 요청한 적이 있었죠. - “나한테 소품 좀 써줄래? 미술학교, 예술학교에 대한 TV 시리즈를 하고 있거든.” 저는 이렇게 말했죠. - “그래, 좋아!” 그 이후로, 그녀는 뭔가를 할 때마다 제게 요청하면, 제가 이렇게 말하죠. - “그래, 물론이지.” 저는 그녀가 제작했던 4, 5, 6편의 영화를 위한 곡을 썼을 겁니다. 그 노래가 <Stockholm by Night>입니다. - 영화는 <야밤의 스톡홀름>를 의미했지만, 그녀는 제목을 제 생각에 <비밀 친구>로 바꿨죠. 하지만 꽤 멋있었죠.

# Chess

# The Day Before You Came
There's one more ABBA song, which is "The Day Before You Came", which was the last one we recorded.

우리가 마지막으로 녹음한 아바 노래가 하나 더 있는데, <The Day Before You Come> 들려드릴게요.

Sad stuff.

슬프네요.

# Someone Else's Story
"Someone Else's Story" came into the American version of "Chess". It wasn't in there from the beginning. And just out of interest: I played "Thank You for the Music" - there's a little ending thing in it, going...

<Someone Else's Story>는 <Chess>의 미국 버전이 되었죠. 처음부터 거기에 없었네요. 그리고 관심 없는 것인데, 저는 <Thank You for the Music>을 연주했어요. - 이 곡에 약간의 엔딩이 있는데, 이렇게 가요...

That's how it goes. "Someone Else's Story" starts with...

이런 거지요, 뭐. <Someone Else's Story>는 이렇게 시작해요...

It's called recycling! No, they have nothing to do with each other. But I like "Someone Else's Story", it's a good song.

재순환이라고 해요! 아니, 그들은 서로 관련이 없네요. 하지만 저는 <Someone Else's Story>를 좋아해요, 좋은 노래죠.

# Midnattsdans
The reason I have the orchestra is: I was working with the fiddlers. We're celebrating 30 years together this year: me, accordion and five fiddles. A song for we should do another record - we'd made two - and I said: "This is not really a song for fiddlers and accordionists. We need a trumpet, a clarinet, a flute, a tuba, a double bass and drums..." So I formed a band. The way that bands were in the 40s, 40s here: dance music band. So it became the Benny Andersson Orchestra. And we've been together for more than ten years now. I write music for them. Helen Sjöholm, who was in "Kristina", Tommy Körberg, who was in "Chess", are the two vocalists in the band. The best singers in the country, if you ask me. And the musicians are great. They all have real jobs too, they sit in symphony orchestras and whatever. And we go out every second summer so far. We bring the stage, big stage, we bring a dance floor, huge dance floor, four times this room. We play for four hours, we play outdoor venues and people come and dance. Those who don't dance, they just sit there and have a sip of wine and watch what's going on stage. But we perform for four hours. That's wonderful. The thing is, when people and dancing and you play you have an exchange of energy: it's not just us giving out, they give it back to us. It's a thrill, and we all love it. We don't want to do it too often. So we do, like, two long weekends, maybe eight gigs, every second year. No one has time to get tired of it. It's sort of a fun song. One of the fiddlers is singing together with Helen. I can play a little to you.

제가 오케스트라를 가진 이유는 다음과 같습니다. - 저는 (특히 민속 음악을 연주하는) 바이올린 연주자들과 함께 일하고 있었거든요. 올해는 30주년을 함께 축하하는데, 저랑 아코디언이랑 바이올린 연주자 5명이네요. 우리가 또 다른 녹음을 해야 하는 노래가 있는데, 우리는 2개를 만들었으며, 저는 다음과 같이 말했죠. “ 이건 실제로 바이올린 연주자들과 아코디언 연주자들을 위한 노래가 아니야. 우린 트럼펫, 클라리넷, 플루트, 튜바, 더블베이스, 드럼이 필요해...” 그래서 저는 밴드를 만들었죠. 여기에서 밴드가 40년대, 50년대에 있었던 방식으로요. - 댄스 뮤직 밴드죠. 그래서 이 밴드는 베니 안데르손 오케스트라가 되었죠. 그리고 우리는 10년 이상 함께 지냈죠. 저는 그들을 위한 음악을 씁니다. <크리스티나>에 있었던 헬렌 셰홀름, <체스>에 있었던 토미 쾨르베리가 밴드의 두 보컬리스트입니다. 제 개인적인 생각으로는, 전국 최고의 가수들이죠. 그리고 뮤지션들이 훌륭해요. 그들 모두 실제 직업도 가지고 있고, 교향악단이나 어디든지 앉아있거든요. 그리고 우리는 지금까지 늦여름마다 외출해요. 우리는 무대, 큰 무대에서 공연하는데, 이 방의 4배나 되는 댄스 플로어(무도장), 거대한 댄스 플로어에서 공연해요. 우리는 4시간 동안 연주하고, 야외 공연장에서 연주하며 사람들이 와서 춤추죠. 춤추지 않는 사람들은 그냥 앉아서 와인 한 잔을 마시고 무대에서 무슨 일이 일어나고 있는지 봅니다. 그러나 우리는 4시간 동안 공연해요. 멋있어요. 중요한 것은 사람들과 춤과 당신이 연주할 때 에너지를 교환한다는 것이죠. - 단지 우리를 멈추는 것이 아니라, 그들이 에너지를 우리에게 돌려주는 것입니다. 황홀해서 우리 모두 좋아해요. 우리는 너무 자주 하고 싶진 않아요. 그래서 긴 주말 두 번, 어쩌면 8회 공연, 2년마다 해요. 아무도 피곤해질 겨를이 없어요. 재밌는 노래거든요. 바이올린 연주자들 중 한 명이 헬렌과 함께 노래 부르고 있어요. 조금 들려드릴게요.

It's a minuet, really.

실제로는 미뉴에트입니다.

# I Wonder
One of the songs that we had, that led us into the musical scene, the theatre: A song like "I Wonder", which is also on the record.

우리가 가진 노래들 중 하나는 우리를 뮤지컬 장면, 극장으로 이끌었는데, 음반에도 있는 <I Wonder> 같은 노래죠.

Live & Direct Part 3
# Embassy Lament / # Anthem
Yeah, "Embassy Lament / Anthem".

예, <Embassy Lament / Anthem>입니다.

Shall I go on?

계속 할까요?

OK.

오케이.

# My Love, My Life
Sort of a nice tune.

멋진 곡이에요.

# Flickornas Rum

# Efter regnet
That's a song that I recorded with my fiddler friends from Orsa Spelmän. Karin Glenmark singing, Tommy Körberg and Karin. I had the tune. And I asked my wife's brother, who's a lyricist, if he could write the lyric to it. So we recorded it. That's an odd thing. I'd say a lot of music on this record is not heard outside Sweden or Scandinavia. It'll be new to many of you, who haven't heard anything. I've done some choir work, I've done music for films, I've had my band. And that music hasn't been heard yet outside Scandinavia. "Efter regnet" is here.

이 곡은 포크 음악 6중주단인 <오르사 스펠맨>에 있는 바이올리니스트 친구들과 녹음한 노래입니다. 카린 글렌마르크, 토미 쾨르베리와 카린이 노래 부르죠. 저는 곡을 썼고요. 그리고 저는 아내의 남자 형제인 작사가에게 이 곡에 대한 가사를 쓸 수 있는지 물어봤어요. 그래서 우리는 그것을 녹음했죠. 이상한 일입니다. 저는 이 음반에 있는 많은 음악이 스웨덴이나 스칸디나비아 반도 이외의 지역에서는 들리지 않는다고 생각해요. 아무것도 듣지 않은 많은 분들에게 새로울 것입니다. 저는 합창단 작품을 썼고, 영화 음악을 썼으며, 밴드를 가지고 있죠. 그리고 그 음악은 스칸디나비아 외부에서 들리지 않았어요. 여기 <Efter regnet> (After the Rain) 들려드릴게요.

# Tröstevisa
Orsa is a place up in the middle of Sweden, in Dalarna. They all come from there. Basically most of the fiddle tradition is from up there - Dalarna, Hälsingland... It's all over Sweden, but it's concentrated up there. They all play the fiddle. But it's not a fiddle tune, it's a piano tune. I just put it on there because we did a lot of things. It's called "Tune for Comfort".

오르사는 스웨덴 중부 달라르나에 있는 곳입니다. 그들 모두 거기 출신이죠. 기본적으로 바이올린 전통의 대부분이 거기에 있죠. - 헬싱글라드의 달라르나... 스웨덴 전역에 있지만, 그곳에 집중되어 있죠. 그들 모두 바이올린을 연주해요. 하지만 바이올린곡이 아니라 피아노곡입니다. 우리가 많은 것들을 했기 때문에 제가 과장한 거네요. 이 곡은 <위안을 위한 곡>으로 불립니다.

# En skrift i snön
"En skrift i snön", "Written in Snow". This is a choir piece I made. They built an enormous, fantastic organ up in Piteå, in the north of Sweden. And they should make a big thing out of that. They asked me if I wanted to write some music, I said, I can do that - for choir. It was only performed there really once. A very good poet - Kristina Lugn - wrote the words to that. I kind of like it because it's piano music. I can play a little of it.

<En skrift i snön>, 눈 내리는 날에 쓴. 이것은 제가 만든 합창곡입니다. 그들은 스웨덴 북부 피테오에서 거대한 환상적인 오르간을 만들었죠. 그리고 그들은 그것으로부터 큰 것을 만들어야 하죠. 그들은 제게 곡을 쓰고 싶은지 물어봤는데, 저는 합창단을 위해 할 수 있다고 말했죠. 실제로 거기에서 한 번만 연주되었죠. 정말 좋은 시인 크리스티나 룬이 이 곡에 대한 가사를 썼어요. 피아노 음악이라서 제가 이 곡을 좋아해요. 조금 쳐볼게요.

Then it goes on for ever.

그런 다음 영원히 계속됩니다.

I can do anything, that's the wonderful thing. Like, I can make a piano album, if I want to. That's the thing, you know.

저는 무엇이든지 할 수 있어요. 멋진 일이죠. 제가 원한다면 피아노 앨범을 만들 수 있어요. 아시다시피 바로 그거에요.

Much more than just ABBA / 아바보다 훨씬 더 (아바 그 이상)
It is clear even in "Sunny Girl," the first of his innumerable hits, that Benny Andersson is also an experienced pianist. "Sunny Girl," a pleasing melody in the classical style with a delicate keyboard part, rose quickly to the top of the Swedish Hits list in 1966. At the time, Benny had been a member of the Hep Stars, by far Sweden's most popular 1960s band, for three years.

베니 안데르손도 경험 많은 피아니스트라는 것이 그의 수많은 히트곡 중 <Sunny Girl>에서도 분명하다. 키보드에서 깔끔하게 연주되는 달콤한 클래식 스타일의 기분 좋은 멜로디인 <Sunny Girl>은 1966년 Swedish Hits 리스트의 최상위에 올랐다. 17세의 베니는 스웨덴에서 가장 인기 있는 1960년대 밴드 <Hep Stars>에서 3년 동안 멤버였다.

There aren't a lot more hits signed Anderson from his hectic years in Hep Stars. But he did play the piano with gusto, on and off stage. It all started when his parents bought a piano for ten-year-old Benny and it has continued in the same vain ever since.

따라서 Hep Stars에서 안데르손은 바쁜 시절에 몇몇 히트곡을 썼다. 그러나 그는 무대 안팎에서 열정적으로 피아노를 연주했다. 부모님이 열 살짜리 베니를 위해 피아노를 사주셨을 때부터 시작되었고 그 이후로도 지금까지 중단되지 않았다.

It was also at the keyboard that the musical legacy we refer to as ABBA came into being. "Prima la musica e poi le parole" – to borrow a phrase from Mozart's great rival Antonio Salieri. Music first, followed by Björn Ulvaeus' lyrics. What he aims to recreate at the piano is the very essence of the six ABBA songs presented here.

우리가 아바라고 하는 음악적 유산이 등장한 것도 키보드에서였다. 모차르트의 위대한 라이벌 안토니오 살리에리의 문구를 빌리자면, “음악이 먼저 말은 그 다음에”이다. 음악이 먼저 나온 다음 비에른 울바에우스의 가사로 이어졌다. 그리고 그가 6개의 아바 노래에서 연주하려고 했던 매우 독창적인 형식이다. (안데르손은 여기에 있는 6개의 아바 노래를 진정한 음악적 본질로 제시한다.)

That is how Benny Andersson always writes his music. At his grand piano.

그것이 바로 베니 안데르손이 항상 그의 음악을 작곡하는 방식이기 때문이다. 자신의 그랜드 피아노에서.

He actually claims not to be able to read or write musical notation. Irrespective of notation – what a musical creator he is! Melody, harmony, rhythm, three parameters and off we go. Benny says, well, if you have played the piano every day – for sixty years – it would be strange if something didn't come out of it. He refers to that old master carver of Swedish Dalacarlian horse figures who once described his work: "I take a chunk of wood and carve off everything that isn't horse."

그는 실제로 음악부호를 읽거나 쓸 수 없다고 주장한다. 표기에 관계없이 - 그는 음악 제작자이다! 멜로디, 화성, 리듬 - 3가지 기준척도가 필요하지 않다. 베니는 매일 피아노를 연주했다면 - 60년 동안 - “아무것도 나오지 않으면 이상할 것”이라고 말한다. 그는 스웨덴을 상징하는 빨간 말(달라 호스)의 옛 장인 목수가 한때 자신의 작품을 묘사한 것에 대해 언급한다. - “나는 나무토막으로 말이 아닌 모든 것을 깎아낸다.”

Benny Andersson is always in search of the simple melody when he plays. Carving it out until, hopefully, the song has a unique profile. He has no idea where it all comes from. His extensive musical treasure chest has contained, ever since his childhood, a wide range of marches, folk music, cabaret songs, operetta melodies, evergreens and classical favorites – in fact the whole assortment of musical fare that was broadcast on the only Swedish radio channel of the fifties. A panorama of European light music that distinguished the music of ABBA from Anglo-American pop.

베니 안데르손은 연주할 때 항상 순수하면서도 간단한 멜로디를 찾는다. 노래가 독특한 윤곽을 가질 때까지 조각하고 있다. 그는 자신의 아이디어가 어디에서 오는지 전혀 모른다. 그의 광범위한 음악 보물 상자에는 어린 시절부터 광범위한 행진곡, 민속 음악, 카바레 노래, 오페레타 멜로디, 상록수(불멸의 멜로디), 좋아하는(진주 같은) 클래식 등 모든 것이 포함되어 있었다. - 실제로 50년대의 유일한 스웨덴 라디오 채널에서 재생된 모든 것이 있었다. 아바의 음악을 특징짓고 영미 팝과 분리했던 유럽 엔터테인먼트 음악(가벼운 음악)의 파노라마였다.

"I Let The Music Speak" is certainly the perfect album opener. It was written for ABBA but would also have been suited for the theater, thus pointing in the direction of his next career move: musical theater. After ABBA broke up, composing the music for Chess began. One of the six Chess songs on this album – the instrumental solo known as "Chess" that is played during the chess game itself – took astonished audiences by storm with its brooding beauty. Was it Benny himself playing so sensitively on the keyboard?

<I Let The Music Speak>는 확실히 완벽한 앨범 시작곡이다. 아바를 위해 작곡되었지만 극장에도 적합했으므로 그의 다음 경력 이동의 방향을 가리키고 있는데, 뮤지컬 극장이다. 아바가 해체된 후, 체스를 위한 음악을 작곡하기 시작했다. 이 앨범에 나오는 6개의 체스 노래 중 하나로 체스 게임 자체에서 연주되는 <Chess>는 기악 독주곡이며 음울한 아름다움으로 청중을 놀라게 했다. 베니 그 자신이 키보드에서 매우 민감하게 연주하고 있었나?

Today he plays the song even more beautifully on his beloved Fazioli grand piano. Echoes of Bach perhaps? Nothing strange about that. "My love of Bach is deep, strong, and everlasting."

오늘날 그는 애용하는 파치올리 그랜드 피아노에서 더욱 아름답게 노래를 연주한다. (훨씬 더 아름답게 들린다.) 아마도 바흐의 메아리? (여기서 바흐의 반향이 들리나?) 그리 놀랄 일은 아니다. “바흐에 대한 저의 사랑은 깊고 강하며 영원합니다.”

Another never-ending love is that of Swedish folk music. As a six-year-old Benny was given an accordion, which his father and grandfather taught him to play. In 1987 he began to collaborate with the fiddlers' group Orsa Spelmän. An ongoing love affair, supplemented with the hand-picked elite musicians who form his summer band – BAO, Benny Andersson Orchestra. They tour all over Sweden with deluxe dance music. Tracks 9 and 16 on this album demonstrate how well suited his folk music compositions are as arrangements for piano.

