DVD / The Art of Chopin 2010

https://www.youtube.com/watch?v=wxk0p6t9omg

https://www.medici.tv/en/documentaries/the-art-of-chopin/

https://www.medici.tv/en/movies/garrick-ohlsson-chopin-piano-concertos

쇼팽 탄생 200주년을 기념하는 아주 특별한 다큐멘터리와 콘서트 실황

쇼팽의 탄생 200주년을 기념하여 이 작곡가를 사랑하는 음악 애호가들이 놓쳐서는 안 될 값진 영상물 하나가 모습을 드러내었다. 다큐멘터리 <쇼팽의 예술>은 쇼팽 콩쿠르 우승자들인 폴리니, 아르헤리치, 지메르만, 올슨을 비롯하여 키신, 포고렐리치, 다비도비치, 루빈스타인, 리히터, 페라이어, 유자 왕, 안데르셰프스키 등 최고의 피아니스트들이 연주하는 쇼팽 음악의 단편들과 함께 이 작곡가의 길지 않은 인생 여정과 음악 세계를 다루었다. 앳된 소년 시절의 키신이나 쇼팽 콩쿠르 우승 무렵의 폴리니, 지메르만, 아르헤리치, 올슨 등의 젊은 시절 연주 모습을 만나보는 즐거움이 대단하다. 다른 한 장의 DVD에는 1970년 쇼팽 콩쿠르 우승자 개릭 올슨이 독주를 맡은 쇼팽의 피아노 협주곡 1, 2번의 전곡 연주실황이 수록되었다. 2009년 8월 29일 바르샤바 필하모닉 홀에서 안토니 비트가 지휘하는 바르샤바 필하모닉과 협연한 기록이다.

Vladimir Ashkenazy — Conductor / 블라디미르 아쉬케나지 지휘

Garrick Ohlsson — Pianist / 개릭 올슨

Rafał Blechacz — Pianist / 라파우 블레하치

Piotr Anderszewski — Pianist / 표트르 안데르셰프스키

Arthur Rubinstein — Pianist / 아르투르 루빈스타인

Yuja Wang — Pianist / 유자 왕

Sviatoslav Richter — Pianist / 스비아토슬라프 리히터

Evgeny Kissin — Pianist / 에프게니 키신

Garrick Ohlsson, will perform his programme for the first round of the competition: the Polonaise in F sharp minor, op. 44, Nocturne op. 55 no. 2, three Etudes, op. 10: no. 1 in C major, no. 2 in A minor, no. 10 in A flat major and the Barcarolle in F sharp major, op. 60.

Garrick Ohlsson, wird sein Programm für die erste Runde des Wettbewerbs spielen: die Polonaise in fis-moll op. 44, das Nocturne op. 55 Nr. 2, drei Etüden aus op. 10: Nr. 1 in C-Dur, Nr. 2 in a-moll, Nr. 10 in As-Dur, die Barcarolle in Fis-Dur op. 60.

Garrick Ohlsson, va interpréter son programme pour la première épreuve : Polonaise en fa dièse mineur, opus 44 ; Nocturne opus 55 no 2 ; trois Études de l’opus 10 : no 1 en ut majeur, no 2 en la mineur, no 10 en la bémol majeur ;  Barcarolle en fa dièse majeur, opus 60.

개릭 올슨은 콩쿠르 1라운드에서 다음의 프로그램을 연주할 것입니다. 폴로네즈 5번, 녹턴 16번, 에튀드 1, 2, 10번 그리고 뱃노래입니다.

[Garrick Ohlsson: Barcarolle in F#, Op. 60]

[개릭 올슨 - 뱃노래]

Garrick Ohlsson: Diese wenigen Minuten waren ein wichtiger Teil meines Lebens. Ein entscheidender Moment für mich, wie für jeden potenziellen Gewinner, denn er prägte die eigene Karriere bis zu einem gewissen Grad. Der Chopin-Wettbewerb war damals einer der wichtigsten Klavierwettbewerbe weltweit – und er ist es noch heute. »Wichtig« fasst es nicht ganz, doch beinahe alle Preisträger der Chopin-Wettbewerbe hatten herausragende internationale Karrieren vor sich. Über andere Wettbewerbe kann man das nicht mit gleicher Beständigkeit sagen. Das ist sicher so, weil dieser Wettbewerb nur alle fünf Jahre stattfindet, deshalb ist er etwas Besonderes. Außerdem werden nur Werke von Chopin gespielt.

