Orchid Classics / Natalia Lomeiko, Valery Polyansky & The Russian State Philharmonic - Tchaikovsky Works for Violin & Orchestra 2025

결혼 생활 실패 후 고독했던 차이코프스키의 목소리를 담은 바이올린 작품들

러시아 노보시비르스크 출신인 나탈리아 로메이코는 메뉴인 음악학교에서 메뉴인을 사사했으며, 티보 바르가, 차이코프스키, 메뉴인, 스트라디바리 등 유수 콩쿠르에 입상하고, 2000년 파가니니 콩쿠르와 2003년 마이클 힐 콩쿠르에서 우승하면서 정상의 자리에 올랐다. 현재 런던 왕립음악원과 이튼 칼리지에서 가르치고 있다. 차이코프스키의 협주곡은 완벽한 기교와 정확한 음정을 들려주며 역동적인 열정으로 가득하고, 본래 협주곡의 2악장으로 작곡되었던 ‘명상곡’이 포함된 <소중한 장소의 추억>은 서정미로 가득한 짙은 감성으로 작곡가의 목소리를 전한다.

Track

01 Violin Concerto in D, Op. 35, TH 59: I. Allegro moderato / 바이올린 협주곡

02 Violin Concerto in D, Op. 35, TH 59: II. Canzonetta. Andante

03 Violin Concerto in D, Op. 35, TH 59: III. Finale. Allegro vivacissimo

04 Souvenir d'un lieu cher, Op. 42, TH 116 (arranged for Violin & Orchestra by Alexander Glazunov) No. 1 Meditation / 소중한 곳에 대한 추억 (글라주노프 편곡)

05 Souvenir d'un lieu cher, Op. 42, TH 116 (arranged for Violin & Orchestra by Alexander Glazunov) No. 2 Scherzo

06 Souvenir d'un lieu cher, Op. 42, TH 116 (arranged for Violin & Orchestra by Alexander Glazunov) No. 3 Melodie

07 Serenade melancolique, Op. 26, TH 56 / 우울한 세레나데

08 Valse-Scherzo, Op. 34, TH 58 / 스케르초 풍의 왈츠

Natalia Lomeiko, violin / 나탈리아 로메이코, 바이올린

The Russian State Philharmonic / 러시아 국립 필하모닉

Valery Polyansky, conductor / 발레리 폴리안스키 지휘

Tchaikovsky’s Violin Concerto, Op.35 of 1878 had a rather tumultuous journey from the work’s conception to the popularity it enjoys today. Tchaikovsky completed the first sketches very quickly while holidaying in the Swiss resort of Clarens on the shores of Lake Geneva. The intended dedicatee was the young violinist Iosif Kotek, a former student of Tchaikovsky’s at the Moscow Conservatory who was greatly admired by the composer; it is possible that they were conducting a clandestine relationship. Kotek also mediated between Tchaikovsky and Nadhezhda von Meck, who would become his patroness and confidante, during the early stages of their acquaintance. He was not sufficiently well known to premiere the concerto, however, so Tchaikovsky approached Leopold Auer to be its dedicatee. Auer was sniffy, dismissing the piece as “unviolinistic” and only revising his opinion in the last year of the composer’s life. Eventually, Adolph Brodsky premiered the Violin Concerto in Vienna in 1881, but its early success was hindered when the influential critic Eduard Hanslick denounced it with considerable vehemence. Thankfully, it has outlived the criticism, and remains one of Tchaikovsky’s best-loved pieces.

차이코프스키의 바이올린 협주곡(1878)은 작품 구상부터 오늘날의 인기를 누리기까지 다소 파란만장한 여정을 거쳤다. 차이코프스키는 제네바호수 연안의 스위스 휴양지 클라렌스에서 휴가를 보내며 첫 스케치를 매우 빠르게 완성했다. 헌정 예정자는 모스크바 음악원에서 차이코프스키의 제자였던 젊은 바이올리니스트 이오시프 코테크로, 작곡가의 깊은 존경을 받는 인물이었는데, 두 사람은 은밀한 관계를 유지했을 가능성이 있다. 코테크는 차이코프스키와 그의 후원자이자 절친이 된 나데즈다 폰 메크 사이에서 초기 만남을 중재하기도 했다. 하지만 코테크는 협주곡을 초연할 만큼 유명하지 않았기 때문에 차이코프스키는 레오폴트 아우어에게 헌정을 요청했다. 아우어는 코웃음을 치며 이 곡을 “바이올린 연주가 불가능하다”라며 제안을 거절했으며, 작곡가의 생애 마지막 해에 이르러서야 연주했다. 결국, 아돌프 브로드스키가 1881년 빈에서 바이올린 협주곡을 초연했지만, 영향력 있는 비평가 에두아르트 한슬리크의 혹평(음악에서 악취가 난다)으로 초기 성공은 좌절되었다. 다행히도 이 곡은 비평을 넘어 오늘날까지 살아남아 차이코프스키의 가장 사랑받는 작품 중 하나로 남아 있다.