또 다른 오래 지속되는 사랑은 스웨덴 민속 음악이다. 6살이 된 베니는 아코디언을 받았으며, 아버지와 할아버지에게서 연주법을 배웠다. 1987년 그는 바이올린 연주자 그룹 <오르사 스펠맨>과 협연하기 시작했다. BAO(베니 안데르손 오케스트라)라는 여름 밴드를 구성하는 엄선된 엘리트 음악가들로 가득하며, 오늘날에도 계속된다. 그들은 스웨덴 전역에서 호화로운 댄스 음악을 제공한다. 이 앨범의 9번 트랙과 16번 트랙은 그의 민속 음악 작품들이 피아노 편곡으로 얼마나 잘 어울리는지 보여준다. (자신의 민요를 피아노 음악으로 재현할 수 있다는 사실은 트랙 9와 16에서 들린다.)

The crowning achievement of Benny Andersson's musical output is "Kristina från Duvemåla" ("Kristina from Duvemåla"), a grand musical based on Vilhelm Moberg's classic novels of downtrodden Swedish emigrants making the arduous crossing to the US in the mid-nineteenth century. In this work, his feel for epic lyricism comes into full bloom. Kristina från Duvemåla is the greatest Swedish success of all times in the field of musical drama.

베니 안데르손의 무대 작곡가로서의 가장 큰 성과는 <Kristina från Duvemåla>(두베몰라에서 온 크리스티나)인데, 19세기 중반 빈민가 스웨덴 이민자들의 미국으로의 힘든 여정을 다룬 빌헬름 모베르그의 고전 소설을 기반으로 한 위대한 뮤지컬로 정점에 도달했다. 이 작품에서 서사시의 서정적인 표현에 대한 그의 재능이 펼쳐진다. <두베몰라에서 온 크리스티나>는 뮤지컬 드라마 분야에서 스웨덴 최고의 성공을 거뒀다.

It has even been described as "Sweden's national opera".

“스웨덴의 국민 오페라”로 묘사되었을 정도이다. (스웨덴의 국민 오페라로 불리기도 한다.)

Andersson's magical piano has also brought forth music for both films and the theater. Not least that enchanting song of solace, "Tröstevisa," written in 1989, and since then a popular request at funerals. No wonder Benny Andersson has become Sweden's most dearly beloved composer in virtually every genre, and of virtually all kinds of listeners.

영화와 연극 음악도 안데르손의 마법 같은 피아노에서 나왔다. 1989년에 작곡된 <Tröstevisa>(위안)라는 매혹적인 위안의 곡은 이후 장례식에서 매우 인기 있는 곡이 되었다. 베니 안데르손이 거의 모든 장르와 다양한 청취자들에게서 가장 사랑받는 작곡가가 된 것은 그리 놀랄 일이 아니다.

It is high time for his fans the world over to discover the pianist in him.

전 세계 팬들이 피아니스트를 발견하기 마침 좋은 때가 되었다.

Camilla Lundberg · Translation: Linda Schenck / 카밀라 룬드베리 글 / 린다 쉥크 번역

In the process of recording this album, which has been tremendous fun, I have come to realise that the pieces I have chosen to play are an integral part of me. In endeavouring to reach for some core within them, I have found that the more I strip away the clothing, i.e. treatments and arrangements from the "original versions", the closer I feel to the music, regardless of whether it was created last year or 40 years ago. In a strange way, I feel like I am playing my memoirs. - Benny Andersson

엄청나게 재밌었던 이 앨범을 녹음하는 과정에서, 내가 선택한 곡이 내게 필수적인 부분이라는 것을 깨달았다. 음악의 가장 안쪽에 침투하려고 노력하면서, 나는 다음과 같은 사실을 알게 되었다. “원곡 버전”의 처리 및 편곡을 더 많이 제거할수록 작년이나 40년 전에 시작되었는지 여부와 상관없이 음악에 더 가깝게 느낀다. 내 인생을 되돌아보는 한 편의 자서전을 음악으로 연주하고 있다는 묘한 기분이 들었다. - 베니 안데르손

인터넷에서 뭔가를 검색하다가 엉뚱하게 나온 음반. 나한테는 마치 크리스마스 선물 같았다. 아바 하면 댄싱 퀸, 맘마미아 아는 정도. 언젠간 구하겠노라 생각하고 찾게 되었다. 내지를 번역할 때에는 스웨덴어, 독일어, 프랑스어도 봤다. 영어로만 번역되지 않는 경우가 종종 있다. 그런 식으로 해서 먼저 영어로 번역한 다음 다른 외국어로 번역기를 돌려봐서 내 부족한 번역을 보완하는 것이기도 하다. 더 나은 해석을 고르기도 하고, 이렇게 해석해도 된다고 괄호에 다른 번역을 넣어줄 때도 있다. 내가 클래식 음악만 듣고 사는 건 아니다. 유로 팝 장르이긴 한데 편하게 감상할 수 있었다. 음반 정보를 찾다가 티저 동영상이 나와서 따로 찾아보게 되었는데 자료가 더 나와서 결국 인터뷰 번역... 흑흑... 내지가 짧아도 3개 국어를 더 동원해서 성의를 다해서 보완해준 것인데 해설이 30분이라서... 내지 짧다고 좋아했더니 유튜브 번역이 기다리고 있었다. 아바에 대한 배경 지식이 많이 부족하다 보니 사실상 수박 겉핥기나 마찬가지였다. 각각의 제목은 굳이 번역하지 않았다. 어차피 무슨 뜻인지 찾아봐도 별로 안 나오는 것도 있고 클래식 외의 다른 장르는 원어 그대로 놔두는 편. 클래식 연주자들에 대해서 번역하는 것과 별 차이가 없었다. 그저 이 곡이 어떤 건지 설명을 번역하는 식. 보너스 트랙 2개가 수록된 음반은 나한테 없다.

Emil Gilels Documentary 1983-1985

에밀 길렐스 다큐멘터리
Schumann Piano Concerto in a, Op. 54: I. Allegro affettuoso / 슈만 피아노 협주곡 1악장
Beethoven Sonata No. 21 in C, Op. 53 "Waldstein": I. Allegro con brio / 베토벤 소나타 21번 <발트슈타인> 1악장
Chopin Polonaise No. 6 in Ab, Op. 53 "Heroic" / 쇼팽 폴로네즈 6번 <영웅>
Prokofiev Sonata No. 3 in a, Op. 28 / 프로코피에프 소나타 3번
Bach/Siloti: Prelude in b, BWV 855a / 바흐 프렐류드 (질로티 편곡)
Brahms 7 Fantasies, Op. 116 No. 1 Capriccio in d / 브람스 카프리치오 작품 116-1
Brahms 7 Fantasies, Op. 116 No. 2 Intermezzo in a / 브람스 인터메조 작품 116-2
Mozart Piano Concerto No. 27 in Bb, K. 595: III. Allegro / 모차르트 피아노 협주곡 27번 3악장

음악과 영상으로만 따라갔다.

Marc-André Hamelin Recital at Tchaikovsky Concert Hall in Moscow (3 June 2019)

https://meloman.ru/concert/marc-Andre-hamelin-2019-06-03/

마르크-앙드레 아믈랭 리사이틀 - 2019년 6월 3일 모스크바 차이코프스키 콘서트홀
Stars of Piano

Program
Bach/Busoni Chaconne in d, BWV 1004 / 바흐 샤콘느 (부조니 편곡)

Feinberg Sonata No. 3, Op. 3 / 파인베르크 소나타 3번
I. Prelude. Misure diverse. Lento assai, ma sempre inquieto e rubato molto
II. Funeral March. Lugubre e maestoso
III. Sonata. Allegro appassionato

Intermission

Alexis Weissenberg 6 Transcriptions of Songs by Charles Trenet / 알렉시스 바이센베르크 6개의 샤를 트르네 가곡 편곡
I. Coin de rue
II. Vous oubliez votre cheval
III. En avril, à Paris
IV. Boum!
V. Vous qui passez sans me voir
VI. Ménilmontant

Mario Castelnuovo-Tedesco: Cypresses, Op. 17 / 마리오 카스텔누오보-테데스코 <사이프러스>

Chopin Polonaise-Fantasy No. 7 in Ab, Op. 61 / 쇼팽 <환상 폴로네즈>

Chopin Scherzo No. 4 in E, Op. 54 / 쇼팽 스케르초 4번

Encores
Debussy Preludes, Book II No. 6 General Lavine-eccentric / 드뷔시 전주곡 2권 6번 <괴짜 라빈 장군>
Debussy Preludes, Book II No. 12 Feux d'artifice / 드뷔시 전주곡 2권 12번 <불꽃>

멜로만 사이트에서도 전체를 볼 수 있다. 파인베르크 소나타는 처음에 왼손으로만 계속 연주해서 왼손을 위한 소나타인 줄 알았다. 드뷔시를 연주할 때는 현을 잡고 소리를 내기도 한다.

Marc-André Hamelin - Live at Verbier Festival (27 July 2014)

마르크 앙드레 아믈랭 - 2014년 7월 27일 베르비에 페스티벌
Église

Program
Haydn Sonata No. 24 in Bb, Hob. XVI:41 / 하이든 소나타 24번
I. Allegro
II. Allegro di molto

John Field: Andante inédit in Eb / 존 필드 <안단테 이네디트>

Debussy Images, Book I / 드뷔시 영상 1집
I. Reflects dans l'eau / 물에 비치는 그림자
II. Hommage a Rameau / 라모를 찬양하며
III. Mouvement / 움직임

Marc-André Hamelin: Variations sur un thème de Paganini / 마르크-앙드레 아믈랭 <파가니니의 주제에 의한 변주곡>

Liszt Harmonies poétiques et religieuses, S. 173 No. 3 Bénédiction de Dieu dans la solitude / 리스트 <시적이고 종교적인 선율> 3번 <고독한 가운데 신의 축복>

Liszt Venezia e Napoli, Supplément aux Années de pèlerinage II, S. 162 / 리스트 <순례의 연보> 2권 이탈리아 부록 <베네치아와 나폴리>
No. 1 Gondoliera / 곤돌라를 젓는 여인
No. 2 Canzone / 칸초네
No. 3 Tarentelle / 타란텔라

Encores
Chopin/Hamelin: Waltz No. 6 in Db, Op. 64 No. 1 "Minute Waltz" / 쇼팽 강아지 왈츠 (아믈랭 편곡)
Godowsky: Java Suite Book 3 No. 8 The Garden of Buitenzorg / 고도프스키 - 자바 모음곡 3권 8번 <뷔텐조르크(보고르)의 정원>

아믈랭이 편곡한 파가니니 변주곡에는 베토벤 교향곡 5번, 라 캄파넬라 등의 선율이 나온다.

Evgeny Kissin & Yuri Temirkanov - Live in St. Petersburg (14 December 2017)

2017년 12월 14일 상트페테르부르크 콘서트
Evgeny Kissin, piano / 에프게니 키신, 피아노
St. Petersburg Philharmonic Orchestra / 상트페테르부르크 필하모닉 오케스트라
Yuri Temirkanov, conductor / 유리 테미르카노프 지휘

Program
Rachmaninov Piano Concerto No. 2 in c, Op. 18 / 라흐마니노프 피아노 협주곡 2번
I. Moderato
II. Adagio sostenuto
III. Allegro scherzando

Tchaikovsky 18 Pieces, Op. 72 No. 5 Meditation (encore) / 차이코프스키 명상

Intermission

Stravinsky: Pulcinella Suite / 스트라빈스키 <풀치넬라 모음곡>
I. Sinfonia (Overture) / 신포니아 (서곡)
II. Serenata / 세레나타
III. Scherzino. Allegro - Andantino / 스케르치노
IV. Tarantella / 타란텔라
V. Toccata / 토카타
VI. Gavotta con due variazioni / 가보트와 2개의 변주곡
VII. Duetto / 듀엣
VIII. Minuetto e Finale / 미뉴에트와 피날레

Stravinsky Firebird (1919) / 스트라빈스키 발레 모음곡 <불새> (1919년 버전)
I. Introduction / 서주
II. The Firebird and its Dance / 불새와 불새의 춤
III. Variation of the Firebird / 불새 변주곡
IV. Ring Dance of the Princesses / 공주들의 원무
V. Infernal Dance of King Kashchey / 마왕 카슈체이 일당의 사악한 춤
VI. Lullaby / 자장가
VII. Finale / 피날레

11분 10초~59분 50초까지 편집하여 피아노 연주만 가지고 있다.

Josu de Solaun Recital at the Fundación Juan March in Madrid (30 March 2019)

호수 데 솔라운 리사이틀 - 2019년 3월 30일 마드리드 시 후안 마르크 재단
Música en la noche. Nocturnos periféricos / 밤의 음악 - 녹턴의 주변

Program
Estados Unidos / 미국
Fred Hersch (1955): Nocturne for Left Hand Alone, de Three Character Studies / 프레드 허쉬 3개의 성격적 연습곡 중 1번 왼손을 위한 녹턴

Samuel Barber (1910-1981): Nocturno Op. 33, "Hommage to John Field" / 사무엘 바버 녹턴 <존 필드를 예찬하며>

Charles T. Griffes (1884-1920): Notturno, de Fantasy Pieces Op. 6 / 찰스 그리프스 3개의 환상 소품 중 2번 녹턴

Italia / 이탈리아
Giuseppe Martucci (1856-1909): Nocturno Op. 70 No. 1 / 주제페 마르투치 녹턴 작품 70-1

Ottorino Respighi (1879-1936): Nocturno, de Seis Piezas para piano / 오토리노 레스피기 녹턴

Francia / 프랑스
Gabriel Fauré (1845-1924) / 가브리엘 포레
Nocturno No. 6 en Re bemol mayor, Op. 63 / 녹턴 6번
Nocturno No. 13 en Si menor, Op. 119 / 녹턴 13번

Los Balcanes / 발칸 반도
George Enescu (1881-1955): Carillon nocturne, de Pièces impromptues, Op. 18, "Suite No. 3" / 게오르게 에네스쿠 <카리용 녹턴>

Pancho Vladigerov (1899-1978): Nocturno, de Novelettes, Op. 59 / 판초 블라디게로프 녹턴

유튜브에서 동영상이 삭제되었다.

Stanislav Neuhaus Documentary - The Live Voice of the Soul 2007

https://www.youtube.com/watch?v=Y_UeqyjzHqg

스타니슬라프 네이가우스 다큐멘터리
"It seems as if one can hear not the sounds of the piano but the live voice of the soul, full of great kindness and a love for life and people. In order to attain that level of spirituality, a performer must possess the upmost sincerity and be passionately in love with the composer's creation."

“마치 피아노의 소리가 아니라 영혼의 살아있는 목소리를 들을 수 있는 것처럼 보이며, 친절함 그리고 인생과 사람들에 대한 사랑으로 가득합니다. 그 수준의 영성을 달성하기 위해, 연주자는 최대한의 진실함을 가지고 작곡가의 창작품을 열정적으로 사랑해야 합니다.”

The Live Voice of the Soul - Stanislav Neuhaus

영혼의 살아있는 목소리 - 스타니슬라프 네이가우스

Stanislav Neuhaus died in 1980; he was just 53. The Italian Academy in Siena where he had taught published a book about him after his death. The author of the preface wrote: "We know nothing about him as a human being because he kept a complete and divine silence. He was a man who did not belong to our time, as he put it, a man who was 'late to be born'. The 19th century is when he should have been born. We will try to get closer to an understanding of this remarkable and tragic romantic by collecting the memories of those who knew Stanislav Genrikhovich as a musician, teacher, and human being. From the fragments of those memories, we will create his portrait."

스타니슬라프 네이가우스는 1980년에 사망했다. - 그는 불과 53세였다. 그가 가르쳤던 시에나의 이탈리안 아카데미는 그가 사망한 후 그에 대한 책을 출판했다. 서문의 저자는 다음과 같이 썼다. - “우리는 그가 완전하고 신성한 침묵을 지켰기 때문에 인간으로서 그에 대해 아무것도 모른다. 그는 우리 시대에 속하지 않은 사람으로, 그가 놓았듯이, ‘늦게 태어난’ 사람이었다. 19세기는 그가 태어났을 때임이 틀림없다. 우리는 음악가, 교육자, 인간으로서 스타니슬라프 겐리호비치를 알았던 사람들의 기억을 수집하여 이 놀라운 비극적인 낭만적인 존재에 대한 이해에 보다 가까이 다가가려고 할 것이다. 그 기억의 파편에서, 우리는 그의 초상화를 만들 것이다.”

Debussy's "Bruyères", a recording made in 1956

드뷔시 전주곡 <히스가 무성한 황야>, 1956년 녹음

Stanislav Genrikhovich Neuhaus was born in 1927 into the family of Heinrich Gustavovich Neugaus...a famous pianist and a professor at the Moscow Conservatoire. Heinrich Neuhaus started teaching at the Moscow Conservatoire in 1922. He came to Moscow with his wife Zinaida Nikolayevna - herself a pianist. "In 1927, I gave birth to my son Stanislav. The four of us lived together in one room. The two children slept behind the curtain; two grand pianos stood on the other side of it. Countless pupils would come for lessons, and there was always music in the house. Stasik's musical talent became evident at quite an early age - at 6 he was already a student at the Gnessin Music School."