Garrick Ohlsson : Ça ne dure que quelques minutes, mais c’est une grande partie de ma vie. Ce concours a été décisif pour moi, et sans doute pour tout autre lauréat, car il détermine votre carrière, dans une certaine mesure. Le Concours Chopin, à l’époque, était et reste sans doute le concours de piano le plus important au monde - « important » n’est pas le bon mot, mais pratiquement tous les lauréats du Concours Chopin ont mené une carrière internationale importante, et ce n’est pas vrai des autres concours avec la même régularité. Peut-être parce que le Concours Chopin a lieu tous les cinq ans ; il ne s’agit donc pas d’un concours « banal », et le répertoire se limite à Chopin.

개릭 올슨 : 그 몇 분은(몇 분밖에 걸리지 않지만) 제 삶의 중요한 부분이었어요. 잠재적인 승자로서 저에게는 결정적인 순간이었죠. 제 경력을 어느 정도 형성했으니까요. 쇼팽 콩쿠르는 당시 세계에서 가장 중요한 피아노 콩쿠르 중 하나였으며 오늘날에도 마찬가지입니다. “중요한 것”이 모든 것을 요약하지는 않지만, 쇼팽 콩쿠르의 거의 모든 수상자는 뛰어난 국제 경력을 가지고 있습니다. 같은 일관성을 가진 다른 대회에는 해당하지 않죠. 이 대회는 5년에 한 번씩만 열리는 대회이므로 특별합니다. (아마도 쇼팽 콩쿠르가 5년마다 열리기 때문일 거예요.) 쇼팽의 작품만 연주되기도 하고요. (따라서 “진부한” 경쟁이 아니며 레퍼토리는 쇼팽으로 제한됩니다.)

[Garrick Ohlsson: Piano Concerto No. 1 in e, Op. 11 - III. Rondo. Vivace]

[개릭 올슨 - 피아노 협주곡 1번 3악장]

Garrick Ohlsson: Man muss sich viel intensiver mit dem Stil eines großen Komponisten beschäftigen, des Klavierkomponisten überhaupt, für jeden Pianisten ein Prüfstein für Technik, Klang und Interpretation.

Garrick Ohlsson : Il faut approfondir beaucoup plus le style d’un seul grand compositeur, le compositeur par excellence pour le piano ; c’est un test de la technique, du son, de la conception musicale.

개릭 올슨 : 우리는 피아노를 위한 탁월한 작곡가인 한 명의 위대한 작곡가의 스타일에 대해 훨씬 더 깊이 들어가야 합니다. 그것은 테크닉, 소리, 음악적 개념의 시험입니다.

[Garrick Ohlsson: Piano Concerto No. 2 in f, Op. 21 - I. Maestoso]

[개릭 올슨 - 피아노 협주곡 2번 1악장]

Im Juni 1829 schrieb der Direktor des Warschauer Konservatoriums im Examensprotokoll: »Chopin Friderik – Musikgenie.« Chopin wurde am 1. März 1810 geboren. Seine Mutter entstammte einer verarmten polnischen Adelsfamilie; sein Vater war Franzose und lehrte am Warschauer Gymnasium. Wenige Monate nach Chopins Geburt kauften seine Eltern ihr erstes Klavier. Das Kind setzte sich unter das Instrument und lernte rasch die Grundbegriffe des Klavierspiels, indem es der Mutter stundenlang zuhörte. Sein Klavierlehrer, ein Freund der Familie, war klug genug, ihm nichts aufzuzwingen. Als Siebenjähriger komponierte Chopin sein erstes Werk, eine Polonaise. Das grenzte schon fast an ein Wunder. In Warschau verbreitete sich die Kunde, Nicholas Chopins Sohn sei der neue Mozart. Der Bruder des Zaren, der despotische Großherzog Konstantin, lud das Wunderkind häufig in seinen Palast ein.