Kotek played through segments of the concerto as it was written and may have inspired or influenced its composition. The first movement is based on two melodies that are explored and developed by both soloist and orchestra. The model of Mendelssohn’s Violin Concerto is also evident in the placing of the cadenza at the end of the central section before the main themes are reprised. The slow movement’s introduction delays the entrance of the main melody, which has all the more impact when it arrives. Its title, ‘Canzonetta’, means a type of vocal movement, highlighting the singing nature of the violin part. The finale begins with a long introduction after which the main melody fizzes along. This is contrasted with a reference to one of Tchaikovsky’s operas, Eugene Onegin; the oboe – used for the same purpose in the opera – plays a theme that evokes Tatyana, the opera’s tragic heroine. This does little to diminish the overall merriment of the finale, however; the violin writing is scintillating, and the work ends in high spirits.

코테크는 협주곡의 각 부분을 원곡 그대로 연주했으며, 작곡에 영감을 주거나 영향을 미쳤을 가능성이 있다. 1악장은 독주자와 오케스트라가 함께 탐구하고 발전시키는 두 개의 선율을 기반으로 한다. 멘델스존 바이올린 협주곡의 모델은 주요 주제가 재현되기 전, 중간 부분의 끝에 카덴차가 배치된 것에서도 분명하게 드러난다. 느린 2악장의 도입부는 주요 멜로디의 등장을 지연시키는데, 주요 멜로디가 등장하면 더욱 강렬한 인상을 준다. ‘칸초네타’라는 제목은 일종의 성악적인 악장을 의미하며, 바이올린 파트의 노래하는 듯한 특징을 강조한다. 3악장 피날레는 긴 도입부로 시작하여 주요 멜로디가 활기차게 흘러간다. 이는 차이코프스키의 오페라 중 하나인 <예브게니 오네긴>을 참조한 것과 대조되는데 – 오페라에서 같은 목적으로 사용된 – 오보에가 오페라의 비극적 여주인공 타티아나를 떠올리게 하는 주제를 연주한다. 하지만 이는 피날레의 전반적인 즐거움을 떨어뜨리는 데는 별로 도움이 되지 않는데, 바이올린 연주는 눈부시며, 작품은 기분 좋게 끝난다.

The ‘Canzonetta’ was not Tchaikovsky’s first choice for the central movement of his Violin Concerto. While still at Clarens, in March 1878, he composed a ‘Méditation’ intended as the concerto’s slow movement, but on realising that it was too long in that context he set it aside and wrote the ‘Canzonetta’. The ‘Méditation’, reworked for violin and piano, became the first movement of the Souvenir d’un lieu cher (Memory of a dear place) – but it was not Clarens to which Tchaikovsky was paying tribute. He made a start on the work when back in Russia, in May 1878, before heading to his patroness Nadezhda von Meck’s Ukrainian country estate in Brailivo (or Brailovo, known today as Brailiv), finishing the work by the end of May and dedicating it to ‘B*******’ (almost certainly the place itself), making von Meck a present of the original manuscript. This is Tchaikovsky’s only known piece originally written for violin and piano (apart from the opening movement), but it has become well known in the version for violin and orchestra arranged by Alexander Glazunov. As with his more famous Souvenir de Florence for strings (1891-92), Tchaikovsky created a musical postcard or photo album as a means of remembering and celebrating a much-loved retreat.