스타니슬라프 겐리호비치 네이가우스는 1927년 유명한 피아니스트이자 모스크바 음악원 교수...하인리히 구스타보비치 네이가우스의 집안에서 태어났다. 하인리히 네이가우스는 1922년 모스크바 음악원에서 가르치기 시작했다. 그는 아내이자 피아니스트인 지나이다 니콜라예프나와 함께 모스크바에 왔다. “1927년, 저는 아들 스타니슬라프를 낳았습니다. 우리 넷은 단칸방에서 같이 살았어요. 두 명의 아이들이 커튼 뒤에서 잤는데, 2대의 그랜드 피아노가 반대편에 있었죠. 수많은 학생들이 레슨을 받으러 왔으며, 집에는 항상 음악이 있었죠. 스타식의 음악적 재능은 일찍이 눈에 띄었어요. - 6세에 그는 이미 그네신 음대의 학생이었죠.”

In 1932, Zinaida Nikolayevna divorced Heinrich Neuhaus and married Boris Pasternak. Despite this tragic separation, the poet and the musician remained friends until the end. From then on, Stanislav Neuhaus lived in the house of Boris Pasternak. That influenced his attitude toward life and art - and his own communication with his father, Heinrich Neuhaus.

1932년에 지나이다 니콜라예프나는 하인리히 네이가우스와 이혼했으며 보리스 파스테르나크와 결혼했다. 이 비극적인 결별이 있었음에도 시인과 음악가는 끝까지 친구로 남았다. 그때부터 스타니슬라프 네이가우스는 보리스 파스테르나크의 집에서 살았다. 그것은 삶과 예술에 대한 그의 태도 - 그리고 그의 아버지 하인리히 네이가우스와의 의사소통에 영향을 미쳤다.

Galina Sergeyevna Neuhaus, the wife of Stanislav Neuhaus: One time, Boris Leonidovich decided to buy a grand piano for Stanislav. The Pasternaks had a piano, but it was not a very good one. Pasternak loved music and took great pleasure in listening to Stanislav as he practiced. Sometimes, while passing by, I would see him standing before the closed door of the room where Stasik was practicing, making hush signs to me so that I would not interfere. It was very important to him that the piano be of good quality. Anyway, he gave some money to Zinaida Nikolayevna so that she could go and buy a good grand piano. Heinrich Gustavovich, Stasik's father, helped Zinaida Nikolayevna to choose the right instrument; when it turned out that Zinaida Nikolayevna was a bit short of the required amount, he paid it. Boris Leonidovich was furious when he found out about it and said: "It is I who am buying the piano! Why did you have to bring Garik (a nickname for Heinrich) into this?"

갈리나 세르게예프나 네이가우스 (스타니슬라프 네이가우스의 아내) : 한때 보리스 레오니도비치는 스타니슬라프를 위해 그랜드 피아노를 구입하기로 결정했어요. 파스테르나크는 피아노를 갖고 있었지만, 그다지 좋은 게 아니었죠. 파스테르나크는 음악을 사랑했으며 스타니슬라프가 연습하는 동안 들으면서 큰 즐거움을 얻었죠. 때때로 제가 옆을 지나는 동안 저는 스타식이 연습하고 있는 방의 닫힌 문 앞에 그가 서있는 걸 보곤 했는데, 그는 제가 방해하지 않도록 제게 조용히 하라고 신호를 보냈죠. 피아노는 좋은 품질을 유지하는 것이 매우 중요했어요. 어쨌든, 그는 지나이다 니콜라예프나에게 약간의 돈을 줘서 좋은 그랜드 피아노를 사러 갈 수 있었어요. 스타식의 아버지인 하인리히 구스타보비치는 지나이다 니콜라예프나가 좋은 악기를 선택하도록 도왔는데, 지나이다 니콜라예프나가 필요한 금액보다 약간 부족하다는 것이 밝혀졌을 때, 그가 지불했죠. 보리스 레오니도비치는 그것에 대해 알게 되었을 때 매우 격분하여 말했어요. - “내가 피아노를 구매하고 있는 사람이야! 왜 이것을 가릭(하인리히의 별명)에게 가져와야 했지?”

Heinrich and Stanislav Neuhaus, 1958 / 하인리히와 스타니슬라프 네이가우스 부자
"So you going to play that prelude by Rachmaninoff, aren't you?"

“그래서 라흐마니노프 전주곡을 연주하지 않을래?”

"Yes, I am going to play it."

“네, 연주할게요.”

"Go ahead."

“시작해.”

Stanislav Neuhaus first became an assistant in the class of his father, Heinrich Gustavovich. Later, he got his own class. He continued his father's traditions, being his successor in essence, though he was his complete opposite in external attributes. Both Neuhauses didn't simply teach pianists, rather, they nurtured musicians. Their approaches were quite different, though.

스타니슬라프 네이가우스는 처음에 아버지 하인리히 구스타보비치의 수업 조교가 되었다. 나중에 그는 자신의 수업을 가졌다. 그는 외부 속성과는 완전히 반대였지만, 본질적으로 후계자가 되면서, 아버지의 전통을 이어갔다. 두 네이가우스 부자는 단순히 피아니스트들을 가르치는 것이 아니라 음악가들을 양성했다. 그러나 그들의 접근 방식은 상당히 달랐다.

Elena Richter, a professor at the Moscow Conservatoire and an Honored Artist of Russia: All his (Stanislav Genrikhovich's) lessons were completely different from those of Heinrich Gustavovich. If, say, we played badly at the lessons of Heinrich Gustavovich...he only needed to say two or three words and we would 'see the flower bloom' right in front of us...we would understand 'how' right away, and we would start playing better. It was completely the opposite when we studied with Stasik: there was the impression that we could play quite well, but after his 'interference', everything would be 'ruined'...absolutely nothing would be left. That's how different it was. That openness of Heinrich Gustavovich to people, that openness to everything...his classes were always full of people - people sitting on the windowsills, sitting everywhere, people bringing chairs with them. The more people there were, the more he flourished, the more of an artist he would became. It was impossible to take one's eyes off him. It was quite different with Stasik. He could spend hours with just one student. He spent hours with me sometimes. What Stasik demanded was this: he had this absolutely clear idea of how everything should sound...so when he taught his students, he could not imagine that any other way was possible. Not in the sense that we had to copy everything he was doing. Rather, he demanded that ideal which he himself strove to achieve, ...and he demanded it from every student, without any consideration that maybe someone couldn't do it, just...couldn't. Heinrich Gustavovich understood all this and could somehow always find a 'detour' around it. Stasik, on the other hand...Stasik only wanted the ideal in the end. He himself strove for the ideal, and so that would always lead to a terrible conflict in the beginning, because...because some students just couldn't take it.

엘레나 리히터 (모스크바 음악원 교수이자 러시아 공훈예술가) : 그(스타니슬라프 겐리호비치)의 모든 레슨은 하인리히 구스타보비치와는 완전히 달랐어요. 예를 들어, 우리가 하인리히 구스타보비치의 레슨에서 잘못 연주했다면...그는 단지 두세 마디만 말해야 했으며 우리는 우리 앞에서 당장 ‘꽃이 피는 것을 보았을’ 것이고...우리는 당장 ‘어떻게’ 이해하여 더 나은 연주를 시작했을 것입니다. 우리가 스타식과 함께 공부했을 때는 완전히 반대였어요. - 우리가 매우 잘 연주할 수 있다는 인상이 있었지만, 그의 ‘개입’ 후에 모든 것이 ‘파멸’되었을 것이고...절대 아무것도 남지 않았을 것입니다. 어찌나 달랐던지. 하인리히 구스타보비치의 개방성, 모든 사람에 대한 개방성...그의 수업은 항상 사람들로 가득했어요. - 창턱에 앉은 사람들, 어디에나 앉든지, 의자를 가져오는 사람들도 있었고요. 사람들이 더 많을수록, 아티스트가 많을수록, 그는 더 번창했죠. 그에게서 눈을 떼는 것이 불가능했죠. 스타식과는 상당히 달랐어요. 그는 한 학생과 몇 시간을 보낼 수 있었거든요. 그는 가끔 저랑 몇 시간을 보냈죠. 스타식이 요구한 것은 다음과 같습니다. - 그는 모든 것이 어떻게 들리는지에 대한 명확한 생각을 가졌으므로...그가 학생들에게 가르칠 때, 다른 방식이 가능하다고 상상할 수 없었어요. 우리는 그가 하고 있는 모든 것을 복제해야 한다는 의미가 아닙니다. 오히려 그는 자신이 달성하기 위해 노력한 이상을 요구했고, ...어쩌면 누군가가 그것을 할 수 없다는 것을 고려하지 않고 모든 학생에게 그것을 요구했습니다. 하인리히 구스타보비치는 이 모든 것을 이해했으며 어떻게든 항상 주변에서 ‘우회’를 찾을 수 있었죠. 반면에 스타식...스타식은 결국 이상적인 것을 원했습니다. 그 자신은 이상을 위해 노력했으므로, 처음에는 항상 끔찍한 갈등을 일으켰을 것인데, 왜냐 하면...어떤 학생들은 그것을 받아들일 수 없었기 때문이죠.

Stanislav Neuhaus and Brigitte Engerer before the Fourth International Tchaikovsky Competition, 1970

1970년 제4회 차이코프스키 국제음악콩쿠르에 나가기 전의 스타니슬라프 네이가우스와 제자 브리지트 앙제레

Elena Richter, a professor at the Moscow Conservatoire and an Honored Artist of Russia: He worked...he worked on the sound like someone who was possessed. He could spend, say, an hour working on just two measures. Nonetheless, after having spent two hours on half a page, one would start to understand and hear the piano differently. The most important thing the two of them (Stanislav and Heinrich) had in common was the sound they could extract from the piano - it was fantastic. We rarely come across such a sound nowadays.

엘레나 리히터 (모스크바 음악원 교수이자 러시아 공훈예술가) : 그는 공들였어요...소유한 사람처럼 소리에 공들였어요. 말하자면, 그는 겨우 두 마디 가지고 한 시간을 보낼 수 있었어요. 그럼에도 반 페이지에서 두 시간을 보낸 후에는 피아노를 다르게 이해하고 듣기 시작했을 것입니다. 두 사람(스타니슬라프와 하인리히)이 공통적으로 갖고 있었던 가장 중요한 것은 그들이 피아노에서 뽑아낼 수 있었던 소리였죠. - 환상적이었어요. 우리는 요즘 그런 소리를 거의 겪지 않죠.

Stanislav Genrikhovich Neuhaus taught many famous pianists: Brigitte Engerer, Vladimir Krainev, Radu Lupu, Valeri Kastelsky, Evgeny Mogilevsky, Andrei Nikolsky, and Andrei Mikita.

스타니슬라프 겐리호비치 네이가우스는 많은 유명한 피아니스트들을 가르쳤다. - 브리지트 앙제레, 블라디미르 크라이네프, 라두 루푸, 발레리 카스텔스키, 에프게니 모길레프스키, 안드레이 니콜스키, 안드레이 미키타.

Andrei Mikita, a pianist and composer: He called himself a teacher...he never said he was a "professor" or anything like that. If he was saying something, but a student couldn't hear him because s/he was playing, ...he would play an abrupt chord on the piano and say, "Listen to what the teacher is saying." So a teacher to him - a music teacher - was someone like a prophet, like a preacher. And so the purpose of the 'School of Neuhaus' was to 'preach music to the people' in order to make them better human beings. That was the main goal. In this sense, the piano was just a means to an end. It was the music itself that mattered - it was eternal, uplifting, divine harmony.

안드레이 미키타 (피아니스트 겸 작곡가) : 그는 자신을 선생님이라고 불렀어요...자신을 ‘교수’나 다른 것으로 말한 적이 없었어요. 그가 뭔가를 말하고 있었다면, 학생은 그가 연주하는 것을 들을 수 없었는데, 학생이 연주하고 있었기 때문이죠...그는 피아노에서 갑작스러운 화음을 연주하고 말하곤 했죠. “선생님이 말하는 것을 들으세요.” 음악 선생님인 그에게 교육자는 선지자, 설교자 같은 사람이었죠. 그래서 ‘네이가우스 스쿨’의 목적은 더 나은 인간으로 만들기 위해 ‘사람들에게 음악을 전파’하는 것이었죠. 이것이 주요 목표였죠. 이런 의미에서, 피아노는 단지 끝으로 가는 수단이었죠. 중요한 것은 음악 그 자체였어요. - 그것은 영원하고 고상하며 신성한 화성이었으니까요.

Marina Neuhaus, the daughter of Stanislav: He himself never talked big - probably something he learned from Boris Pasternak. It was all hard work - he worked very hard...he practiced a lot. He probably didn't consider his life and his art to be a service to others, ...but in reality it was so, because his dedication to his art was the one and most important thing. He was always seeking to attain perfection. His attitude was very selfless, very giving - he consumed himself in music to give to others. He would say: "I live it. I know that people leave my concerts more pure, more beautiful inside, and striving for the better." It was not really HIS music, but the beautiful music that he played. So I think this is what service is - service to the people and to the art.

마리나 네이가우스 (스타니슬라프의 딸) : 그 자신은 큰 대화를 한 적이 없었어요. - 아마도 보리스 파스테르나크에게서 배운 것이겠죠. 모두 힘든 일이었죠. - 그는 정말 열심히 일했어요...많이 연습했죠. 그는 아마도 자신의 삶과 예술을 다른 사람들에게 봉사하는 것으로 생각하지 않았지만, ...실제로는 예술에 대한 그의 헌신이 하나이자 가장 중요한 것이기 때문에 그렇게 되었죠. 그는 항상 완벽해지려고 노력했어요. 그의 태도는 매우 이기적이지 않고 헌신적이었어요. - 그는 다른 사람들에게 제공하기 위해 음악에서 자신을 소비했죠. 그는 이렇게 말했을 거예요. - “나는 살아간다. 나는 사람들 내면에 내 콘서트를 더 순수하고 아름답게 남기며, 더 나은 것을 위해 노력한다는 것을 알고 있다.” 실제로 그것은 그의 음악이 아니라 그가 연주했던 아름다운 음악이었어요. 그래서 저는 이것이 사람들과 예술에 대한 봉사라고 생각합니다.

Chopin Scherzo No. 2 / 쇼팽 스케르초 2번
Stanislav Neuhaus plays Chopin's Scherzo No. 2, 1956 recording
Stanislav Neuhaus plays Chopin's Scherzo No. 2, 1979 recording

Valeri Voskoboinikov, the president of the Musical Association "Heinrich Neuhaus" (Italy): Something in that music, in that story, was very close to the life of Stanislav Genrikhovich himself. He understood it so well that he felt absolutely free in all those mood changes...in all that melodiousness...all that passion. And it was strikingly natural. It's the most difficult thing in Chopin to play it naturally. Our generation already couldn't do it, and - I was giving it some thought later - it was probably because we were too "unfree". One should be absolutely free to play Chopin. Let's recall that in 1949, I think, he was selected as the best Soviet pianist to go the International Chopin Piano Competition...but he was literally taken off the plane. Such things don't go away without leaving any scars. He probably would have won a very high prize at that prestigious competition...because the pianists who did win prizes there were not of a higher level...at least not as Chopin performers, pardon me. Stasik had an unsuccessful performance at a piano competition in Paris, and Arthur Rubinstein told him then: "You shouldn't go to piano competitions, because you are your father's son and both of you are pianists who are not made for competitions. It's sport here, not art, so it's not for you."

발레리 보스코보이니코프 (이탈리아의 하인리히 네이가우스 음악 협회장) : 그 이야기에서 그 음악의 뭔가가 스타니슬라프 겐리호비치 자신의 삶과 매우 가까웠어요. 그는 모든 기분 변화...듣기 좋은 모든 것...모든 열정에서 절대적으로 자유로울 수 있다는 것을 잘 이해했죠. 그리고 그것은 놀랍도록 자연스러웠어요. 쇼팽에서 자연스럽게 연주하기란 가장 어려운 것입니다. 우리 세대는 이미 그것을 할 수 없었는데 - 저는 그것을 나중에 생각하고 있었는데 - 아마도 우리가 너무 “자유가 없어서”였겠죠. 쇼팽을 연주하려면 절대적으로 자유로워야 하거든요. 1949년을 떠올리자면, 쇼팽 국제피아노콩쿠르에 참가할 최고 소비에트 피아니스트로 그가 선정되었지만...말 그대로 비행기가 떠났다고 생각해요. 그런 것들은 어떤 상처도 남기지 않고 사라지지 않아요. 그는 어쩌면 그 권위 있는 콩쿠르에서 최고상을 받았을지도 모르는데...입상한 피아니스트들이 더 높은 수준은 아니었기 때문에...미안하지만 최소한 쇼팽 연주자들은 아니었죠. 스타식은 파리에서 열린 피아노 콩쿠르에서 실패했으며, 아르투르 루빈스타인은 다음과 같이 말했죠. - “당신은 아버지의 아들이고 둘 다 콩쿠르를 위해 만들어지지 않은 피아니스트이기 때문에 피아노 콩쿠르에 가면 안 됩니다. 여긴 스포츠이지 예술이 아니므로 당신을 위한 것이 아닙니다.”