En juin 1829, le directeur du Conservatoire de Varsovie écrit dans son rapport de fin d’études : « Chopin, Frédéric - génie musical. » Frédéric Chopin est né le 1er mars 1810. Sa mère descend d’une famille d’aristocrates polonais appauvris ; son père, Français de naissance, enseigne au lycée de Varsovie. Quelques mois après sa naissance, ses parents achètent un piano. L’enfant se couche sous l’instrument et apprend rapidement les bases du piano en écoutant sa mère des heures durant. Son professeur de piano, un vieil ami de la famille, a l’intelligence de ne rien lui imposer. À 7 ans, Chopin compose sa première œuvre, une polonaise. Cela tient du miracle. Tout Varsovie raconte bientôt que Nicolas Chopin est le père d’un nouveau Mozart. Le frère du tsar, le despotique grand duc Constantin, invite souvent l’enfant prodige dans son palais.

1829년 6월, 바르샤바 음악원 원장은 시험 기록(졸업 보고서)에 다음과 같이 썼습니다. “쇼팽, 프리데리크 – 음악 천재.” 쇼팽은 1810년 3월 1일에 태어났습니다. 그의 어머니는 가난한 폴란드 귀족 가문 출신이었습니다. 아버지는 프랑스 태생으로 바르샤바의 고등학교에서 가르쳤습니다. 쇼팽이 태어난 지 몇 달 후, 그의 부모님은 첫 피아노를 샀는데요. 아이는 악기 아래에 앉아 몇 시간 동안 어머니의 말을 들으며 피아노의 기초를 빠르게 배웠습니다. 가족의 오랜 친구인 그의 피아노 선생님은 그에게 어떤 것도 강요하지 않을 만큼 영리했죠. 쇼팽은 7세에 첫 작품인 폴로네즈를 썼는데요. 거의 기적에 가까웠죠. 니콜라스 쇼팽의 아들이 새로운 모차르트라는 소문이 바르샤바에 퍼졌습니다. 차르의 형으로 실질적인 통치자인 콘스탄틴 대공은 종종 어린 신동을 그의 궁전으로 초대했죠.

[Evgeny Kissin: Polonaise No. 5 in f#, Op. 44]

[에프게니 키신 - 폴로네즈 5번]

All dies ließ Frédéric Chopins Selbstbewusstsein wachsen. Er wusste, dass er der Musik nun fest verbunden war. Sein Ruf als Wunderkind hielt Frédéric Chopin aber nicht vom konventionellen Schulbesuch ab. Nachdem das Gymnasium absolviert war, studierte er Harmonielehre und Kontrapunkt am Warschauer Konservatorium. Elsner, sein Professor, ließ seinem Talent freien Lauf. »Lassen Sie ihn nur so weitermachen. Er meidet die ausgetretenen Pfade und gewöhnlichen Methoden, aber auch sein Talent ist ungewöhnlich.«

Tout cela éveille certainement en Frédéric Chopin le sens de sa propre valeur et la conscience d’un lien désormais indissoluble avec la musique. Sa réputation d’enfant prodige n’empêche pas Frédéric Chopin de faire des études traditionnelles. Après sa sortie du lycée, il prend des cours d’harmonie et de contrepoint au Conservatoire de musique de Varsovie. Elsner, son professeur, veille à ne pas brider son talent. « Qu’il suive son inclination ! Cet élève s’écarte des sentiers battus et des méthodes ordinaires, mais son talent, lui, n’a rien d’ordinaire. »

이 모든 것이 프레데릭 쇼팽의 자신감을 높였습니다. 그는 이제 자신이 음악과 확고하게 연결되어 있다는 것을 알고 있었습니다. 그러나 신동이라는 그의 명성은 프레데릭 쇼팽이 전통적인 학교에 다니는 것을 막지 못했습니다. 고등학교를 졸업한 후 바르샤바 음악원에서 화성학과 대위법을 공부했습니다. 그의 스승인 엘스네르 교수는 그의 재능을 마음껏 발휘하도록(억제하지 않으려고) 했습니다. “그냥 놔두세요. 고통스러운 길과 일반적인 방법을 피하지만 재능도 남다릅니다.” (그의 성향을 따르게 하세요! 이 학생은 고된 길과 평범한 방법에서 벗어나지만, 재능이 비범합니다.)