‘칸초네타’는 차이코프스키가 바이올린 협주곡의 중심 악장으로 가장 먼저 선택한 것이 아니었다. 1878년 3월, 클라렌스에 있는 동안 그는 협주곡의 느린 악장으로 의도된 ‘명상’을 작곡했지만, 그 맥락에서 너무 길다는 것을 깨닫고는 이를 접어두고 ‘칸초네타’를 썼다. 바이올린과 피아노를 위한 버전으로 개작된 ‘명상’은 <소중한 곳에 대한 추억>의 1악장이 되었으나 차이코프스키가 경의를 표한 곳은 클라렌스가 아니었다. 그는 1878년 5월 러시아로 돌아와 작품에 착수한 후, 브라일리보(또는 브라일로보, 오늘날 브라일리프로 알려진 곳)에 있는 후원자 나데즈다 폰 메크의 우크라이나 시골 저택으로 향했는데, 5월 말까지 작품을 마무리하고 ‘B*******’(거의 확실하게 그 저택 자체)에 헌정했으며, 폰 메크에게 원고를 선물했다. 이 곡은 차이코프스키가 원래 바이올린과 피아노를 위해 쓴 것으로 알려진 유일한 작품이지만(1악장 제외), 알렉산더 글라주노프가 편곡한 바이올린과 오케스트라를 위한 버전으로 널리 알려지게 되었다. 그의 더 유명한 작품인 현악기를 위한 <피렌체의 추억>(1891~1892)과 마찬가지로, 차이코프스키는 사랑하는 휴양지를 추억하고 기념하기 위해 음악 엽서나 사진 앨범을 제작했다.

The work opens with the ‘Méditation’, but anyone expecting something as dreamy as the 1894 piece of the same name by Massenet will soon find that Tchaikovsky’s interpretation of the word is not as a gentle reverie, but a complex train of thought. The violin’s poignant and impassioned material in the lower register is reprised after a gentler central section, but the coda features a subtle shift from D minor to D major during the violin line’s exquisite ascent into the ether. The Scherzo starts and ends with skittish, almost nervous energy framing a passage of sunny, song-like charm, and the ‘Mélodie’ is justly famous for its tender melody and sweetly nostalgic harmonies, concluding with a brief coda of irresistible tenderness.

이 작품은 ‘명상’으로 시작하지만, 마스네가 1894년 작곡한 동명의 작품처럼 몽환적인 분위기를 기대했던 사람이라면 차이코프스키가 ‘명상’을 부드러운 몽상이 아닌 복잡한 사고의 흐름으로 해석했다는 것을 금방 깨닫게 될 것이다. 바이올린의 저음역에서 절절하고 정열적인 선율은 더 부드러운 중간부 이후에 다시 등장하지만, 코다에서는 바이올린 선율이 아름답게 하늘로 치솟는 동안 D단조에서 D장조로 미묘하게 전환된다. ‘스케르초’는 밝고 노래 같은 매력을 지닌 소절을 구성하며, 불안하고 거의 긴장된 에너지로 시작하고 끝난다. ‘멜로디’는 부드러운 멜로디와 달콤하면서도 향수를 불러일으키는 화성으로 유명하며, 거부할 수 없는 부드러움을 지닌 짧은 코다로 마무리된다.

Before Tchaikovsky and Auer fell out over the Violin Concerto, the violinist had inspired the composer to write another piece, the Sérénade mélancolique. In 1874 Tchaikovsky heard a public performance by Auer, which he praised in a review for its “great expressivity, the thoughtful finesse and poetry of the interpretation”. Both men attended a party given by Nikolai Rubinstein in January 1875, and it is possible that they discussed a new piece on that occasion – some accounts suggest that Auer commissioned the Sérénade from Tchaikovsky, others that he composed it off his own bat. Either way, in February Tchaikovsky wrote to his brother, Modest: “I have finished my Piano Concerto” – his first – “and have already written a violin piece I have promised to Auer”. But, as with the Violin Concerto, Auer did not give the work’s premiere – and, as with that concerto, it was Brodsky who did, in January 1876. Auer did however perform the work later the same year, during its first outing in St. Petersburg.

차이코프스키와 아우어가 바이올린 협주곡을 놓고 다투기 전, 바이올리니스트 아우어는 차이코프스키에게 또 다른 작품인 <우울한 세레나데>를 쓰도록 영감을 주었다. 1874년 차이코프스키는 아우어의 연주를 듣고 평론에서 “뛰어난 표현력, 사려 깊은 기교, 서정적이고 아름다운 연주”를 극찬했다. 두 사람은 1875년 1월 니콜라이 루빈스타인이 주최한 파티에 참석했는데, 그때 새로운 곡에 관한 이야기를 나누었을 가능성이 있다. - 어떤 기록에서는 아우어가 차이코프스키에게 <우울한 세레나데>를 의뢰했다고 하고, 어떤 기록에서는 그가 자작곡을 썼다고 한다. 어쨌든 2월에 차이코프스키는 형 모데스트에게 이렇게 편지를 썼다. “피아노 협주곡을 완성했어. – 그의 첫 번째 작품이야. – 그리고 아우어에게 약속했던 바이올린 소품도 이미 썼어.” 하지만 바이올린 협주곡과 마찬가지로 아우어는 이 작품을 초연하지 않았고, 이 협주곡과 마찬가지로 브로드스키가 1876년 1월에 초연했다. 그러나 아우어는 같은 해 말 상트페테르부르크에서 열린 초연에서 이 작품을 연주했다.