Rehearsal of Chopin's 2nd Piano Concerto, 1978

쇼팽 피아노 협주곡 2번 리허설 1978

Polish artists and musicians always get a heartfelt welcome in the Soviet Union. A rehearsal of Polish music at the Grand Hall of the Moscow Conservatoire. Polish conductor Karol Stryja and Soviet pianist Stanislav Neuhaus.

폴란드 아티스트들과 음악가들은 항상 소련에서 진심으로 환영받는다. 모스크바 음악원 대강당에서의 폴란드 음악 리허설. 폴란드 지휘자 카롤 스트리야와 소비에트 피아니스트 스타니슬라프 네이가우스.

Heinrich Neuhaus, Stanislav Neuhaus, Svyatoslav Richter

하인리히 네이가우스, 스타니슬라프 네이가우스, 스비아토슬라프 리히터

Professor Andrei Zolotov: I remember one of those days when Sviatoslav Richter was playing at Tchaikovsky Concert Hall and Stanislav Neuhaus was playing at the Grand Hall of the Moscow Conservatoire. I attended Stasik's concert, and the hall was full. Even the fact that Richter was scheduled to give a concert at the same time couldn't take away his (Stasik's) audience. People went to his concerts to listen to some real...real manifestation of life in music. We can talk a lot about exactly what made his interpretations different from those of the other great masters, but that's a separate topic. While performing, he was completely immersed in the music at hand...even as it further transformed the musician that he was. Maybe during concerts, while on stage, he was most himself. He was most focused, most open, yet at the same time he was very reserved...that absolutely gorgeous posture of his...no swaying, no 'wallowing in virtuosity'. I was in his dressing room after the concert when Pasternak came in with the words, "Stasik, you are like Phoenix, you are getting reborn!" It was said in that deep and low voice of his. By the way, at that moment he seemed like he was not very tall. Next to Stasik, Pasternak looked just like some amazed listener from the audience, not like a great poet. Yes, because the poetry at that moment was in Neuhaus.

안드레이 졸로토프 교수 : 스비아토슬라프 리히터가 차이코프스키 콘서트홀에서 연주하고 스타니슬라프 네이가우스가 모스크바 음악원 대강당에서 연주했던 시절 중의 하나를 기억합니다. 저는 스타식의 콘서트에 참석했고, 홀이 가득 찼죠. 리히터가 동시에 콘서트를 열 예정이라는 사실조차도 그(스타식)의 청중을 빼앗을 수 없었죠. 사람들은 그의 콘서트에 가서 음악에서 인생의 실제적 표현을 들었습니다. 우리는 그의 해석이 다른 위대한 거장들의 해석과 다른 점을 정확하게 이야기할 수 있지만, 그것은 별도의 주제입니다. 연주하는 동안, 그는 음악가를 완전히 변형시켰음에도 불구하고...가까이 있는 음악에 완전히 몰두했어요. 어쩌면 콘서트 동안 무대에서 그는 가장 자신에 가까웠을 것입니다. 그는 가장 집중되어 있었고, 가장 개방적이었지만 동시에 매우 내성적이었는데...그의 절대적인 화려한 자세는...흔들림이 없었으며, ‘고도의 예술적 기교에 젖어있는 것’이 아니었죠. 파스테르나크가 이렇게 말하러 왔을 때, 저는 콘서트 후 그의 탈의실에 있었어요. “스타식, 당신은 불사조 같아요, 다시 태어나고 있으니까요!” 그는 깊고 낮은 목소리로 말했어요. 그런데 그 순간 그는 키가 크지 않은 것처럼 보였어요. 스타식 옆에 있는 파스테르나크는 위대한 시인이 아닌, 청중 속에 있는 놀라운 청취자처럼 보였어요. 그래요, 당시의 시는 네이가우스 안에 있었으니까요.

Bella Akhmadulina, "Return to Peredelkino", dedicated to Stanislav Neuhaus:
"The riddle lingered in the dark,
And now the answer will glitter forth.
I look at the dome in the hour of sunset,
And a clear opening appears in the sky.
Arrogant is the immortal soul,
And what is the temporary stronghold of the soul?
It desires to live without delay,
But it does recognize this place.
What is the connection between it and the body,
One will be surprised not to guess.
In the distance, down below, behind the field of white
The window also tells the same story.
It grows more righteous, more defenseless
This life of the light in the valiant window.
That is 'Hello' for me through the haze, through the hoarfrost,
That is my reproach and my edification.
More pleading than tears and words,
And louder than the expressions of the mouth
Is the light that radiates from the window.
And I am ready, and I will not become guilty before it.
Neither I will taint myself with glory,
Nor will the field, where the creek flows,
Wish to become a landfill
For alien and unnecessary things."

벨라 아흐마둘리나, 스타니슬라프 네이가우스에게 헌정된 시 <페레델키노로 돌아가다>
“수수께끼는 어둠 속에 남아있으며,
이제 답이 멀리서 빛날 것이네.
나는 일몰 시간에 돔을 보며,
확실한 시작이 하늘에 나타나네.
도도함은 불멸의 영혼이며,
영혼의 일시적 거점은 무엇인가?
지체 없이 살기를 열망하지만,
이곳을 인식하네.
그것과 몸 사이의 연결은 무엇인가,
추측하지 않는 것이 놀라울 것이네.
먼 곳에 아래쪽에 흰 들판 뒤에서
창문도 같은 이야기를 하네.
더 정의롭게, 더 무방비하게 자라네
용맹한 창문에서 이 빛의 인생.
그것은 안개를 통해, 흰서리를 통해 내게 ‘안녕’ 하고 인사한다네,
그것은 나의 비난이자 나의 교화라네.
눈물과 말보다는 애원이며,
입에서 나오는 표현보다 더 크다네
빛은 창문에서 나오는 것인가.
그리고 나는 준비가 되어 있으며, 그전에는 죄가 없을 걸세.
나는 영광으로 내 자신을 더럽히지 않을 걸세,
개울이 흐르는 밭도,
매립되길 바라며
이방인과 불필요한 것들을 위해.”

[Chopin Etude in c, Op. 25 No. 12]

From a letter of Stanislav Neuhaus to Tatiana Pospelova: "I've been practicing with pleasure...even intoxication, for two days now, and again, the thought of not being able to get closer to the music is killing me. It will flicker and then disappear like the elusive bluebird. And all our efforts and exhausting work are only aimed at looking for it again and again...chasing after it, losing its trail, and then all over again, with no end. In essence, it's a pointless exercise. Only those will be successful who will be able to deceive the audience...to make them believe that they hold the bluebird in their hands. So it means that one should strive for deception, a lie? And the more honest the artist is, the more s/he should strive for it? This is very tragic. I can only imagine how intensely the composers feel the tragedy of the situation...bound as it is by so many conventions, and very rarely experiencing just a little bit of satisfaction...having managed merely to hint at the existence of music. It's terrifying to even think about it. But nonetheless, the music does exist somewhere. And that makes life beautiful."

타티아나 포스펠로바에게 보내는 스타니슬라프 네이가우스의 편지에서 : “저는 즐겁게 연습해왔습니다...심지어는 술에 취해서도, 이틀 동안 지금, 그리고 다시, 음악에 더 가까이 갈 수 없다는 생각이 저를 죽이고 있습니다. 깜박거리면서 찾기 힘든 파랑새처럼 사라질 것입니다. 그리고 우리의 모든 노력과 고단한 일은 계속해서 그것을 몇 번이고 다시 찾고...쫓아가며...흔적을 잃은 다음, 끝없이 계속해서 다시 찾는 것을 목표로 합니다. 본질적으로 무의미한 연습이죠. 파랑새를 쥐고 있다고 믿게 하려면...청중을 속일 수 있는 사람들만이 성공할 것입니다. 그러면 기만, 거짓말을 위해 노력해야 한다는 것을 의미할까요? 그리고 아티스트가 정직할수록, 그/그녀는 더 많은 노력을 기울여야 할까요? 이것은 매우 비극적입니다. 작곡가들이 그 상황에 대한 비극을 얼마나 강렬하게 느끼는지 상상할 수 있는데...너무나도 많은 관례에 의해 구속되어 있고, 약간의 만족감을 거의 경험하지 않으며...음악의 존재를 암시할 뿐이죠. 그것에 대해 생각하는 것조차도 끔찍해요. 그럼에도 음악은 어딘가에 존재하죠. 그리고 그것은 인생을 아름답게 만듭니다.”

From the memoirs of Aldona Dvarionaite, a pupil of Stanislav Neuhaus: It's January 18th, 1980. There is a concert at the Grand Hall of the Moscow Conservatoire. In the program - music of Chopin: the four Ballades and Sonata in C minor. Later people will share their unforgettable experiences and joy, but none will predict that they are listening to him for the last time.

스타니슬라프 네이가우스의 제자 알도라 드바리오나이테의 회고록에서 : 1980년 1월 18일입니다. 모스크바 음악원 대강당에서 콘서트가 있습니다. 프로그램에는 쇼팽 4개의 발라드와 소나타 1번이 있습니다. 나중에 사람들은 잊을 수 없는 경험과 기쁨을 나누게 되지만, 아무도 그들이 마지막으로 그의 연주를 듣고 있다고 예측하지 않을 것입니다.

Elena Richter: I remember his last concert very well. It was an extremely difficult concert, just a few days before his death - the circumstances surrounding the concert were terrible. He made some extraordinary efforts to play in it. He had been in hospital right before that; I had been to visit him. We were walking down the alley, and I asked him: "Are you going to play in the concert?" He said, "If I am still alive...if I am still alive." Exactly in 10 days, he was brought to the same hall of the Moscow Conservatoire, ...and he had on the same black velvet suit...only the expression on his face was frozen - for eternity. Very quietly, as if in a whisper, his playing can be heard...but it's a recording this time. The hall is full of people listening in silence.

엘레나 리히터 : 저는 그의 마지막 콘서트를 아주 잘 기억합니다. 사망하기 며칠 전에 열린 매우 힘든 콘서트였어요. - 콘서트 주변 환경은 끔찍했죠. 그는 연주하기 위해 특별한 노력을 기울였어요. 그는 그 직전에 병원에 있었는데, 저는 그를 방문했죠. 우리는 골목을 걷고 있었고, 제가 그에게 질문했어요. - “콘서트에서 연주하실 건가요?” 그는 이렇게 말했어요. “내가 아직 살아있다면...여전히 살아있다면.” 정확히 10일이 지나서 그는 모스크바 음악원의 같은 강당에 끌려갔고, ...그는 같은 검은 벨벳 수트를 입고 있었는데...얼굴의 표정만이 얼어붙었어요. - 영원토록. 속삭이는 것처럼 매우 조용히, 그의 연주를 들을 수 있었어요...하지만 이번에는 레코딩입니다. 홀은 조용히 듣는 사람들로 가득합니다.

Marina Neuhaus: It was a terrible blow for everyone, for every music lover. He had his own audience and a lot of admirers - it was a tragedy for them, too. Not to mention what it was for us, for the family - for Mama, for me, and for my brother. We could hardly live through it. We couldn't listen to any music at all for a while after his death...especially his playing, because it was all so...alive. But then I somehow transcended that barrier, and I felt that he was still with us, that he hadn't left. That gave me incredible strength and I grew in faith. I became very religious after that. I felt that everything was...he was...that he was alive. But of course I missed him terribly. I still miss him...very much.

마리나 네이가우스 : 모든 사람에게, 모든 음악 애호가에게 끔찍한 타격이었습니다. 그에게는 자신의 청중과 많은 추종자들이 있었어요. - 그들에게도 비극이었죠. 말할 것도 없이 우리에게, 가족에게 - 엄마, 저, 그리고 제 형제에 대해서요. 우리는 고난을 이기기 힘들었어요. 우리는 그가 죽은 이후 한동안 음악을 전혀 들을 수 없었어요...특히 그의 연주, 그것이 모두...생생했으니까요! 그러나 저는 어떻게든 그 장벽을 넘었으며, 그가 아직 우리와 함께 있고, 그가 떠나지 않았다고 느꼈어요. 그것은 제게 놀라운 힘을 주었으며 믿음 속에서 성장했어요. 저는 그 후 매우 신앙심이 깊어졌어요. 저는 그 모든 것이...그는...그가 살아있다고 느꼈어요. 그러나 물론 저는 그를 몹시 그리워했어요. 아직도 그를...매우 많이 그리워합니다.

Andrei Zolotov: Going back to my "Ballade"...As fate would have it...the movie was finished - and he watched it when he came to the studio - but it wasn't programmed for the longest time. Finally it was decided upon - the date was set, the hour, the schedule was printed already...and on that day I found out that he had died. I went to Peredelkino right away, it was almost evening. I knocked at the door, and Natacha Pasternak, Lyonya Pasternak's wife, mistook me for the priest they were waiting for. I had a long beard, and it was dark. But then we immediately recognized each other, of course. I went in and I saw him, lying - how do you say it - on his deathbed. And on that day, in those very moments, "Ballade" was playing on TV. So Stasik was lying there...and, at the same time, he was playing for us all. There was this visual conjunction of life and death iin one moment. His favorite dog was howling under the table...or maybe it wasn't, I don't remember now. In any case, it was sitting under the table. It was like a mystical act - life passed into music...forever.

안드레이 졸로토프 : 제 <발라드>로 돌아가면서...운명에 따라...영화가 끝났으며 - 그가 스튜디오로 왔을 때 그는 그것을 봤지만 - 가장 오랫동안 프로그램으로 제작되지 않았습니다. 마침내 그것은 결정되었습니다. - 날짜가 정해졌고 시간, 일정이 이미 인쇄되었으며...그날 저는 그가 죽었다는 것을 알았습니다. 저는 당장 페레델키노로 갔는데, 거의 저녁에 가까워졌죠. 저는 문을 두드렸고, 나타샤 파스테르나크와 리오냐 파스테르나크는 저를 그들이 기다리는 성직자로 착각했죠. 수염이 긴데다가 어두웠으니까요. 하지만 우리는 물론 즉시 알아봤죠. 저는 들어가서 그가 누워있는 것을 봤어요. - 어떻게 말할까요. - 그의 죽음의 침대에서. 그리고 그날, 바로 그 순간에 TV에서 <발라드>가 재생되고 있었어요. 그래서 스타식은 거기에 누워 있었고...동시에 그는 우리 모두를 위해 연주하고 있었죠. 삶과 죽음의 시각적 연결이 한 순간에 있었어요. 그가 가장 좋아하는 개가 탁자 밑에서 울부짖고 있었거나...아니었을지도 모르지만 지금은 기억나지 않네요. 어쨌든, 탁자 밑에 앉아있었어요. 신비로운 행동 같았어요. - 인생이 음악의 일부가 되었죠...영원히.

Fragment from the movie "Ballade", 1979, Director Natalya Pavlova-Arbenina

쇼팽 발라드 4번 - 나탈리야 파블로바-아르베니나 감독의 1979년 필름 <발라드>에서 발췌

Epilogues / 에필로그들
Iliya Karzov, a student of the Chemistry Department at the Moscow State University: I discovered an old LP in my mother's wardrobe. Until the last moment, I was sure it was Heinrich Neuhuas who was playing because I had never heard anything at all about Stanislav Neuhaus. When the music began, from the very first chords, I felt the light. It's very hard to put into words...but one can experience a similar feeling when going out into the streets of one's city after a long illness...one sees the same old shabby buildings and lone, leafless trees...one sees big crowds of people going about their business in a hurry; one sees a 'whirlpool' of day-to-day ordinary life. And then, in that ordinary life, one notices something beautiful, and one doesn't understand why!

일리야 카르조프 (모스크바 국립 대학교 화학과 학생) : 어머니의 옷장에서 오래된 LP를 발견했습니다. 마지막 순간까지, 저는 스타니슬라프 네이가우스에 대해 전혀 들어본 적이 없었기 때문에 하인리히 네이가우스가 연주하고 있다고 확신했어요. 음악이 시작되었을 때, 첫 화음부터 빛을 느꼈습니다. 말로 표현하기는 매우 어렵지만...오랜 병을 앓고 나서 도시의 거리로 나갈 때와 비슷한 느낌을 경험할 수 있는데...낡은 초라한 건물과 고독한 잎이 없는 나무를 보게 되며...많은 사람들이 서둘러 자신의 사업에 참여하는 것을 보는데, 일상적인 평범한 생활의 ‘소용돌이’를 봅니다. 그리고 그 평범한 삶에서, 아름다운 뭔가를 발견하며, 왜 그런지 이해하지 못합니다!