[Krystian Zimerman: Waltz No. 7 in c#, Op. 64 No. 2]

[크리스티안 지메르만 - 왈츠 7번]

Garrick Ohlsson: Chopins Kompositionsprozess, wie ich ihn verstehe, wurde natürlich von seinen Lehrern in Warschau geprägt, Zywny und Elsner, die eher Klassizisten waren. So fehlte in seiner Ausbildung nichts. Doch er war harmonisch und musikalisch nicht zu bändigen. Er wollte nicht einfach nur »normale« Dinge schreiben. Vor allem der Klassizist Elsner und jeder in Warschau, der Chopin bewunderte, sagte: »Du musst Opern schreiben, Kantaten, Symphonien, Streichquartette, und der Welt zeigen, dass du ein Genie bist wie die anderen großen Komponisten«. Doch Chopin war sich seiner selbst bereits vollkommen sicher, und solche Dinge waren ihm egal, er sagte: »Nein, nein, das interessiert mich nicht! Das mache ich nicht.« Er war sich seiner Einstellung dazu vollkommen bewusst und sicher.

Garrick Ohlsson : Le processus d’écriture de Chopin, tel que je le comprends, a été influencé par ses professeurs de Varsovie, Zywny et Elsner, des compositeurs strictement classiques. Il avait donc tous les éléments et l’entraînement nécessaires. Mais il restait un enfant sauvage, musicalement et harmoniquement. Il refusait tout simplement de composer comme tout le monde. Elsner notamment, qui était classiciste, et tous ceux, à Varsovie, qui l’admiraient, disaient : « Écrivez des opéras, des cantates, des symphonies, des quatuors, et montrez au monde entier que vous êtes un génie comme tous les autres grands compositeurs. » Mais Chopin se connaissait déjà parfaitement, se moquait de tout cela et répondait : « Non, non, ça ne m’intéresse pas ! Pas question de faire cela. » Il savait exactement ce qu’il avait dans le cœur et dans la tête.

개릭 올슨 : 제가 이해하는 바에 따르면 쇼팽의 작곡 과정은 엄격한 고전주의자였던 바르샤바의 선생님인 지브니와 엘스네르의 영향을 받았습니다. 그래서 그는 필요한 모든 요소와 훈련을 받았습니다. 그러나 그는 음악적으로나 화성적으로나 여전히 야성적인 아이였죠. 그는 “남들 같은” 작곡을 거부했습니다. 특히 고전주의자였던 엘스네르와 그를 존경했던 바르샤바의 모든 사람은 다음과 같이 말했습니다. “오페라, 칸타타, 교향곡, 현악 4중주를 작곡하고 다른 위대한 작곡가들처럼 천재임을 세상에 보여주십시오.” 그러나 쇼팽은 이미 자신을 완벽하게 확신하고 있었고, 그런 것에는 신경 쓰지 않았다고 말했죠. “아니, 전 상관없어요! 그렇게 하지 않을 거예요.” 그는 자신의 마음과 머리에 무엇이 있는지 정확히 알고 있었습니다.

[Mazurka No. 10 in Bb, Op. 17 No. 1]

[마주르카 10번]

Diese drei Jahre am Konservatorium waren eine Zeit intensiver Kreativität, Chopin schrieb seine ersten Rondos, Walzer, Polonaisen und Mazurken. Jeden Sommer bezog die Familie Chopin ihr Sommerhaus in Szafarnia nördlich von Warschau. Es war eine glückliche, idyllische Zeit. Gelegentlich tanzte Frédéric Mazurken mit den dortigen Bauern. Die Rhythmen dieser Musik mit ihren ursprünglichen Melodien faszinierten ihn, sie waren weit entfernt vom konventionellen tonalen Dur/Moll-System. Hier entdeckte er die Elemente einer neuen musikalischen Ausdrucksform.