The Sérénade begins with an atmospheric orchestral introduction, setting the scene for the violin’s first, folk-like entry, played entirely on the G string. A new theme unfolds, related to the woodwind opening, before an animated middle section that subsides into an introspective violin cadenza. The opening section is reprised, with a call-back to the very first bars during the coda, at the end of which the violin is given one last moment to reflect before the music fades into nothingness.

<세레나데>는 분위기 있는 오케스트라 도입부로 시작하며, 바이올린의 첫 번째 민속적인 도입부가 G현으로만 연주된다. 목관악기 도입부와 관련된 새로운 주제가 펼쳐지고, 활기찬 중간부는 자기 성찰적인 바이올린 카덴차로 이어진다. 도입부가 재현되면서 코다의 첫 마디로 되돌아가고, 끝부분에서 바이올린은 음악이 허공으로 사라지기 전 마지막으로 잠시 생각할 시간을 갖는다.

In the following year, 1877, Tchaikovsky built up to the writing of his Violin Concerto with another work composed for Kotek, the Valse-Scherzo. This time Kotek was the dedicatee, and his letters imply that he assisted with the work’s orchestration, although Tchaikovsky’s letters do not corroborate this. Nikolai Rubinstein conducted the piece’s premiere, which was given by one of Kotek’s fellow students at the Moscow Conservatory, Polish violinist Stanisław Barcewicz. The Valse-Scherzo was published in 1878 for violin and piano, an arrangement presumably considered more commercially viable by the publishing house; the orchestral version was not released until 1895, after Tchaikovsky’s death.

이듬해인 1877년, 차이코프스키는 코테크를 위해 작곡한 또 다른 작품인 <스케르초 풍의 왈츠>를 시작으로 바이올린 협주곡 작곡에 박차를 가했다. 이번에는 코테크가 헌정을 받았고, 그의 편지에는 그가 작품 편곡을 도왔다는 내용이 담겨 있지만, 차이코프스키의 편지는 이를 뒷받침하지 않는다. 니콜라이 루빈스타인이 지휘를 맡았고, 모스크바 음악원에서 코테크의 동료 학생 중 한 명이었던 폴란드 바이올리니스트 스타니스와프 바르체비치가 이 작품을 초연했다. <스케르초 풍의 왈츠>는 1878년 바이올린과 피아노를 위한 버전으로 출판되었는데, 출판사 측에서는 이 편곡이 상업적으로 더 성공할 가능성이 높다고 판단했던 것으로 보인다. 관현악 버전은 차이코프스키가 사망한 후인 1895년에야 발매되었다.

Tchaikovsky was particularly skilful at writing waltzes – his Symphony No.6 even includes a ‘limping’ waltz in 5/4 time – but this example reveals a different facet of his approach to the dance style, with less emphasis on swirling grace and more on the joyously unbuttoned nature of the violin writing, which has the folk-like freedom of gypsy music. There is a virtuosic central cadenza full of flashy display before the joie de vivre of the opening returns, punctuated by the orchestra’s witty woodwinds and popping pizzicato. The tragedy of Tchaikovsky’s life often casts a shadow over his music, but the Valse-Scherzo is a joy because for once there is not a cloud in sight, just blue sky, and sunshine.

차이코프스키는 특히 왈츠 작곡에 능숙했다. 그의 교향곡 6번에는 5/4박자의 ‘절뚝거리는’ 왈츠까지 포함되어 있다. – 하지만 이 곡은 그의 춤곡 스타일에 대한 접근 방식의 다른 측면을 보여주는데, 소용돌이치는 우아함보다는 바이올린 작곡의 자유분방하고 즐거운 분위기에 더 중점을 두는데, 이는 집시 음악의 민속적인 자유로움을 보여준다. 도입부의 활기 넘치는 삶의 환희가 돌아오기 전에 화려함이 가득한 기교 넘치는 중간부의 카덴차가 펼쳐지고, 오케스트라의 재치 있는 목관악기와 톡톡 튀는 피치카토가 그사이를 메운다. 차이코프스키의 비극적인 삶은 종종 그의 음악에 그림자를 드리우지만, <스케르초 풍의 왈츠>는 구름 한 점 없이 푸른 하늘과 햇살만 가득하므로 기쁨을 선사한다.