Andrei Zolotov: Stanislav Neuhuas is a great Russian artist. And that he should remain. He is a role model for all the Russian artists: not to seek fame - it will come by itself, if it will...not to be useless for humanity; not to hinder others, and...to add something to art and to life. Stanislav Neuhaus added a lot. He added his image, his way of life in art. He added some unsullied atmosphere of his presence on Earth.

안드레이 졸로토프 : 스타니슬라프 네이가우스는 위대한 러시아 아티스트입니다. 그리고 그는 남아있어야 합니다. 그는 모든 러시아 아티스트들의 롤 모델입니다. - 명성을 구하지 않도록 - 그것이 가능하다면 그 자체로 올 것이고...인류에게 쓸모없도록 - 다른 사람들을 방해하지 않으며...예술과 삶에 뭔가를 추가합니다. 스타니슬라프 네이가우스는 많이 추가했죠. 그는 자신의 이미지, 예술에서의 삶의 방식을 추가했습니다. 그는 지구에서 그의 존재에 대한 아직 순수한 분위기를 더했습니다.

From the article of Stanislav Neuhaus "About poetry": Poetry, music, painting, architecture...each in its own language talks, in essence, about one and the same thing: About the beauty of the world and the beauty of the human soul...about a loftiness of thought and the flight of ideas; about happiness and the tragedies of existence. There is something that is always present in every true work of art...something that makes up its essence, its beauty, and its pathos...something that gives art its incredible power to influence. It's poetry. Without it, any, even the most perfect - from the formal point of view - creation or performance seems dead and useless. Such a performance might even bring us short-lived joy due to its formal perfection, but it will soon be all but forgotten. And the opposite is true - the more obvious is the presence of poetry in the creation or performance...the greater is the impact it has on the listener. It awakens the somnolent; it calms the restless; it works itself deep into the soul...sometimes even for life. And so, to rephrase the words of the remarkable French poet Paul Verlaine, "Poetry comes first!"

스타니슬라프 네이가우스를 다룬 기사 <시에 대하여>에서 : 시, 음악, 그림, 건축...본질적으로 각각의 언어로 하나와 같은 것에 대해 이야기한다. - 세상의 아름다움과 인간의 영혼의 아름다움에 대해...많은 생각과 아이디어의 비행에 대해, 행복 그리고 존재의 비극에 대해. 모든 진정한 예술 작품에는 항상 존재하는 뭔가가 있다...그 본질, 그 아름다움, 그리고 그 파토스(연민을 자아내는 힘)를 구성하는 뭔가가...예술에 영향을 줄 수 있는 그 놀라운 힘을 주는 것이다. 그것은 시이다. 그것 없이는, 심지어 가장 완벽한 - 형식적인 관점에서 볼 때 - 창작물이나 연주는 죽어서 쓸모없는 것 같다. 그런 연주는 형식적인 완벽함으로 인해 우리에게 짧은 기쁨을 가져다줄 수도 있지만, 곧 거의 잊히게 될 것이다. 그리고 반대의 경우도 마찬가지이다. - 창작물이나 연주에서 시의 존재는 더욱 분명한데...청취자에게 미치는 영향이 더 크다. 그것은 졸음을 깨우고, 불안을 진정시키며, 때로는 평생 동안...그 자체를 영혼 깊이 흥분시킨다. 따라서 유명한 프랑스 시인 폴 베를렌의 말을 바꾸면, “시가 가장 먼저다!”

러시아어라서 잘 모르므로 처음에는 음악과 영상으로 따라갔다. 하인리히 네이가우스의 아들이며 스타니슬라프 부닌의 아버지... 하인리히는 아무리 찾아봐도 유태계 여부가 안 나오는데 그 아들은 모친이 유태계인 건지... 후손인 하인리히 스타니슬라보비치 네이가우스는 나중에 이스라엘로 건너갔고 2017년에 사망했으며 그 아들이 피아니스트 아디 네이가우스. 그래서 독일과 폴란드의 피가 흐르는 부닌을 유태계라고 생각... 다행히 유튜브에 영어 자막이 있어서 받아 적었다. 동영상은 있으므로 유튜브에서 자막만 받았다. 아버지 것을 먼저 정리하느라고 고생 좀 해서 그런지 아들 건 더 수월하게 번역이 풀렸다. 시 번역 같은 경우에는 한글로 번역하면 행이 바뀌기도 하는데 그렇게 하려다가 편의상 그대로 뒀다. 학생 시절에 스타니슬라프 네이가우스의 스크리아빈 에튀드 연주를 좋아했던 기억도 난다. 이렇게 러시안 피아노 스쿨에 중요한 역할을 했던 네이가우스 부자에 대해 주변인들의 회고를 통해 들여다봤다.

Heinrich Neuhaus Documentary - Master Heinrich

https://www.youtube.com/watch?v=izCfrtFuYAc

하인리히 네이가우스 다큐멘터리
Vera Gornostayeva: A great deal can be said about the scope of his personality as an artist, philosopher...thinker. Not doubt, he was a genius of a teacher, because first and foremost he immersed one in culture, but only if one wanted it, strove for it. Not everyone wanted it, but those who did so received much from him. He was not a mere teacher of the piano; it was too small a title for one like him. He became a teacher because of the circumstances of his life.

베라 고르노스타예바 : 아티스트, 철학자...사상가로서의 그의 성격의 범위에 대해 많은 것을 말할 수 있습니다. 의심의 여지없이 그는 천재적인 교육자였는데, 무엇보다도 그는 문화 분야 중 하나에 몰입했기 때문이지만, 원하는 경우에만 애썼죠. 모든 사람이 그것을 원하지는 않았지만, 그렇게 한 사람들은 그에게서 많은 것을 얻었습니다. 그는 피아노를 가르치는 교육자가 아니었습니다. - 그와 같은 사람에게는 직함이 너무 작았습니다. 그는 자신의 인생에 대한 상황 때문에 교육자가 되었죠.

Master Heinrich

마스터 하인리히

His life turned out to be both happy and dramatic...the childhood in a family of musicians in the small town of Elisavetgrad; the studies in Berlin and Vienna with Leopold Godowsky and Heinrich Barth (he also received some lessons from Aleksander Michałowski); the fluent knowledge of European languages and the year and a half stay in Florence; the youthful friendship with Arthur Rubinstein and Karol Szymanowski - his second cousin - who later became a great Polish composer; the artistic interactions with Vladimir Horowitz, whose teacher was Felix Blumenfeld, Heinrich's uncle; the fate of the two families so happily and yet so torturously intertwined together - that of Neuhaus and Pasternak; the months of imprisonment and the joy of success; the brilliant concerts and the years-long battle with a serious hand aliment; the triumphs of his pupils and the numerous books he authored, among which was The Art of Piano Playing... "Too small a man for big deeds," he used to say of himself. And here is what Heinrich Gustavovich Neuhaus wrote in his self-interview: "A pianist - mediocre, a musician - good, an artist - excellent, a human being - inclined to good."

그의 삶은 행복하면서도 극적인 것으로 밝혀졌는데...엘리자베트그라드(오늘날 크로피우니츠키, 옛 이름 키로보흐라드)의 작은 마을에 있는 음악가 집안에서 출생하여 어린 시절을 보냈다. 베를린과 비엔나에서는 레오폴트 고도프스키와 하인리히 바르트를 사사했다. (알렉산데르 미하워프스키에게서도 레슨을 받았다.) 유럽 언어에 대해 유창한 지식을 지녔으며 피렌체에서 1년 반을 보냈다. 아르투르 루빈스타인과 (네이가우스의 육촌이자 나중에 폴란드의 대작곡가가 된) 카롤 시마노프스키와는 젊은 시절에 친하게 지냈다. 하인리히의 외삼촌인 펠릭스 블루멘펠트의 제자인 블라디미르 호로비츠와는 예술적 교류가 있었다. 두 가족, 네이가우스와 파스테르나크의 운명은 행복하면서도 고통스럽게 얽혀있었다. 구속된 적도 있었고 성공에 대한 기쁨의 나날들도 있었다. 화려한 콘서트를 가졌으면서도 심각한 손 부상으로 수년간 싸운 적도 있었다. 제자들의 성과가 있었으며 그가 쓴 수많은 책들 중 <피아노 연주기법>에서...자신에 대해 “큰일을 하기에는 사람이 너무 작다”고 말하곤 했다. 그리고 여기 하인리히 구스타보비치 네이가우스가 자신의 인터뷰에서 쓴 내용이 있다. “피아니스트는 평범하고, 음악가는 좋고, 아티스트는 우수하며, 인간은 좋은 경향이 있다.”

Vera Gornostayeva: My interactions with Heinrich Gustavovich at that time could not, of course, fully reveal the enormity of his personality. Imagine a young girl, who was brought up during Soviet times in a central school, and a man - he was 60 years old at that time - a man, who has already lived such a renowned life; a man who has absorbed all of the European culture; a man who has been exposed to that culture from a very early age. Imagine a man who from his childhood was fluent in both Polish and German - his mother's and father's native tongues. He spoke French, like all (well-educated) Europeans, and Italian, having spent a year and a half in Italy. He first fell in love in Italy; he almost got married there. He always said that Italian was a language of love. Of course, the scope and depth of his culture was not something I could fully comprehend at such an early age. 29. His concerts were always sold out, and the audience was always top-notch the cultural elite. Ossip Mandelstam even wrote a poem after he had attended one of these concerts. It has these lines: "Are my hands like sledgehammers? My ten fingers are my herd! And up he jumped, brushing off his coattails, Master Heinrich - the little humpbacked horse." Just think about the image! "Master Heinrich - the little humpbacked horse." But that is so true - he was a petite man with fluffy hair.

베라 고르노스타예바 : 당시 하인리히 구스타보비치와의 교류는, 물론 그의 성격의 광대함을 완전히 드러낼 수 없었어요. 소련 시대에 중앙음악학교에서 성장한 어린 소녀와 한 남자를 상상해보세요. - 그는 당시에 60세였어요. - 이미 유명한 인생을 살아온 사람입니다. 유럽 문화를 모두 흡수한 사람이었죠. 아주 어린 나이부터 그 문화에 노출된 사람이었죠. 어린 시절부터 폴란드어와 독일어에 능통한 사람을 상상해보세요. - 어머니와 아버지의 모국어이죠. 그는 모든 (잘 교육받은) 유럽인들과 마찬가지로 프랑스어를 구사했으며, 이탈리아어도 썼는데, 이탈리아에서 1년 반을 보냈죠. 그는 이탈리아에서 첫사랑에 빠졌는데, 거의 그곳에서 결혼했죠. 그는 항상 이탈리아어는 사랑의 언어라고 말했어요. 물론 그의 문화의 범위와 깊이는 제가 그렇게 어린 나이에 완전히 이해할 수 있는 것은 아니었어요. 29세였죠. 그의 콘서트는 항상 매진되었으며, 청중은 항상 문화 엘리트의 최고 수준이었어요. 오시프 만델스탐은 콘서트 중 하나에 참석한 후 시를 썼어요. 다음과 같은 행이 있습니다. “내 손은 큰 망치 같은가? 내 열 손가락은 나의 무리! 그리고 그는 코트 자락을 털면서 벌떡 일어서는데, 마스터 하인리히 - 작은 곱사등이 망아지.” 이미지만 생각해보세요! “마스터 하인리히 - 작은 곱사등이 망아지.” 그러나 그건 사실입니다. - 그는 솜털 같은 머리카락을 가진 몸집이 작은 사람이었죠.

Militsa Neuhaus, the daughter of Heinrich Neuhaus: Lunacharsky - he was a People's Commissar, but he was not ignorant in the matters of culture. He invited both Blumenfeld and Neuhaus to join the faculty. Neuhaus established himself very quickly - he was a very bright man. His charm could not be compared to anyone else's. At the Moscow Conservatoire, in the Classroom of the Meritorious Worker of Arts: "Tanechka, what would you like to play for us?" "I am going to play the finale of the Polonaise As dur." "Fine, and after that you are going to play the Octave Etude." "Fine."

밀리차 네이가우스 (하인리히 네이가우스의 딸) : 아나톨리 루나차르스키 - 그는 (구소련의) 인민 위원이었지만, 문화 문제에 대해서 무지하지 않았어요. 그는 블루멘펠트와 네이가우스 모두 교수진에 초빙했죠. 네이가우스는 매우 빨리 자신을 확립했는데, 그는 매우 영리한 사람이었어요. 그의 매력은 다른 사람과 비교할 수 없었죠. 모스크바 음악원에서 공훈예술가의 수업은 다음과 같았죠. - “타네치카, 뭘 연주할 거니?” “쇼팽의 영웅 폴로네즈요.” “좋아, 그러고 나서 쇼팽의 옥타브 에튀드를 연주하자.” “좋아요.”

Vera Gornostayeva: The professors - Igumnov, Goldenweiser, Neuhaus, and Feinberg - they all gave open master classes. Igumnov, he was a most brilliant pedagogue, but he did not quite like to interact with the audience during such master classes; he preferred one-on-one communication with his pupils. Neuhaus, on the other hand, loved the audience. His master classes were always full of people. It was his nature. First and foremost, Neuhaus was a performer; he flourished in such an environment.

베라 고르노스타예바 : 이굼노프, 골덴바이저, 네이가우스, 파인베르크 교수님은 모두 공개 마스터클래스를 가졌어요. 이굼노프는 가장 뛰어난 교육자였지만, 이러한 마스터클래스에서 청중과 교류하는 걸 좋아하지 않았는데, 제자들과의 일대일 커뮤니케이션을 선호했어요. 반면에 네이가우스는 청중을 사랑했죠. 그의 마스터클래스는 사람들로 가득 찼어요. 그의 성격이었죠. 무엇보다도 네이가우스는 연주자였는데, 그는 그런 환경에서 번창했죠.

Aleksey Nasedkin about Neuhaus' master classes: There were always a lot of people there. These listeners - some of them came from other classes, while some of them came from other cities to listen to him. All in all, the working environment was probably not ideal, but there was always an element of a concert, an element of excitement, an element of tension, so to speak. But maybe it was helpful, because one would probably feel more at ease while performing on stage later. There was no lack of people in the audience at such master classes, but they were all professionals - professors, associate professors, or just teachers from other music schools. It was far more pressure to play before such people than to play on stage in front of the general public.

네이가우스의 마스터클래스에 대한 알렉세이 나세드킨의 인터뷰 : 거기에는 항상 많은 사람들이 있었어요. 이 청취자들 - 그들 중에는 다른 클래스에서 온 사람들도 있고, 다른 도시들에서 그를 들으러 온 사람들도 있었죠. 대체로 작업 환경이 어쩌면 이상적인 것은 아니었겠지만, 말하자면 항상 콘서트의 요소, 흥분의 요소, 긴장의 요소가 있었어요. 그러나 나중에 무대에서 연주하는 동안 더 편하게 느끼기 때문에 도움이 될 수 있었을지도 모릅니다. 그러한 마스터클래스를 듣는 사람들이 부족하지 않았지만, 그들 모두 교수, 조교수, 또는 다른 음악학교의 교육자 등 전문가였죠. 무대에서 일반 대중 앞에서 연주하는 것보다 그러한 사람들 앞에서 연주하는 것이 훨씬 더 큰 압박이었네요.

Neuhaus is asking Yakov Zak to play something for him (part of Chopin's Third Scherzo).

네이가우스가 야코프 자크에게 뭔가(쇼팽 스케르초 3번 일부)를 연주할 것을 요청하고 있다.

Yakov Zak was Neuhaus' first triumph as a pedagogue - he prepared Zak for the Chopin International Piano Competition in Warsaw. Back then, in the mid '30s, there were not so many piano competitions as we have now, and every trip abroad was a rarity. Participation in a piano competition - not to mention a victory - was a matter of honor for the Soviet Union.

야코프 자크는 네이가우스의 교육자로서 첫 성과였다. - 그는 바르샤바에서 열리는 쇼팽 국제피아노콩쿠르를 준비했다. 그 당시 30년대 중반에는 지금과 같이 피아노 대회가 많지 않았으며, 해외여행은 드물었다. 승리는 말할 것도 없이 피아노 콩쿠르에 참여하는 것은 소련을 위한 영광의 문제였다.
"Moscow gives a warm welcome to the winners of the 3rd International Chopin Piano Competition in Warsaw. The concerts of these young Soviet musicians...Yakov Zak...Rosa Tamarkina...Tatiana Goldfarb...and Nina Emelyanova...were very popular in Poland."

“모스크바는 바르샤바에서 열린 제3회 쇼팽 국제피아노콩쿠르 입상자들을 진심으로 환영합니다. 이 젊은 소련 음악가들...야코프 자크...로자 타마르키나...타티아나 골드파르브...그리고 니나 에멜리아노바...의 콘서트는 폴란드에서 매우 인기가 있었습니다.”

A Member of the Jury of the International Competition, Professor Neuhaus: "Pianist Yakov Zak was the recipient of the 1st prize. Rosa Tamarkina was the recipient of the 2nd prize."