Ces trois années de conservatoire sont des années d’intense créativité. Chopin écrit ses premiers rondos et valses, ses premières polonaises et mazurkas. L’été, la famille Chopin part pour sa maison de campagne à Szafarnia, au nord de Varsovie. C’est une période heureuse, bucolique. Parfois, Frédéric va danser la mazurka avec les paysans locaux. Il est fasciné par les rythmes de cette musique aux mélodies originales, si éloignée du système tonal majeur/mineur traditionnel. Il découvre les composantes d’un nouveau genre d’expression musicale.

3년간의 음악원 생활은 쇼팽이 자신의 첫 론도, 왈츠, 폴로네즈, 마주르카를 작곡하면서 강렬한 창의성의 시기였습니다. 매년 여름, 쇼팽의 가족은 바르샤바 북쪽의 샤파르냐에 있는 시골집으로 떠났습니다. 행복하고 목가적인 시간이었죠. 때때로 프레데릭은 지역 농부들과 마주르카를 췄는데요. 독창적인 멜로디가 있는 이 음악의 리듬은 그를 매료시켰고 기존의 장조/단조 체계에서 멀리 떨어져 있었죠. 여기서 그는 새로운 장르의 음악적 표현의 구성 요소를 발견했습니다.

Garrick Ohlsson: Die Mazurken haben wegen ihres nationalen Charakters einen ganz eigenen Platz in Chopins Œuvre. Obwohl die meisten Pianisten in Warschau und Krakau am Wochenende keine Mazurken auf dem Lande tanzen, liegen diese doch immer in der Luft, in der Kultur, man versteht die rhythmischen Akzente, man bekommt sie wie die Sprache quasi mit der Muttermilch.

Garrick Ohlsson : Les mazurkas sont à part dans la musique de Chopin, elles ont un caractère particulier, national. Même si la plupart des pianistes de Varsovie ou de Cracovie ne dansent pas la mazurka le week-end à la campagne, il y a néanmoins quelque chose dans l’air, la culture ; on comprend l’accentuation rythmique, on l’absorbe avec le lait maternel, avec la langue.

개릭 올슨 : 마주르카는 쇼팽의 작품에서 특별하며 고유한 민족적 특성이 있는데요. 바르샤바와 크라쿠프의 피아니스트 대부분이 주말에 시골에서 마주르카를 추지 않지만, 널리 퍼져 있는 문화인데, 리듬의 강세를 이해하고, 말하자면 마치 언어처럼 모유와 함께 흡수하게 됩니다.

Arthur Rubinstein: A mazurka, with him, became a brilliant composition which only retained the rhythm of a mazurka. You can’t dance to it. But the thing is, his Polish soul and music came through in every bar of these mazurkas because he recalled the popular mazurkas. So that was the guide to his inspiration for the mazurkas out of which he created profound music. They’re marvellous works of music.

Arthur Rubinstein: Unter seinen Händen wurde aus der Mazurka ein brillantes Musikstück. Es hat nur noch den Mazurka-Rhythmus, aber man kann dazu nicht tanzen. Doch seine polnische Seele ist spürbar in jedem Takt dieser Mazurken, denn die Volksmusik-Mazurken hat er nie vergessen. Sie waren seine Inspirationsquelle für die Mazurken, die er in große Musik verwandelte. Es sind wunderbare Musikstücke.

아르투르 루빈스타인 : 그의 손에서 마주르카는 멋진 음악이 되었습니다. 마주르카 리듬만 가지고 있지만, 그것에 맞춰 춤을 출 수는 없습니다. 그러나 그의 폴란드 영혼은 이 마주르카의 모든 소절에서 느낄 수 있습니다. 민속 음악 마주르카를 결코 잊지 않았으니까요. 그가 위대한 음악으로 승화시킨 마주르카에 대한 영감의 원천이었죠. 멋진 음악 작품들이죠.

[Ivo Pogorelich: Mazurka No. 38 in f#, Op. 59 No. 3]

[이보 포고렐리치 - 마주르카 38번]

Garrick Ohlsson: Warschau war keine kleine Stadt, doch provinzieller als Paris, Wien oder London. Und dass dort ein Talent auftauchte, ganz klar ein Genie von Weltformat, auf einer Stufe mit einem Mozart oder einem Beethoven, das war außergewöhnlich. In Warschau erkannte man sein Genie, und Chopin schickte sich an, sein Glück zu machen.