© Joanna Wyld, 2022

2022년 조애나 와일드 글

Natalia Lomeiko, Violin

Born into a family of musicians in Novosibirsk, Russia, Natalia has established herself internationally as a versatile performing artist having won numerous prizes at the Tibor Varga, Tchaikovsky, Menuhin and Stradivari International Violin competitions. In the year 2000 she also received the Gold Medal and 1st Prize at the Premio Paganini International Violin Competition (Genoa, Italy), as well as 1st prize at the Michael Hill International Violin Competition (Auckland, New Zealand) in 2003.

1979년 러시아 노보시비르스크의 음악가 가문에서 태어난 나탈리아 로메이코는 티보르 바르가, 차이코프스키, 메뉴인, 스트라디 국제바이올린콩쿠르 등 수많은 대회에서 입상하면서 다재다능한 연주자로 국제적인 명성을 쌓았다. 2000년 프레미오 파가니니 국제바이올린콩쿠르(이탈리아 제노바) 금메달 및 1위, 2003년 마이클 힐 국제바이올린콩쿠르(뉴질랜드 오클랜드)에서도 1위를 차지했다.

Natalia studied at The Specialized Music School in Novosibirsk with Professor Alexei Gvozdev, at the Yehudi Menuhin School in England with Lord Menuhin and Professor Natalya Boyarskaya, and at the Royal College of Music and the Royal Academy of Music with Professor Hu Kun, where she currently lives in London.

나탈리아는 노보시비르스크 특수음악학교(알렉세이 그보즈데프 교수 사사), 잉글랜드 예후디 메뉴인 스쿨(예후디 메뉴인 및 나탈리아 보야르스카야 교수 사사), 왕립 음대 및 왕립 음악원(후 쿤 교수 사사)에서 공부했으며 현재 런던에 거주한다.

Since her debut with the Novosibirsk Symphony Orchestra at the age of seven, Natalia has performed as a soloist with many orchestras, such as the Royal Philharmonic Orchestra under the baton of Lord Menuhin, the Philharmonia, Singapore Symphony, New Zealand Symphony, Auckland Philharmonia, Christchurch Symphony, Tokyo Royal Philharmonic, New European Strings, Moscow State Chamber, Melbourne Symphony, Adelaide Symphony, St Petersburg Radio Symphony, Nice Philharmonic, Russian State Philharmonic and Moscow Philharmonic Orchestras, amongst others.

7세에 노보시비르스크 교향악단과 데뷔 협연을 가진 나탈리아는 로열 필하모닉 오케스트라(예후디 메뉴인 지휘), 필하모니아, 싱가포르 심포니, 뉴질랜드 심포니, 오클랜드 필하모니아, 크라이스트처치 심포니, 도쿄 로열 필하모닉, 뉴 유러피언 스트링스, 모스크바 국립실내악단, 멜버른 심포니, 애들레이드 심포니, 상트페테르부르크 방송교향악단, 니스 필하모닉, 러시아 국립 필하모닉, 모스크바 필하모닉 오케스트라 등 많은 오케스트라와 협연해왔다.

Natalia has also collaborated with distinguished conductors such as the late Lord Menuhin, Lionel Bringuier, Werner Andreas Albert, Matthias Bamert, Arvo Volmer, Olari Elts, Sir William Southgate, Vladimir Verbitsky, Christian Knapp, Miguel Harth-Bedoya, Eckehard Stier, Mikhail Gerts, Valery Poliansky, Pavel Kogan, Yuri Simonov and Vladimir Ashkenazy.

예후디 메뉴인, 리오넬 브랑기에, 베르너 안드레아스 알베르트, 마티아스 바메르트, 아르보 볼메르, 올라리 엘츠, 윌리엄 사우스게이트 경, 블라디미르 베르비츠키, 크리스티안 냅, 미겔 하르트-베도야, 에케하르트 슈티어, 미하일 게르츠, 발레리 폴리안스키, 파벨 코간, 유리 시모노프, 블라디미르 아쉬케나지 등 저명한 지휘자들과도 협연해왔다.