국제 콩쿠르 심사위원인 네이가우스 교수 : “피아니스트 야코프 자크는 1등상을 받았습니다. 로자 타마르키나는 2등상을 받았습니다.”

Tamarkina was not a pupil of Neuhaus; she studied in the class of another distinguished pedagogue - Professor Goldenweiser. She often came to Neuhaus' class, though - its doors were always open. "Rosa, what are you going to play for us?" "Chopin's 'Black Key' Etude."

타마르키나는 네이가우스의 학생이 아니었다. 그녀는 또 다른 저명한 교육자인 골덴바이저 교수를 사사했다. 그녀는 종종 네이가우스의 수업에 왔지만 - 문이 항상 열려 있었다. “로자, 어떤 걸 연주할 거지?” “쇼팽의 흑건 에튀드요.”

Neuhaus' class draws talented pupils like a magnet. The 19 years-old Emil Gilels, a laureate of an all-union competition, a graduate of the Odessa Conservatoire, arrives for his post-graduate studies with Professor Neuhaus.

네이가우스의 수업은 자석처럼 재능 있는 학생들을 끌어들인다. 전소련 콩쿠르 우승자인 19세의 에밀 길렐스는 오데사 음악원을 졸업했으며, 네이가우스 교수와 함께 석사 과정을 공부하기 위해 도착한다.

The year is 1938 - another triumph of the Soviet school of pianism, another triumph of the Neuhaus atelier. Gilels receives a gold medal and international recognition at the International Piano Competition in Brussels. Yakov Flier, a pupil of Igumnov, also became a laureate in the same competition. The victors and their pedagogues were greeted as national heroes.

올해는 1938년 - 소비에트 피아니즘 스쿨의 또 다른 성과, 네이가우스 문하의 또 다른 승리였다. 길렐스가 브뤼셀에서 열린 국제피아노콩쿠르에서 금메달을 받으면서 국제적인 명성을 얻는다. 이굼노프의 제자인 야코프 플리에르도 같은 대회에서 3위에 입상했다. 입상자들과 그 교육자들은 국가 영웅으로 환영받았다.

Vera Gornostayeva: There is this rumor that he (Neuhaus) did not quite like Gilels, but that he favored Richter, yet I have come across this article where he writes about Gilels: "Everything he played was permeated with beauty of the sound - his gorgeous, golden sound - like his deep red hair - so full, rich, warm, and deep. I can hardly name another pianist who has so much of this noble metal in their sound." and this was written about Gilels. So why all this talk that he did not like Gilels?

베라 고르노스타예바 : 그가 길렐스를 좋아하지 않고 리히터를 선호한다는 소문이 있었지만, 저는 길렐스에 대해 다음과 같이 쓴 기사를 보았습니다. - “그가 연주한 모든 것은 그의 짙은 붉은 머리처럼 화려한 황금 같은, 아름다운 소리로 가득 차 있었고 정말 충분히 풍부하고 따뜻하며 깊었다. 나는 소리에 이 귀금속을 많이 가지고 있는 다른 피아니스트의 이름을 거의 말할 수 없다.” 그리고 이것은 길렐스에 대한 글입니다. 그렇다면 왜 이 모든 이야기는 그가 길렐스를 좋아하지 않았다고 말할까요?

Eliso Virsaladze: Envious pupils used to scold Neuhaus a little bit because he used to choose someone in the class to put on a pedestal, I mean, among his students. Richter, when he joined, was one such student. Other students still existed for Neuhaus, but...and I can very well understand that. On the other hand, from a pedagogical point of view, it was probably not quite right, but he was such an emotional person, a person of such an emotional temperament, that I could fully understand him. He couldn't help but fall under Richter's hypnotic spell...

엘리소 비르살라제 : 부러워하는 학생들은 네이가우스를 약간 질책했는데 그가 수업 시간에 받침대를 놓을 사람을 선택했기 때문이죠. 저는 그의 제자들 중에 있었죠. 리히터가 들어왔을 때는 그러한 학생이었어요. 다른 학생들은 여전히 네이가우스를 위해 존재했지만...그리고 저는 그것을 정말 잘 이해할 수 있어요. 반면에 교육적인 관점에서 보면, 아마도 옳지 않았을 것이지만, 그는 그런 감정적인 사람, 그런 감정적인 기질을 가진 사람인데, 저는 그를 완전히 이해할 수 있었어요. 그는 도울 수 없었지만 리히터의 최면을 거는 상태에 빠졌어요...

Elena Richter: Heinrich Gustavovich probably felt some sort of fatherly love toward Richter. There was something there, you see, maybe even because they were both of German extract. There was some connection between them that is not quite possible to explain. Yes, Richter was probably more than a son to him. And Richter, in his turn, used to say that he had found a father in Neuhaus - his second father.

엘레나 리히터 : 하인리히 구스타보비치는 어쩌면 리히터에 대해 아버지의 사랑을 느꼈을 것입니다. 아마도 모두 독일계이기 때문에 아시다시피 뭔가가 있었을 것입니다. 그들 사이에는 설명이 불가능한 관계가 있었죠. 그래요, 리히터는 어쩌면 그에게 아들 이상이었을 거예요. 그리고 리히터는 자신의 차례에 네이가우스 안에서 아버지 - 제2의 아버지를 찾았다고 말하곤 했죠.

Lyudmila Krenkel, musicologist and employee at Svyatoslav Richter's Memerial Apartment in Moscow: In 1937, Richter arrived from Odessa, where he spent his childhood and youth. He knew one of Neuhaus' female students, so she brought Richter for an audition with Neuhaus. Neuhaus asked Richter to play something - Richter played. After that, Neuhaus asked Richter to improvise on a given theme - Richter did so brilliantly. Then Neuhaus put an orchestral score in front of Richter - Richter sight-read it on the spot. Neuhaus was really surprised and said in a whisper: "I think he is a genius." Then he asked: "Who did you study with?" And it turned out, quite unbelievably, that Richter had not really studied with anyone. Yet, when Richter came to study with Neuhaus, he was already a fully-formed, remarkable musician. Nonetheless, he came from Odessa to learn yet more from Neuhaus. In reality, it was a mutual enrichment of two intellects. This portrait...Richter always had it in this room. It was painted by the famous Georgian painter Magalashvili when Neuhaus was on tour in Georgia, and, while staying at her apartment, was practising on her piano before a concert. The most interesting thing is that Richter, judging by the position of the hands, made an assumption that Neuhaus was playing one of the Intermezzi of Brahms!

류드밀라 크렌켈 (음악학자 겸 모스크바의 스비아토슬라프 리히터 기념 아파트 직원) : 1937년 리히터는 자신이 유년기와 청소년기를 보냈던 오데사에 도착했습니다. 그는 네이가우스의 여제자들 중의 한 명을 알고 있었으므로, 그녀는 리히터를 네이가우스의 오디션에 데려갔죠. 네이가우스는 리히터에게 뭔가를 연주해달라고 요청했어요. - 리히터는 연주했죠. 그 후 네이가우스는 리히터에게 주어진 주제에 즉흥적으로 연주할 것을 요청했는데요. - 따라서 리히터는 멋지게 해냈죠. 그런 다음 네이가우스는 리히터 앞에 오케스트라 총보를 놓았는데요. - 리히터는 그 자리에서 즉흥 연주했죠. 네이가우스는 정말 놀랐으며 다음과 같이 속삭였죠. - “나는 그가 천재라고 생각해.” 그러고 나서 그는 다음과 같이 질문했죠. - “누구랑 공부했니?” 그리고 믿을 수 없게도 리히터가 실제로 다른 누군가를 사사하지 않았다는 것이 드러났죠. 그러나 리히터가 네이가우스를 사사하게 되었을 때, 그는 이미 완전히 형성된 훌륭한 음악가였어요. 그럼에도 네이가우스로부터 더 많은 것을 배우기 위해 오데사에서 온 거죠. 실제로 두 지성의 상호 보완이었죠. 이 초상화...리히터는 항상 이 방에서 그것을 가지고 있었어요. 네이가우스가 조지아를 연주 여행할 때 유명한 조지아 화가 케테반 마갈라쉬빌리가 그렸으며, 그녀의 아파트에 머무는 동안 콘서트 전에 그녀의 피아노로 연습하고 있었죠. 가장 흥미로운 게 뭐냐면, 리히터는 손의 위치로 판단하여 네이가우스가 브람스의 인터메조 중 하나를 연주하고 있었다고 가정했다는 것이죠!

Eliso Virsaladze: He (Neuhuas) loved Georgia with a passion. He loved Georgian painters; he was friends with many Georgian musicians, and Georgians of other professions. One could not help but love him. Neuhaus visited Georgia quite often, Tbilisi and its conservatoire in particular. My grandmother - she was a professor at the Tbilisi Conservatoire - once organised a reception in his honor at her home. Neuhaus used to visit Georgia every year; I played for him almost every year from when I turned 9, so I cannot really say that I am not one of his pupils. Not to mention that he was my mentor for the Tchaikovsky Competition.

엘리소 비르살라제 : 그(네이가우스)는 조지아를 정열적으로 사랑했어요. 그는 조지아 화가들을 사랑했어요. 그는 많은 조지아 음악가들과 조지아의 다른 직업을 가진 사람들과 친구였어요. 그를 도와줄 수는 없었지만 그를 사랑했죠. 네이가우스는 조지아, 특히 트빌리시와 그 음악원을 자주 방문했어요. 트빌리시 음악원 교수이신 저의 할머니는 자택에 그를 초대한 적이 있었죠. 네이가우스는 매년 조지아를 방문했어요. 저는 9세 때부터 거의 매년 그를 위해 연주했으므로, 실제로 그의 제자들 중 한 명이 아니었다고 말할 순 없어요. 말할 것도 없이 그는 차이코프스키 콩쿠르를 위한 제 멘토였죠.

"20 year-old student Eliso Virsaladze is performing Prokofiev's second sonata with virtuosity and a deep understanding of the music."

“20세의 학생 엘리소 비르살라제가 고도의 예술적 기교와 음악에 대한 깊은 이해로 프로코피에프 소나타 2번을 연주하고 있습니다.”

Eliso Virsaladze: He (Neuhaus) was very demanding, exacting everything from his students. Yes, that's how he was. But he spared neither him time nor his efforts, that's how involved he was! He was very dedicated. In 1959, I was at his class recital - to this day I can remember everyone who played there and how they played. It was an experience I will never forgot! They were all young people - 17, 18, 19-year olds, but how they played! Their performances were of the highest level!

엘리소 비르살라제 : 그(네이가우스)는 제자들에게서 모든 것을 정확하게 요구하면서, 부담이 매우 컸어요. 정말 그랬어요. 하지만 그는 자신에게 시간이나 노력을 아끼지 않았는데, 정말 몰두했어요! 그는 정말 헌신적이었죠. 1959년, 제가 그의 클래스 리사이틀에 있었는데 - 오늘날까지 그곳에서 연주한 모든 사람들과 그들이 어떻게 연주했는지 기억할 수 있습니다. 결코 잊을 수 없는 경험이었어요! 그들은 모두 17, 18, 19세의 젊은이들이었지만, 훌륭하게 연주했어요! 그들의 연주는 최고 수준이었죠!

Marina Neuhaus, the granddaughter of Heinrich Neuhaus: Heinrich Gustavovich was like fireworks, like a fountain. He charmed everyone, everyone used to fall under his spell - women especially, always. There was some aura...it was not some kind of casual, day-to-day attitude toward a grandfather. It was more like a holiday, like a fairy-tale, like something really wonderful. At that time I was a little girl. We lived in the same apartment building, but in different apartment. Sometimes he would come to our place, sometimes I would go to his. Yes, it was a special feeling. I also had my other grandfather, my mother's father, whom we lived with. He was a very different type of a grandfather - a more casual, day-to-day grandfather. So I had two very different grandfathers - one was more 'day-to-day' and the other was more 'holiday'. I loved my 'holiday' grandfather very much, but was also a little bit timid in front of him.

마리나 네이가우스 (하인리히 네이가우스의 손녀) : 하인리히 구스타보비치는 불꽃처럼, 분수처럼 보였어요. 그는 모든 사람들을 매료시켰는데, 모든 사람이 그의 주문에 빠지곤 했죠. - 항상 여성이 특히. 뭔가 아우라가 있었는데...할아버지에 대한 무심한, 일상적인 태도는 아니었어요. 오히려 휴일처럼, 동화처럼, 정말 뭔가 멋진 것 같았죠. 당시에 저는 어린 소녀였어요. 우리는 같은 아파트 건물에 살았지만, 다른 아파트였죠. 때때로 그는 우리 집에 왔고, 때때로 저는 그의 집에 갔죠. 맞아요, 특별한 느낌이었어요. 제게는 함께 살았던 외할아버지도 있었어요. 그는 정말 할아버지랑 달랐는데 - 보다 무심한, 일상적인 할아버지였어요. 그래서 제게는 두 분의 매우 다른 할아버지가 있었어요. - 한 분은 보다 ‘일상적’이고 다른 한 분은 보다 ‘휴일’ 같은 할아버지였죠. 저는 ‘휴일’ 할아버지를 정말 사랑했지만, 그 앞에서는 좀 소심하기도 했어요.

Vera Gornostayeva: In his book - with humility, with modesty, and with self-reproach - he constantly writes that he was never a virtuoso, that he never had the technique to play the Rhapsodies of Liszt, as his father had wanted him to. He used to say to his father: "Papa, let some pianistic stud-horse play those Rhapsodies, not me." But when he played, he did not have to be an pianistic stud-horse. He had something else, and the audience could feel that something else, could hear it in his playing...

베라 고르노스타예바 : 그의 책에서 - 겸손, 겸허, 자책으로 - 그는 항상 아버지가 그에게 원했던 것처럼 리스트의 랩소디를 연주할 테크닉을 가진 비르투오소가 아니었다고 씁니다. 그는 아버지에게 이렇게 말하곤 했죠. - “파파, 저 말고 일부 피아노 연주에 능한 종마가 랩소디를 연주하게 해줘요.” 하지만 그가 연주했을 때, 그는 피아니스틱한 종마일 필요가 없었죠. 그에게는 뭔가가 있었으며, 청중은 그 밖의 다른 것을 느낄 수 있었고, 그의 연주에서 그것을 들을 수 있었어요...

Militsa Neuhaus, the daughter of Heinrich Neuhaus: But then a big misfortune happened - he fell sick after the 1st all-union competition. He became infected with diphtheria, but it went undiagnosed. He became fully paralyzed. The doctors said he wouldn't be able to play again. That was in 1934. He was sick for almost a year. He recovered, but he couldn't play. He worked really hard to get back in shape and gradually started playing again. But two fingers on his right hand - a pinky and a ring finger - he used to write about them: "Those little rascals, they don't work." No one knew how hard it was for him to play. After that illness, as they write about him, he became...inconsistent, but of course, he had many students - 32 of them at times, and all of them required his attention. He did not have enough time to practice, he definitely needed more time in his condition. It was an entirely different matter with Richter or Gilels - they didn't have to practice as much as he did - he definitely had to play more. Richter would become angry with him and ask: "Heinrich Gustavovich, why are you wasting your time on these pupils? They are not going to play any better, no matter what." He used to say that.

밀리차 네이가우스 (하인리히 네이가우스의 딸) : 그러나 큰 불행이 일어났습니다. - 그는 제1회 전소련 콩쿠르 이후에 아팠죠. 그는 디프테리아에 감염되었지만, 진단되지 않았어요. 그는 완전히 마비되었죠. 의사들은 그가 다신 연주할 수 없을 거라고 말했어요. 1934년이었네요. 그는 거의 1년 동안 아팠죠. 그는 회복했지만, 연주할 수 없었어요. 그는 다시 건강해지려고 정말 열심히 노력했으며 점차 다시 연주하기 시작했죠. 그러나 그의 오른손에서 새끼손가락과 넷째손가락에 대해 다음과 같이 쓰곤 했죠. - “이 꼬마 녀석들이 움직이지 않는다.” 그에게 연주하기가 얼마나 힘든지 아무도 몰랐죠. 그 병을 앓은 후에, 그는 자신에 대한 글을 쓸 때 일관성이 없어졌지만...물론 그에게는 많은 제자들이 있었죠. - 당시에 그들 중 32명 그리고 모두 그의 관심을 요구했죠. 그에게는 연습할 시간이 충분하지 않았으며, 더 많은 시간이 필요한 상태였죠. 리히터나 길렐스와는 전적으로 다른 문제였죠. - 그들에게는 그만큼 연습할 시간이 많지 않아도 되었으니까요. - 그는 확실히 더 많이 연주해야만 했죠. 리히터는 그에게 화를 내며 질문했어요. - “하인리히 구스타보비치, 왜 이 제자들에게 시간을 낭비하고 계시나요? 무슨 일이 있어도 더 나아지지 않을 것입니다.” 그는 그렇게 말하곤 했죠.