Garrick Ohlsson : Varsovie n’était pas une petite ville, mais elle était bien plus provinciale que Paris, Vienne ou Londres. L’apparition d’un talent qui était manifestement un génie mondial, comparable à un Mozart, un Beethoven ou je ne sais qui, était extraordinaire, et Varsovie en eut conscience, si bien que Chopin partit chercher fortune.

개릭 올슨 : 바르샤바는 작은 도시가 아니었지만 파리, 빈, 런던보다는 훨씬 더 지방이었죠. 그리고 그곳에서 모차르트나 베토벤에 버금가는 세계적 수준의 천재라는 재능이 나타났다는 것은 정말 놀라운 일이었는데요. 그의 천재성은 바르샤바에서 인정받았고 쇼팽은 그의 재산을 찾아 떠났죠.

[Krystian Zimerman: Piano Concerto No. 1 in e, Op. 11 - III. Rondo. Vivace]

[크리스티안 지메르만 - 피아노 협주곡 1번 3악장]

Obwohl Vater und Lehrer ihn bedrängten, zögerte Frédéric Chopin im Herbst 1830 sich aufzumachen, Europa zu erobern und seine Familie zu verlassen, Schwestern, Freunde und Geliebte: Elsa und Wanda Radziwill, Henriette Sontag, Constanze Gladkowska... Am 11. Oktober gab er sein Abschiedskonzert vor 700 Zuhörern. Auf dem Programm stand ein Konzert, das er gerade vollendet hatte.

À l’automne 1830, malgré l’insistance de son père et de ses professeurs, Frédéric Chopin hésite à partir à la conquête de l’Europe, et à laisser derrière lui sa famille, ses sœurs, ses amis, et ses maîtresses, Elsa et Wanda Radziwill, Henriette Sontag, Constance Gladkowska. Le 11 octobre, il donne un concert d’adieu devant 700 personnes. Au programme figure le concerto qu’il vient d’achever.

1830년 가을, 쇼팽은 아버지와 스승의 압박에도 불구하고 유럽을 정복하고 가족, 누이, 친구, 연인을 떠나는 것을 주저했습니다. 엘자와 반다 라지비유, 앙리에트 존탁, 콘스탄차 그와드코프스카... 10월 11일에는 700여 명의 관객 앞에서 고별 연주회를 했는데요. 프로그램에는 그가 막 완성한 협주곡이 있었죠.

[Krystian Zimerman: Ballade No. 1 in g, Op. 23]

[크리스티안 지메르만 - 발라드 1번]

Frédéric Chopin verließ Polen am 2. November und reiste nach Österreich. Dort erreichte ihn die Kunde vom polnischen Volksaufstand gegen die Tyrannei von Zar Nikolaus I. Wenige Wochen später erfuhr er, dass man den Aufstand niedergeschlagen hatte. Nach Warschau konnte er nicht mehr zurück. Ende 1831 erreichte er Paris und entdeckte staunend das lebendige kulturelle Leben dieser Stadt. »Paris ist die schönste aller Welten«, schrieb er. »Du kannst tun, was dir gefällt, und niemand sieht dich an, weil hier Tausende dasselbe tun wie du, aber jeder auf seine Weise.« Chopin besuchte die Oper und verliebte sich in Bellinis Belcanto. Dank seiner Empfehlungsschreiben traf er die Direktoren der Salons Pleyel, des Théâtre des Italiens und des Conservatoire. Camille Pleyel organisierte sein Pariser Konzertdebüt im Januar 1832. Sämtliche Größen des internationalen Musiklebens waren anwesend: Liszt, Mendelssohn, Hiller, Osborne, Sowinski, Stamaty, Kalkbrenner. »Der größte, begeistertste Applaus«, schrieb Liszt, »schien kaum genügend, unsere Verzückung angesichts dieses jungen Talents zu zeigen.«