In 2001 Natalia recorded Grieg’s three violin sonatas with pianist Olga Sitkovetsky for the DYNAMIC label to high critical acclaim, she gave a recital in Cremona on Paganini’s violin which was recorded live on FONE and released in 2003, and her CD of French sonatas with pianist Olga Sitkovetsky was released on Trust Records in 2004, of which the Strad described it as “… a stunning recital”. Natalia’s CD with husband violinist/violist Yuri Zhislin was released in 2011 on NAXOS, and her CD of Prokofiev’s music on ATOLL label was released in 2013 and met with 5-star reviews. In 2018 Natalia recorded the Mendelssohn Octet with Maxim Vengerov and soloists of the Oxford Philharmonic, and June 2019 saw a release of Trios by Brahms, Bruch and Schubert with Ivan Martin and Yuri Zhislin on the Orchid Classics label.

2001년 나탈리아는 피아니스트 올가 시트코베츠키와 함께 그리그의 세 곡의 바이올린 소나타를 다이내믹 레이블에서 녹음하여 비평가들의 극찬을 받았으며, 크레모나에서 파가니니 바이올린으로 독주회를 열었는데, 이 독주회는 포네 레이블에서 실황 녹음되어 2003년에 발매되었고, 피아니스트 올가 시트코베츠키와 함께 프랑스 소나타들을 녹음한 CD는 2004년 트러스트 레코드에서 발매되었는데, 스트라드 레코드는 이 음반을 “…놀라운 리사이틀”이라 극찬했다. 나탈리아는 남편이자 바이올리니스트 겸 비올리스트인 유리 지슬린과 함께 녹음한 CD를 2011년 낙소스 레이블에서 발매했고, 프로코피에프 음악 CD는 2013년 아톨 레이블에서 발매하였으며 리뷰에서 별 5개 만점을 받았다. 2018년 나탈리아는 막심 벤게로프와 옥스퍼드 필하모닉 오케스트라의 솔리스트들과 함께 멘델스존 옥텟을 녹음했고, 2019년 6월에는 이반 마르틴 및 유리 지슬린과 함께 브람스, 브루흐, 슈베르트의 트리오를 오키드 클래식 레이블에서 발매했다.

Natalia has performed extensively as a soloist and chamber musician in prestigious venues such as Carnegie Hall, Wigmore Hall, Purcell Room, Kings Place, Queen Elizabeth Hall, Buckingham Palace, the Barbican and Royal Festival Hall. She has performed chamber music with Maxim Vengerov, Gidon Kremer, Yuri Bashmet, the late Boris Pergamenschikov, Tabea Zimmerman, Dmitry Sitkovetsky, Schlomo Mintz, Daishin Kashimoto, Natalie Clein, Nicholas Daniel, Vadim Repin and Claudio Bohorquez, amongst others, and has appeared on numerous radio and TV broadcasts.

나탈리아는 독주자이자 실내악 연주자로서 카네기홀, 위그모어 홀, 퍼셀 룸, 킹스 플레이스, 퀸엘리자베스 홀, 버킹엄 궁전, 바비칸 센터, 로열 페스티벌 홀 등 저명한 공연장들에서 폭넓게 연주했다. 막심 벤게로프, 기돈 크레머, 유리 바슈메트, 작고한 보리스 페르가멘쉬코프, 타베아 침머만, 드미트리 시트코베츠키, 슐로모 민츠, 다이신 가시모토, 나탈리 클라인, 니콜라스 다니엘, 바딤 레핀, 클라우디오 보호르케스 등 유명한 연주자들과 실내악 협연도 가졌으며 라디오와 TV 방송에도 다수 출연했다.

Natalia was appointed a Professor of Violin at the Royal College of Music in London in 2010 and at Eton College in 2017 and has appeared as guest concertmaster at the Royal Opera House, Berlin Philharmonic, London Symphony Orchestra, London Philharmonic Orchestra, BBC Symphony, Royal Philharmonic Orchestra, Berlin Radio Symphony, Oxford Philharmonic and Chamber Orchestra of Europe.

2010년에는 런던 왕립 음대, 2017년에는 이튼 칼리지 바이올린 교수로 임명되었으며 로열 오페라 하우스, 베를린 필하모닉, 런던 심포니 오케스트라, 런던 필하모닉 오케스트라, BBC 심포니, 로열 필하모닉 오케스트라, 베를린 라디오 심포니, 옥스퍼드 필하모닉, 유럽 실내악단에서 객원 악장으로 활동했다.