Marina Neuhaus, the granddaughter of Heinrich Neuhaus: Heinrich Gustavovich and Zinaida Nikolayevna met in Elisavetgrad. She was a very talented musician and had studied in Saint Petersburg with Blumenfeld, Felix Mikhailovich, who was a relative of Heinrich Gustavovich. She later moved to Elisavetgrad and there she met Heinrich Gustavovich. Once, she attended his concert and was stunned by his playing. So right away she wanted to study with him. She started to take lessons with him and became his pupil. It so happened that they got married and lived in Kiev. They were acquainted with Vladimir Horowitz - they were good friends. They played duets together - Horowitz and Zinaida Nikolayevna. They lived in Kiev for a while and then moved to Moscow. They had two kids - Adik, the elder son, and my father, Stanislav - everyone called him Stasik - who was a year and a half younger. When they moved to Moscow, Heinrich Gustavovich met and became good friends with Boris Leonidovich Pasternak. Heinrich Gustavovich was very fond of his poetry and very fond of him. They were very fond of each other from the very start. It so happened that their families got really close, they were all good friends and used to go on vacations together to Irpen, near Kiev. It was there that Pasternak realized that he had fallen in love with Zinaida Nikolayevna. He fought that falling really hard at first, because Neuhaus was his friend, but after a year or year and a half he confessed his feelings to Zinaida Nikolayevna. She was very fond of Pasternak as a poet, and as a friend. She was smitten by his confession and by strength of his feeling for her. But her love for Heinrich Gustavovich was still strong; she had a very tough time of uncertainty as to how it was all going to turn out. In the end Pasternak's love for her prevailed. Interestingly enough, when the years had passed and the pain had subsided, they were all friends again. Heinrich Gustavovich later married Militsa Sergeyevna Borodkina, with whom he had a daughter, Militsa.

마리나 네이가우스 (하인리히 네이가우스의 손녀) : 하인리히 구스타보비치와 지나이다 니콜라예프나는 엘리자베트그라드에서 만났어요. 그녀는 재능 있는 음악가였으며 상트페테르부르크에서 하인리히 구스타보비치의 친척인 펠릭스 미하일로비치 블루멘펠트를 사사했죠. 그녀는 나중에 엘리자베트그라드로 이주했으며 그곳에서 하인리히 구스타보비치를 만났어요. 그녀는 그의 콘서트에 간 적이 있었는데 그의 연주에서 큰 감동을 받았죠. 그래서 그녀는 당장 그와 함께 공부하고 싶어 했어요. 그녀는 그의 레슨을 받기 시작했으며 그의 제자가 되었죠. 그렇게 그들은 결혼하여 키예프에서 살았죠. 그들은 블라디미르 호로비츠와 친해졌는데, 좋은 친구들이었죠. 호로비츠와 지나이다 니콜라예프나는 듀오 연주를 가졌죠. 그들은 한동안 키예프에서 살았으며 이후 모스크바로 이주했습니다. 그들에게는 두 명의 아이들이 있었어요. - 장남인 아딕과 저의 아버지인 스타니슬라프 - 모든 사람이 아버지를 스타식이라고 불렀죠. - 1년 반 어린 나이였어요. 그들이 모스크바로 이주했을 때, 하인리히 구스타보비치는 보리스 레오니도비치 파스테르나크를 만나서 좋은 친구가 되었어요. 하인리히 구스타보비치는 보리스의 시를 정말 좋아했으며 그를 정말 좋아했어요. 그들은 처음부터 서로를 아주 좋아했어요. 그들의 가족이 정말 가까워졌고, 모두 좋은 친구였으며, 키예프 근처의 이르핀으로 함께 휴가를 가곤 했죠. 파스테르나크는 자신이 지나이다 니콜라예프나와 사랑에 빠졌다는 것을 깨달았어요. 그는 네이가우스가 자신의 친구였으므로 처음에는 그 느낌과 싸우기 힘들었지만, 1년이나 1년 반이 지난 후에 지나이다 니콜라예프나에게 자신의 감정을 고백했죠. 그녀는 시인이자 친구로서 파스테르나크를 매우 좋아했어요. 그녀는 그의 고백과 그녀를 향한 그의 감정의 힘에 이끌렸죠. 그러나 하인리히 구스타보비치에 대한 그녀의 사랑은 여전히 ​​강했는데, 그녀는 그것이 어떻게 될지에 대해 매우 불확실한 힘든 시간을 가졌죠. 결국 파스테르나크의 그녀에 대한 사랑이 우세했죠. 흥미롭게도 몇 년이 지나 고통이 가라앉았을 때 그들은 모두 다시 친구였죠. 하인리히 구스타보비치는 나중에 밀리차 세르게예프나 보로드키나와 결혼하여 딸 밀리차를 낳았죠.

Militsa Neuhaus, the daughter of Heinrich Neuhaus: My mother was his (Neuhaus') bride even before World War I. In her memoirs, Zinaida Nikolayevna Pasternak, who moved to Elisavetgrad where they all lived, reminisces that she always saw him walk hard-in-hand with Militsa Sokolova-Borodkina. So it was she who was my mother. Then the war started, they parted ways and met again in Moscow many years later. They lived close to each other. Heinrich Gustavovich lived with his parents on Trubnikovsky Lane along with Zinaida Nikolayevna and their two boys - they all lived together. My mother lived around the corner on Large Molchanovka Street. They probably bumped into each other somewhere and...it should be said that I was born in 1929, but he (Neuhaus) and Zinaida Nikolayevna separated in 1931, I think, when Boris Leonidovich Pasternak so strongly fell in love with her and she left him (Neuhaus) for Boris Leonidovich. I was born in 1929, but they separated in 1931! When Zinaida Nikolayevna and Boris Leonidovich left for the Caucasus. Heinrich Gustavovich wrote very tender letters to her. So tender were those letters that in one of her letters to him Zinaida Nikolayevna asked: "Maybe I should come back to you?" He wrote back right away: "What are you talking about? You probably like him better, so live with Boris, for now." Later he officially married my mother. Initially, my birth certificate didn't have any information about my father; there was a rule to that the father's name should be omitted if the parents were as yet unmarried.

밀리차 네이가우스 (하인리히 네이가우스의 딸) : 저의 어머니는 1차 세계대전 이전에도 그(네이가우스)의 신부였어요. 어머니의 회고록에 의하면, 엘리자베트그라드로 이주하여 살았던 지나이다 니콜라예프나 파스테르나크는 그가 항상 밀리차 소콜로바-보로드키나와 손잡고 걷는 것을 보았다고 회상해요. 따라서 그녀는 저의 어머니였죠. 그런 다음 전쟁이 시작되어, 몇 년 후 그들은 모스크바에서 이별하고 다시 만났죠. 그들은 서로 가까이 살았어요. 하인리히 구스타보비치는 지나이다 니콜라예프나와 그들의 두 아들들을 따라 부모님과 함께 트루브니코프스키 거리에서 살았어요. - 그들 모두 함께 살았어요. 어머니는 큰 몰차노프스카 거리 모퉁이에 살았어요. 그들은 어쩌면 어딘가에서 서로 부딪혔을 것이고...제가 1929년에 태어났다고 말해야 하지만, 그(네이가우스)와 지나이다 니콜라예프나는 1931년에 이혼했는데, 제 생각에 보리스 레오니도비치 파스테르나크가 그녀와 강렬한 사랑에 빠져서 보리스 레오니도비치 때문에 그(네이가우스)를 떠났을 때였죠. 저는 1929년에 태어났지만, 그들은 1931년에 결별했어요! 지나이다 니콜라예프나와 보리스 레오니도비치가 카프카스(코카서스)로 떠났을 때였죠. 하인리히 구스타보비치는 그녀에게 매우 부드러운 편지를 썼어요. 지나이다 니콜라예프나가 그에게 보낸 편지 중 하나에서 매우 부드러운 편지는 다음과 같습니다. - “어쩌면 제가 당신에게 돌아와야 할까요?” 그는 바로 답장을 썼습니다. - “무슨 소리야? 아마도 당신은 그를 더 좋아하므로 지금을 위해 보리스랑 살 거야.” 나중에 그는 공식적으로 저의 어머니와 결혼했죠. 처음에는 출생증명서에 아버지에 대한 정보가 없었는데, 부모님이 아직 결혼하지 않은 경우 아버지의 이름을 생략해야 한다는 규칙이 있었죠.

Marina Neuhaus, the granddaughter of Heinrich Neuhaus: Papa lived in the vacation house in Peredelkino with the Pasternaks. He was very fond of Boris Leonidovich, and Boris Leonidovich very much valued him as a musician. Heinrich Gustavovich and Militsa Sergeyevna visited Peredelkino very often; they were all very good friends.

마리나 네이가우스 (하인리히 네이가우스의 손녀) : 파파는 파스테르나크 부부와 함께 페레델키노에 있는 별장에서 살았어요. 그는 보리스 레오니도비치를 매우 좋아했으며, 보리스 레오니도비치는 그를 음악가로서 매우 높이 평가했죠. 하인리히 구스타보비치와 밀리차 세르게예프나는 페레델키노를 정말 자주 방문했는데, 그들 모두 아주 좋은 친구였네요.

Vera Gornostayeva: You know very well about the bullying of Pasternak, about this ugly incident with Doctor Zhivago, about what was going on in Peredelkino at that time. As Lidiya Korneyevna Chukovskaya writes in her memoirs, when she and Korney Ivanovich got there (Peredelkino), no one was there, everyone had left...everyone - but Neuhaus. He was there the whole time. And I read about it with so much pride for my teacher, because in spite of his capriciousness, unpredictability, and all the features of a true artist that he possessed, he always remained a decent human being! One had to be very courageous to behave like that...

베라 고르노스타예바 : 당신은 파스테르나크의 괴롭힘, <닥터 지바고>에 얽힌 추악한 사건, 그 당시 페레델키노에서 일어난 일에 대해 매우 잘 알고 있습니다. 리디야 코르네예프나 추코프스카야가 그녀의 회고록에 쓰듯이, 그와 코르네이 이바노비치가 거기(페레델키노)에 도착했을 때, 아무도 거기에 없었으며, 모든 사람이 떠났고...모든 사람 - 네이가우스를 제외하고요. 그는 온종일 거기에 있었죠. 그리고 저는 그의 변덕, 예측 불가능함, 그리고 그가 소유한 진정한 아티스트의 모든 특징에도 불구하고, 그는 항상 괜찮은 인간으로 남아있기 때문에, 제 선생님에 대한 자부심으로 그것에 대해 읽었어요! 그렇게 행동하기 위해서는 매우 용기가 있어야 했죠...

Heinrich and Stanislav Neuhaus, 1958 / 하인리히와 스타니슬라프 네이가우스 부자
"So you going to play that prelude by Rachmaninoff, aren't you?"

“그래서 라흐마니노프 전주곡을 연주하지 않을래?”

"Yes, I am going to play it."

“네, 연주할게요.”

"Go ahead."

“시작해.”

Marina Neuhaus, the granddaughter of Heinrich Neuhaus: My papa, Stanislav Genrikhovich, was a very unique musician and artist. Although he played Chopin and Scriabin and was an embodiment of Neuhaus' school of pianism, he was a unique talent in his own right. They became very close when Papa was finishing his studies at the Conservatoire, when he was already a fully formed musician. Heinrich Gustavovich felt that and made him his assistant right away. He valued him a lot. They were very fond of each other, they concertized together a lot; but he (Stanislav) was very different - he was more introverted, more reserved, more quiet.

마리나 네이가우스 (하인리히 네이가우스의 손녀) : 저의 파파, 스타니슬라프 겐리호비치는 매우 독특한 음악가이자 아티스트였어요. 비록 쇼팽과 스크리아빈을 연주했고 네이가우스 피아니즘 스쿨의 구체화였지만, 자신의 고유한 재능이 있었죠. 파파가 음악원에서 공부를 마쳤을 때, 그가 이미 완전히 형성된 음악가가 되었을 때, 그들은 매우 가까워졌죠. 하인리히 구스타보비치는 그것을 느꼈고 그(스타니슬라프)를 당장 조수로 썼죠. 그는 아들인 저의 파파를 많이 소중히 여겼어요. 서로 아주 좋아했고, 함께 콘서트를 가졌지만, 그(스타니슬라프)는 매우 달랐어요. - 그는 보다 내향적이고, 보다 내성적이며, 보다 조용했죠.

Vera Gornostayeva: Stasik (Stanislav) was immensely talented, with an ever-present fracture in his soul. It was not easy to be the son of two such people. On one hand there was Pasternak, who was hated by the regime, and on the other there was Neuhaus - of course he was a victim of similar attitudes. Stasik experienced that fully when he passed as Number 1 to go to the Chopin Piano Competition in Warsaw. He was literally taken off the plane and wasn't allowed to go. Heinrich understood that it was because of him, so it was obvious how the regime treated Neuhaus.

베라 고르노스타예바 : 스타식(스타니슬라프)은 그의 영혼에 항상 존재하는 분열과 함께, 엄청난 재능을 지녔어요. 그런 두 사람의 아들이 되는 것은 쉽지 않았죠. 한편으로는 정권의 미움을 받은 파스테르나크가 있었고, 다른 한편으로는 네이가우스가 있었어요. - 물론 그는 비슷한 태도의 희생자였죠. 스타식은 바르샤바에서 열리는 쇼팽 국제피아노콩쿠르에 넘버원으로 통과했을 때 충분히 경험했죠. 그는 말 그대로 비행기에 몸을 실렸지만 가는 게 허락되지 않았어요. 하인리히는 그것이 자신 때문이라는 것을 이해했으므로, 정권이 네이가우스를 어떻게 대했는지는 분명했죠.

Pavel Lobanov, Meritorious Worker of Culture and employee at Scriabin's Museum: Scriabin's Museum - Neuhaus used to play here. There were always many people in the audience. He (Neuhaus) used to say that everything was written in the score - one just had to read it properly. But he taught what was not in the score, you see, because it would be very boring if one followed the score to the letter. He never tried to impose only one way of playing on his students. He used to say: "True pedagogues always tell their students, 'There is only one way to play this.' True pedagogues, but not teacher like me. I think there is more than one way." In music, and in art, there can never be only one best, there can be many bests. Richter, Sofronitsky, Neuhaus - they all played wonderfully, each in their own way.

파벨 로바노프 (공훈예술가이자 스크리아빈 박물관 직원) : 스크리아빈 박물관 - 네이가우스는 여기서 연주하곤 했죠. 항상 청중이 많았어요. 그(네이가우스)는 모든 것이 악보에 적혀 있다고 말하곤 했죠. - 제대로 읽어야만 했죠. 그러나 그는 악보에 없는 것을 가르쳤는데, 아시다시피 글자 그대로 악보를 따랐다면 매우 지루할 것이기 때문이죠. 그는 학생들에게 한 가지 방식으로만 연주할 것을 강요하려고 하지 않았어요. 그는 다음과 같이 말하곤 했죠. - “진정한 교육자들은 학생들에게 항상 이렇게 말합니다. ‘이것을 연주하는 유일한 방법은 없다.’ 진정한 교육자들이지만, 저 같은 선생님은 아닙니다. 저는 한 가지 이상의 방법이 있다고 생각합니다.” 음악에서, 그리고 예술에서, 단 하나의 최고만 있을 수는 없으며, 많은 최고가 있을 수 있습니다. 리히터, 소프로니츠키, 네이가우스 - 그들은 모두 각자의 방식으로 훌륭하게 연주했으니까요.

Militsa Neuhaus, the daughter of Heinrich Neuhaus: The war started. Adik, the elder son, was in a tuberculosis sanatorium; Heinrich Gustavovich couldn't leave him there alone, so they had to postpone the evacuation. On November 4th he was arrested. I remember, on that day we...He always wanted me to take refuge in a bomb shelter during bombardments. He himself would go on the rooftop to help remove German 'lighters' (these were dropped from German planes on rooftops to cause fire), but I had to be in a bomb shelter. So, on that day we were in a bomb shelter. It was quite late when we came back home. I was woken up by people who came to conduct a search; by that time Heinrich Gustavovich had already been taken away. The arrest warrant stated 'refusal to evacuate' as the reason for his arrest. Since he was half German and his late name was German the authorities alleged that he hadn't evacuate because he was waiting for the Germans. At his first interrogation, he said: "I oppose Hitler's regime; there is no way I could be waiting for the Germans." The investigation lasted for eight and a half months; transmissions were not allowed for the first six months. He developed scurvy and lost most of his teeth, he was starving. In prison they were mostly fed herring tails soup and a slice of bread - and that was basically it.