Frédéric Chopin quitte la Pologne le 2 novembre 1830, pour l’Autriche. C’est là qu’il est avisé du soulèvement de son pays contre la tyrannie du tsar Nicolas I. Quelques semaines plus tard, il apprend que l’insurrection a été écrasée. Il est trop tard pour retourner à Varsovie. Il arrive à Paris vers la fin de 1831 et découvre, avec stupéfaction, le bouillonnement culturel de la ville. « Paris est le plus beau des mondes », écrit-il. « Chacun peut faire ce qui lui plaît : personne ne vous regarde, car des milliers de gens vaquent à leurs activités quotidiennes, chacun à sa guise. » Chopin va à l’Opéra et tombe amoureux du bel canto de Bellini. Des lettres d’introduction lui permettent de rencontrer les directeurs des Salons Pleyel, du Théâtre des Italiens et du Conservatoire. Camille Pleyel organise son premier concert parisien en janvier 1832. Toutes les personnalités du monde musical sont présentes : Liszt, Mendelssohn, Hiller, Osborne, Sowinski, Stamaty, Kalkbrenner. « Les applaudissement les plus enthousiastes », écrit Franz Liszt, « semblaient à peine exprimer notre enchantement devant ce jeune talent. »

프레데릭 쇼팽은 1830년 11월 2일 폴란드를 떠나 오스트리아로 향했습니다. 그곳에서 그는 차르 니콜라스 1세의 폭정에 대한 폴란드인들의 봉기에 대해 들었습니다. 몇 주 후 그는 반란이 진압되었다는 것을 알게 되었습니다. 그는 바르샤바로 돌아갈 수 없었죠. 1831년 말에는 파리에 도착했고 이 도시의 활기찬 문화생활을 발견하고 놀랐습니다. 그는 다음과 같이 썼죠. “파리는 세계에서 가장 아름다운 곳입니다. 누구나 좋아하는 일을 할 수 있고 아무도 저를 쳐다보지 않아요. 여기 수천 명이 저와 같은 일을 하지만 각자의 방식으로 일상 업무를 수행하고 있기 때문이죠.” 쇼팽은 오페라에 참석했고 벨리니의 벨칸토(매끄럽고 부드러운 창법을 중시하던 19세기 오페라 스타일)와 사랑에 빠졌죠. 벨리니의 소개장 덕분에 그는 플레이엘 살롱, 이탈리아 극장, 음악원 감독을 만났는데요. 카미유 플레이엘은 1832년 1월 쇼팽의 파리 콘서트 데뷔를 조직했죠. 국제 음악계의 모든 유명인사가 참석했죠. 리스트, 멘델스존, 힐러, 오스본, 소빈스키, 스타마티, 칼크브렌너. 리스트는 다음과 같이 썼죠. “많은 청중의 갈채도 이 천재에 대한 우리들의 환희를 표현하는 데는 충분치 못하다고 생각했다.”

Der Erfolg dieses ersten Konzerts rief auch Neider auf den Plan. Der berühmte Klaviervirtuose Friedrich Kalkbrenner kritisierte Chopins affektiertes Spiel und seine romantischen Manierismen. Doch seine neuen Freunde Mendelssohn, Hiller, Liszt, Franchomme und Schumann versicherten ihm: »Kalkbrenner wird Ihnen nichts beibringen. Sie spielen viel besser als er.«

Le succès de ce premier concert suscite quelques jalousies. Le célèbre pianiste virtuose Friedrich Kalkbrenner critique avec véhémence le jeu affecté et les maniérismes romantiques de Chopin. Mais ses nouveaux amis, Mendelssohn, Hiller, Liszt, Franchomme et Schumann le rassurent : « Kalkbrenner ne t’enseignera rien. Tu joues bien mieux que lui. »

이번 첫 콘서트의 성공도 선망의 대상이었습니다. 유명한 피아노 거장 프리드리히 칼크브렌너는 쇼팽의 영향을 받은 연주와 낭만적인 매너리즘을 비판했습니다. 그러나 그의 새로운 친구인 멘델스존, 힐러, 리스트, 프랑숌, 슈만은 그에게 다음과 같이 확신했죠. “칼크브렌너는 당신에게 아무것도 가르쳐주지 않을 것입니다. 당신이 그보다 훨씬 더 잘 연주해요.”