Valery Polyansky, Conductor

Valery Polyansky is a talented musician in many aspects, both of the highest culture and deep expertise. His charisma as a conductor is equally evident in the sphere of choral art, as well as at the control of the symphony orchestra, and creative searches are brilliantly implemented in a variety of genres: the operas, the works for the a cappella choir, monumental cantata and oratorical works, symphonies, and modern compositions.

발레리 폴리안스키는 최고의 교양과 깊은 전문성을 겸비한 다방면의 재능 있는 음악가이다. 지휘자로서 그의 카리스마는 합창 예술 분야뿐 아니라 교향악단 지휘에서도 빛을 발하며, 그의 창의적인 탐구는 오페라, 아카펠라 합창곡, 웅장한 칸타타와 오라토리오 작품, 교향곡, 현대 작품 등 다양한 장르에서 훌륭하게 구현된다.

Born in 1949 in Moscow, Polyansky graduated from the Academic Music College at the Tchaikovsky Moscow State Conservatory (having studied under Evstolia Zvereva), followed by the Tchaikovsky Moscow State Conservatory, where he studied simultaneously in two departments: conductor and choir (class of Professor Boris Kulikov) and opera and symphony conducting (class of Odyssey Dimitriadi).

1949년 4월 19일 모스크바에서 출생한 폴리안스키는 모스크바 국립 차이코프스키 음악원 부속 음대(에브스톨리아 즈베레바 사사)를 마친 이후 모스크바 국립 차이코프스키 음악원에서 2개 학과를 공부했는데 지휘자와 합창단(보리스 쿨리코프 교수 사사) 및 오페라와 교향곡 지휘(오디세이 디미트리아디 사사)였다.

One of the most important milestones in the career of Polyansky was in 1971 when he founded the Chamber Choir of the Moscow Conservatory and became conductor of the Moscow Operetta Theatre. In 1975, in Italy, Polyansky and his Chamber Choir became winners at the largest international competition “Guido d’Arezzo” and for the first time, a choir from Russia received a gold medal in the nomination “academic singing”, having also received the “Golden Bell” prize – a symbol of the finest choir in the competition. In 1977, Polyansky, without leaving the choir, became conductor of the Bolshoi Theatre, where he participated together with Gennady Rozhdestvensky in the production of Shostakovich’s Katerina Izmailova, and lead other performances.

폴리안스키의 경력에서 가장 중요한 이정표 중 하나는 1971년 모스크바 음악원 실내합창단을 창단하고 모스크바 오페레타 극장의 지휘자가 된 것이다. 1975년 이탈리아에서 열린 세계 최대 규모의 “귀도 다레초” 국제 다성음악 콩쿠르에서 폴리안스키와 그의 실내합창단은 우승을 차지했다. 러시아 합창단으로는 최초로 “아카데미 성악” 부문에서 금메달을 받았으며, 콩쿠르 최우수 합창단에게 수여되는 “골든벨” 특별상도 받았다. 1977년 폴리안스키는 합창단을 떠나지 않고 볼쇼이 극장의 지휘자가 되어 겐나디 로제스트벤스키와 함께 쇼스타코비치의 교향곡 <카테리나 이즈마일로바> 공연에 참여했으며, 다른 공연들도 지휘했다.

While leading the State Chamber Choir, Polyansky has performed alongside symphonic ensembles of Russia and has performed with orchestras of the Republic of Belarus, Iceland, Finland, Germany, Holland, the USA, Taiwan, and Turkey. He staged Tchaikovsky’s Eugene Onegin at the Gothenburg Musical Theatre (Sweden), and for several years he was the principal conductor of the opera nights festival in Gothenburg. Since 1992, Polyansky has been the artistic director and chief conductor of the State Academic Symphony Capella of Russia.

폴리안스키는 국립실내합창단을 이끌면서 러시아의 교향악단들과 함께 공연했으며, 벨라루스, 아이슬란드, 핀란드, 독일, 네덜란드, 미국, 대만, 튀르키예의 오케스트라들과도 협연했다. 그는 스웨덴 예테보리 뮤지컬 극장에서 차이코프스키의 오페라 <예브게니 오네긴>을 무대에 올렸고, 수년간 예테보리 오페라의 밤 페스티벌에서 수석 지휘자를 맡았다. 1992년부터는 러시아 국립 아카데믹 심포니 카펠라의 예술 감독 겸 수석 지휘자로 활동하고 있다.