밀리차 네이가우스 (하인리히 네이가우스의 딸) : 전쟁이 시작되었습니다. 장남 아딕은 결핵 요양소에 있었는데, 하인리히 구스타보비치는 그를 혼자 내버려둘 수 없었으므로 대피를 연기해야만 했죠. 11월 4일에 그는 체포되었죠. 저는 기억해요, 그날 우리는...그는 항상 제게 폭격 중에 폭탄 대피소에서 피난처를 갖기를 원했어요. 그는 독일의 ‘불쏘시개’를 제거할 수 있도록 옥상으로 갔지만(독일군의 비행기에서 옥상으로 떨어져서 화재를 일으켰는데), 저는 폭탄 대피소에 있어야만 했죠. 그래서 그날 우리는 폭탄 대피소에 있었어요. 우리가 집으로 돌아왔을 때는 꽤 늦었어요. 저는 수색하려고 온 사람들에 의해 깨어났는데, 그때까지 하인리히 구스타보비치는 이미 제거되었죠. 체포 영장은 체포 사유로 ‘피난 거부’를 선언했어요. 그는 독일의 피가 절반이고 성이 독일식(으로 노이하우스)이었기 때문에 당국은 그가 독일군을 기다렸기 때문에 대피하지 않았다고 주장했죠. 첫 심문에서 그는 이렇게 말했어요. - “저는 히틀러 정권에 반대합니다. - 제가 독일군을 기다릴 수 있는 방법은 없습니다.” 조사는 8개월 반 동안 지속되었는데, 처음 6개월 동안 전송이 허용되지 않았습니다. 그는 괴혈병을 앓고 있고 치아의 대부분을 잃었는데, 굶주리고 있었어요. 감옥에서 그들은 주로 청어꼬리수프와 빵 한 조각을 먹었어요. - 그게 기본이었죠.

Vera Gornostayeva: He (Neuhaus) was in prison when the Germans were on the outskirts of Moscow. He used to say about that period: "Hotel Lubyanka." Well, what can one say about him? Hotel Lubyanka...he was joking. It was Emil Gilels' interference that saved him then. Emil Grigorievich talked to Stalin, not once, but twice at great risk to himself. That helped - he (Neuhaus) was released from prison and sent on a train to the Urals. It was possible for him to get off in Sverdlovsk and to stay there to teach at the Sverdlovsk Conservatoire instead of cutting trees in the Urals.

베라 고르노스타예바 : 독일군이 모스크바 외곽에 있을 때 그(네이가우스)는 감옥에 갇혔어요. 그는 그 시대에 대해 이렇게 얘기했죠. - “호텔 루비안카.” 음, 그에 대해 무엇을 말할 수 있을까요? 호텔 루비안카...그가 농담하고 있었죠. 그를 구한 것은 에밀 길렐스의 개입이었죠. 에밀 그리고리예비치는 대단한 생명의 위험을 무릅쓰고 스탈린에게 한 번이 아니라 두 번 말했습니다. 그것이 도왔죠. - 그(네이가우스)는 감옥에서 풀려나서 우랄 산맥으로 가는 기차로 보내졌죠. 우랄 산맥에서 나무를 베는 대신 스베르들로프스크 음악원에서 가르치는 것이 가능했죠.

Neuhaus' return from exile was helped by the letter-petition addressed to Kalinin...and signed by Ivan Moskvin, Vasily Kachalov, Militsa Nechkina, Alexey Tolstoi, Sergey Mikhalkov, Konstantin Igumnov, and Dmitri Shostakovich. Here are some lines from that letter: "In spite of his non-Russian last name, Neuhaus, without a doubt, is both a Russian and a Soviet artist...whose teaching methods are in the best traditions of both the Russian and Soviet schools...and who is an outstanding embodiment of both Russian and Soviet culture. His return will be in the best interests of both Russian and Soviet art." Neuhaus returned to Moscow in July, 1944. Now, he taught not only at the Conservatoire, but at the Gnessin Institute as well. The names of distinguished graduates of the Gnessin Institute are added to those of the Conservatoire.

추방당한 네이가우스의 복귀는 미하일 칼리닌에게 보낸 진정서에 의해 도움을 받았으며...이반 모스크빈, 바실리 카찰로프, 밀리차 네치키나, 알렉세이 톨스토이, 세르게이 미할코프, 콘스탄틴 이굼노프, 드미트리 쇼스타코비치가 서명했다. 그 편지의 일부 행은 다음과 같다. - “러시아계 성이 아님에도, 의심의 여지없이 네이가우스는 러시아와 소비에트의 아티스트이고...그의 교수법은 러시아와 소비에트 스쿨의 최고 전통에 있으며...러시아와 소비에트 문화의 뛰어난 구체화입니다. 그의 복귀는 러시아와 소비에트 예술 모두에 최선의 이익이 될 것입니다.” 네이가우스는 1944년 7월에 모스크바로 돌아왔다. 이제 그는 음악원뿐만 아니라 그네신 음대에서도 가르쳤다. 그네신 음대의 저명한 졸업생들의 이름은 음악원 졸업생들의 이름에 추가된다.

Vera Gornostayeva: This photograph is very dear to my heart. It's signed "To my dear, talented, and fervent-fervent is underlined - pupil, Vera Gornostayeva, in memory of her sincerely loving 'so called' teacher." He had the idea that he wasn't a teacher but rather an adviser, that he just gave advice rather than taught. He didn't like being called a teacher. To my question "Heinrich Gustavovich, do you like pedagogics?" He would answer: "No, I don't like pedagogics, but I like music and I like pupils."

베라 고르노스타예바 : 이 사진은 제게 매우 소중합니다. 서명이 있는데 “친애하는 재능 있는 열렬한 열정을 가진 학생에게는 밑줄이 그어져 있는데 - 제자 베라 고르노스타예바, ‘소위’ 선생님을 진심으로 사랑하는 그녀를 기억하며.” 그는 자신이 선생님이 아니라 조언자라는 생각을 가지고 있었으며, 단지 가르치기보다는 조언만 했죠. 그는 선생님이라고 불리는 것을 좋아하지 않았어요. “하인리히 구스타보비치, 선생님은 교수법을 좋아하시나요?” 하는 제 질문에 그는 다음과 같이 대답했을 것입니다. “아니, 나는 교수법을 좋아하지 않지만, 음악을 좋아하고 제자들을 좋아해.”

"16 year-old Aleksey Nasedkin, a 10th grade student of the Moscow Central Music School at the Moscow Conservatoire, is performing Chopin's Etude in C minor."

“모스크바 음악원 부속 중앙음악학교 10학년 학생인 16세의 알렉세이 나세드킨이 쇼팽의 혁명 에튀드를 연주하고 있습니다.”

Aleksey Nasedkin: When I was in school, my teacher, Anna Danilovna Artobolevskaya, used to showcase her students in front of the professors - Neuhaus, Gilels, Yudina, Flier, Zak, Oborin... - I played in front of them all. They were all great musicians, but I am going to single out Neuhaus - he was the first among equals.

알렉세이 나세드킨 : 재학 중일 때 제 스승인 안나 다닐로프나 아르토볼레프스카야는 교수님들 앞에서 학생들을 소개했습니다. - 네이가우스, 길렐스, 유디나, 플리에르, 자크, 오보린... - 저는 그들 앞에서 연주했죠. 그들은 위대한 음악가였지만, 저는 네이가우스를 고를 것입니다. - 그는 동급 중에서도 최고였으니까요.

Vera Gornostayeva: I am often asked how he taught. How did he teach? He was very diverse. One time I called him during the summer: "Hello, Heinrich Gustavovich, it's Vera Gornostayeva. Is it okay if I play Beethoven's 5th Piano Concerto?" A pause...then: "Well, why not, it's a great composition. Remember darling, it doesn't matter what, it matters how." That was Neuhaus' first lesson over the phone.

베라 고르노스타예바 : 저는 그가 어떻게 가르쳤는지 종종 질문을 받습니다. 그가 어떻게 가르쳤을까요? 그는 매우 다양했어요. 여름에 한 번 그에게 전화했을 때였어요. - “안녕하세요, 하인리히 구스타보비치, 베라 고르노스타예바입니다. 베토벤 피아노 협주곡 5번을 연주해도 되나요?” 잠시 멈춘 다음... “글쎄, 거 좋지, 훌륭한 작품이야. 사랑한다는 것을 기억해, 무엇이 문제가 아니라, 어떤지가 문제야.” 그것이 전화를 통한 네이가우스의 첫 레슨이었네요.

Elena Richter: Pavel Vasilyevich Lobanov used to make audio and even video recordings of our lessons when we studied here. He was very enthusiastic about it. In order to do a video recording he used to bring some terribly big piece of recording equipment in some huge boxes. We didn't have a power inlet, so we used to put a chair on top of the table and connect that equipment to one of those light bulbs.

엘레나 리히터 : 파벨 바실리예비치 로바노프는 우리가 여기서 공부했을 때 우리 수업의 오디오 녹음 심지어는 비디오 녹화도 만들곤 했죠. 그는 그것에 대해 매우 열정적이었어요. 비디오 녹화를 위해 그는 거대한 상자에 아주 큰 녹화 장비를 가져왔어요. 우리는 전원 콘센트가 없었기 때문에 의자를 탁자 위에 놓고 그 장비를 전구 중 하나에 연결했죠.

Pavel Lobanov: There was not a single power inlet in that Classroom 29. The only way was to somehow reach a chandelier - and it was very small and very close to the ceiling - and to connect the power cord of our recorder.

파벨 로바노프 : 해당 교실 29에는 전원 콘센트가 하나도 없었어요. 유일한 방법은 어떻게든 샹들리에에 도달하는 것이고 - 매우 작고 천장에 매우 가까웠으며 - 우리의 레코더의 전원 코드를 연결했죠.

Elena Richter: The door opens quietly; the cane appears first, then Heinrich Gustavovich himself. His gestures say, "Keep playing, keep playing." We keep playing. Everyone adored him - women, men, musicians, artists, philosophers. The cleaning ladies - they loved him, too. All those anechkas...everyone loved him, because he could find an approach to everyone, he never put himself above others. There are people, very significant people, who are not very approachable - he was, the same time he did not stoop to other people's level, he somehow elevated those people to his. I got a letter from some woman who wrote that she had been through everything in her life; she had been through war - ...the war had all but destroyed her, she felt that her life was over and that she could not see any point in living on. Then, by chance, she found herself at one of Neuhaus' concerts, where he played Chopin, if I am correct. And she suddenly realized that nothing was over, that she could start a new life. His art had such a strong impact on everyone who came in contact with him!

엘레나 리히터 : 문이 조용히 열리는데, 먼저 지팡이, 다음으로 하인리히 구스타보비치 자신이 나타납니다. 그의 제스처는 “계속 연주해, 계속 연주해.”라고 말합니다. 우리는 계속 연주합니다. 모두가 그를 좋아했어요. - 여자, 남자, 음악가, 아티스트, 철학자. 청소하는 여성들도 그를 정말 좋아했어요. 모든 아네치카들...모든 사람이 그를 사랑했는데, 그는 모든 사람에게 접근할 수 있었기 때문에, 결코 자신을 다른 사람보다 우위에 두지 않았거든요. 접근하기 어려운 사람들, 매우 중요한 사람들이 있는데 - 그는 다른 사람들의 수준에 맞지 않았을 때, 어떻게든 사람들을 자신의 수준으로 끌어올렸죠. 저는 어떤 여자로부터 그녀의 삶의 모든 것을 겪었다고 쓴 편지를 받았는데, 그녀는 전쟁을 겪었어요. - ...전쟁은 그녀를 거의 모두 파괴했고, 그녀는 자신의 인생이 끝났다고 느꼈으며, 계속 사는 것에서 어떤 점도 볼 수 없었죠. 그때 우연히, 그녀는 네이가우스의 콘서트 중 하나에서 자신을 발견했는데, 제가 정확하다면 그는 쇼팽을 연주했어요. 그리고 그녀는 갑자기 아무것도 끝나지 않았으므로 새로운 삶을 시작할 수 있다는 것을 깨달았죠. 그의 예술은 그와 접촉한 모든 사람들에게 큰 영향을 미쳤어요!

Vera Gornostayeva: I come to a lesson; I am a bit early. I am thinking: "I am going to warm up in Classroom 29 and he (Neuhaus) most likely won't be there at nine o'clock in the morning." He was there, alone - he probably wanted to practice, but I came and spoiled it for him. I had a score of Chopin's Mazurkas with me. "What are these?" "Chopin's Mazurkas." "Ah, and how are they moving along?" "Not good." "Really? Why so?" He then takes the book, opens it and starts playing. I stand next to him. He plays for the whole two hours, while I turn pages for him...and listen. Then someone came in. He closed the book, looked at me and said, "So, now you understand?" And I say, "Yes, I understand." But what I really understand is that I shouldn't play those Mazurkas after what I've just heard. Enough years have passed; I am having a concert at the Small Hall...thinking about the program, what to play. I enter the classroom, thinking, "I'll play something." There is a score of Chopin's Mazurkas there, on the piano. The memories of that lesson returned right away. I am thinking: "It's not a coincidence; it's a 'Hi' from Heinrich - Mazurkas, Mazurkas." I opened the score. So I am sitting there alone, playing...and weeping. Of course I was weeping...all those memories. Then I understood, "I am going to play the Mazurkas from now on." He was not with us anymore, but the memories of that lesson were trapped inside me.

베라 고르노스타예바 : 저는 레슨으로 돌아가는데, 약간 일찍이요. 저는 다음과 같이 생각하고 있어요. “29번 교실에서 손가락을 풀 예정이며 그(네이가우스)는 아침 9시에 없을 거다.” 그는 홀로 거기에 있었어요. - 그는 아마도 연습하고 싶었겠지만, 제가 와서 망쳤죠. 저는 쇼팽 마주르카 악보를 들고 왔어요. “이게 뭐지?” “쇼팽의 마주르카요.” “아, 그러면 어떻게 진행하지?” “좋지 않아요.” “정말? 왜 그래?” 그는 그런 다음 책을 가져와서 악보를 펴고 연주하기 시작합니다. 저는 그 옆에 서있고요. 그는 2시간 동안 연주하며, 저는 페이지를 넘겨주면서...들어요. 그런 다음 누군가가 들어왔어요. 그는 책을 덮고 저를 보면서 말했어요. “그래, 이제 이해했니?” 그러면 저는 말합니다. “네, 이해했어요.” 그러나 제가 정말로 이해한 것은 제가 방금 들은 후에 마주르카를 연주해서는 안 된다는 것이죠. 몇 년이 지났습니다. - (모스크바 음악원의) 소강당에서 콘서트를 가지고 있는데...무엇을 연주해야 할지, 프로그램에 대해 생각하고 있었어요. 교실로 들어가면서 생각하죠. “나는 뭔가를 연주할 것이다.” 피아노에는 쇼팽의 마주르카 악보가 있습니다. 그 레슨에 대한 기억이 즉시 돌아왔죠. 저는 다음과 같이 생각합니다. - “우연의 일치가 아니지만, 그건 하인리히로부터의 ‘안녕’이다. - 마주르카, 마주르카.” 저는 악보를 폈습니다. 그래서 저는 홀로 앉아 연주하고 있으며...울고 있습니다. 물론 저는 울고 있었어요...그 모든 기억들. 그런 다음 이해했어요. “지금부터 마주르카를 연주할 거야.” 그는 더 이상 우리와 함께 있지 않았지만, 그 레슨에 대한 기억은 제 안에 남아있었어요.

아들의 다큐멘터리를 먼저 받았는데 유튜브에서 자막을 찾다가 아버지의 것도 나와서 할 수 없이 먼저 번역했다. 자막을 굳이 받아쓰기해서 번역한 이유는 러시안 피아노 스쿨에 대한 공부이기도 하다. 졸지에 세계대전이 일어나기 전에 열렸던 초창기 쇼팽 콩쿠르 공부까지 했다. 1937년 3회 쇼팽 콩쿠르에서 우승한 야코프 자크와 준우승한 로자 타마르키나 모두 유태계이다. 타마르키나에 대해서 찾아보니 16세에 참가했다. 생일은 3월인데 쇼팽 콩쿠르가 열렸던 시기가 2~3월. 당시에는 폴란드에서 예선을 치르는 게 아니라 나라별로 참가자들을 뽑아서 대표로 보내던 시절. 러시아랑 폴란드랑 역사적인 이유로 인해 사이가 안 좋은데 소련이 초창기에 우승을 해먹었다. 초대 우승자는 유태계인 오보린. 타마르키나가 쇼팽 피아노 협주곡 2번을 몇 번 연주한 흔적을 보니 결선에서 2번을 연주했나보다. 자크는 나중에 교육자가 되었고 타마르키나는 암으로 인해 30세에 요절했다. 이때는 차이코프스키 콩쿠르가 없던 시절... 길렐스가 우승한 퀸엘리자베스 콩쿠르도 초대 대회의 명칭은 이자이 콩쿠르였다. 이렇게 유태계가 이어준 러시안 피아니즘까지도 들여다보게 되었다. 매번 그렇지만 번역이 처음에는 쉽지 않았는데 몇 번 고비를 넘기다 보니 술술 이어갔다. 뭔가 영어 번역이 문법에 맞지 않는다는 느낌도 있었다. 그래서 구어체려니 하면서 넘어갈 수밖에... 애초에 받으려고 계획했던 동영상이 아니었지만 결국 자막 받아쓰기하면서 편하게 볼 겸 유튜브에서 자막까지 받았다.