Polyansky has made approximately 100 recordings, both abroad and in Russia. Among them, the works by Tchaikovsky, Taneyev, Glazunov, Skryabin, Bruckner, Dvorak, Reger, Szymanowski, Prokofiev, Shostakovich and of particular note, Schnittke’s Symphony No.8, recorded on Сhandos Records in 2001.

폴리안스키는 해외와 러시아에서 약 100장의 음반을 녹음했다. 그중에는 차이코프스키, 타네예프, 글라주노프, 스크리아빈, 브루크너, 드보르자크, 레거, 시마노프스키, 프로코피에프, 쇼스타코비치의 작품들이 있으며, 특히 2001년 샨도스 레코드에서 녹음된 슈니트케 교향곡 8번이 주목할 만하다.

The Russian State Philharmonic

The Russian State Philharmonic has had its own history since 1957. During the USSR period, the collective was led by Samuel Samosud, Yuri Aranovich, Maxim Shostakovich and Gennady Rozhdestvensky and all outstanding Russian conductors, such as Yevgeny Svetlanov, Nathan Rachlin, Neeme Jarvi and Vladimir Fedoseyev, performed with the orchestra. The first foreign tours were held in 1959 at the Festival of Youth and Students in Vienna. The orchestra has also conquered the USA, Canada, Germany, Spain, Great Britain, Greece, Japan and Taiwan, demonstrating its art in the best concert halls of the world such as Carnegie Hall and Lincoln Center (New York), Kennedy Center (Washington), Musikveren (Vienna), Gewandhaus (Leipzig), Jahrhunderthalle (Frankfurt), Barbican (London), Berlin Philharmonic Hall named after Karajan, and the halls of Tokyo, Taipei, Helsinki, Barcelona and Prague. Since 1991, the Symphony Orchestra has merged with the State Chamber Choir, and in 1992 Valery Polyansky became the artistic director and principal conductor of a new collective – the State Symphony Capella of Russia. All the Russian and Western classics of the 18th and 20th centuries, and modern music scores by Alfred Schnittke, Sofia Gubaidulina and André Tchaikovsky amongst others, are in the repertoire of the Capella. The collective has a huge discography on the discs of the company “Melody”, Сhandos Records and Vista Vera.

러시아 국립 필하모닉은 1957년부터 독자적인 역사를 쌓아 왔는데, 소련 시절에는 사무엘 사모수드, 유리 아라노비치, 막심 쇼스타코비치, 겐나디 로제스트벤스키가 지휘했으며, 예프게니 스베틀라노프, 나탄 라흘린, 네메 예르비, 블라디미르 페도세예프 등 러시아의 뛰어난 지휘자들이 오케스트라와 함께 연주했다. 최초의 해외 순회공연은 1959년 빈 청소년-학생 페스티벌에서 열렸다. 이 오케스트라는 미국, 캐나다, 독일, 스페인, 영국, 그리스, 일본, 대만 등에서 공연을 펼치면서 그들의 예술을 선보였으며 뉴욕 카네기홀과 링컨센터, 워싱턴 케네디센터, 비엔나 무지크페라인, 라이프치히 게반트하우스, 프랑크푸르트 세기 홀, 런던 바비칸 센터, 카라얀의 이름을 딴 베를린 필하모닉 홀, 그리고 도쿄, 타이베이, 헬싱키, 바르셀로나, 프라하의 홀 등 세계 유수의 콘서트홀에서 오케스트라의 예술성을 입증했다. 1991년부터 교향악단이 국립실내합창단과 통합되었고, 1992년에는 발레리 폴리안스키가 러시아 국립교향악단의 예술 감독 겸 수석 지휘자로 임명되었다. 18세기와 20세기의 모든 러시아 및 서방의 고전 음악과 알프레드 슈니트케, 소피아 구바이둘리나, 앙드레 차이코프스키 등의 현대 음악 악보가 카펠라의 레퍼토리에 포함되어 있다. 이 단체는 멜로디야, 샨도스 레코드, 비스타 베라 등의 음반사들을 통해 방대한 디스코그래피를 보유하고 있다.

원래 pdf 파일을 구글링했던 건데 나오지 않았고 오키드 음반 사이트에서 내용물을 구했다. 번역하면서 정보를 찾다가 부클릿의 내용을 일부 수정하기도 했다.