Garrick Ohlsson: Man fragt sich, wie Chopin selbst spielte. Das kann natürlich niemand sagen. Es gibt Beschreibungen. Es fiel besonders auf, dass er nicht sehr kräftig war und sehr zart spielte. Wir wissen vom Klavier, ob ein modernes oder eines aus Chopins Zeit, wenn man es sehr leise spielt, mit vielen zarten Nuancen, hört das Publikum genauer hin. Man beeindruckt sie nicht durch Kraft und Stärke, sondern durch Delikatesse. Sie nehmen die klanglichen Nuancen wahr, und damit schafft man diesen Zauber. Die schönsten Klänge, die aus dem Klavier kommen, sind nicht die lauten, sondern die leisen.

Garrick Ohlsson : Nous nous demandons comment Chopin jouait. Bien sûr, personne ne le sait. Nous avons des descriptions. Le trait le plus évident est qu’il avait peu de force et jouait très doucement. Nous savons aussi qu’au piano - moderne, ou de l’époque de Chopin - si l’on joue doucement, avec des nuances délicates, l’auditeur entre dans le son. On ne l’impressionne pas par la force, la puissance, mais par la délicatesse. L’auditeur entre dans les nuances sonores, on crée une sorte de magie. Au piano, les sons les plus beaux ne sont pas les plus tonitruants mais les plus doux.

개릭 올슨 : 우리는 쇼팽 자신이 어떻게 연주했는지 궁금합니다. 물론 아무도 모릅니다. 설명이 있는데요. 특히 강하지 않고 매우 섬세하게 연주하는 것이 눈에 띄었죠. 현대 피아노든 쇼팽 시대의 피아노든 피아노를 통해 아주 부드럽게 연주하고 섬세한 뉘앙스를 많이 사용하면 청중이 더 자세히 듣는데요. 힘과 기운이 아니라 섬세함으로 감동을 줍니다. 소리의 뉘앙스를 감지하는데, 이것이 이런 마법을 만들죠. 피아노에서 나오는 가장 아름다운 소리는 큰 소리가 아니라 감미로운 소리입니다.

[Maurizio Pollini: Prelude in b, Op. 28 No. 6]

[마우리치오 폴리니 - 전주곡 6번]

Garrick Ohlsson: Große Säle lagen ihm nicht, er gab dort nur wenige Konzerte. Er war trotzdem eine Sensation. Seinen Ruhm verdankt er aber vor allem den Salons, in denen er spielte. Besonders in Paris waren das nicht irgendwelche Salons. Das waren sehr gewichtige Veranstaltungen, zum Publikum gehörten Liszt, Heinrich Heine, Schumann oder Berlioz. Jene Musiker, die berichteten, dass Chopins Spiel für sie ein magisches, unglaubliches Erlebnis war, das waren die größten lebenden Musiker jener Zeit. Das war nicht bloß eine romantische Komtesse, die in Chopin verliebt war. Alle liebten ihn und sein Spiel. Die größten Musiker und Künstler der Zeit erklärten dies zu einer magischen, besonderen Kunst, die sich jeder Beschreibung entzog.

Garrick Ohlsson : Il n’aimait pas jouer dans de grandes salles. Il y donnait rarement des concerts. Ça ne l’empêchait pas de faire sensation. Mais il devait surtout sa réputation aux salons. À Paris surtout, les salons n’appartenaient pas à n’importe qui, c’étaient des lieux très importants ; parmi les invités pouvaient figurer Liszt, Heinrich Heine, Schumann ou Berlioz. Les musiciens qui ont déclaré que le jeu de Chopin était l’expérience la plus magique, la plus incroyable, étaient les plus grands musiciens vivants de l’époque. Ce n’était pas une simple comtesse qui se pâmait pour Chopin, tout le monde l’adorait ! Lui, et sa façon de jouer. Les plus grands esprits musicaux et artistiques de l’époque disaient qu’il avait une magie, un talent artistique dépassant l’imagination.

개릭 올슨 : 그는 큰 홀에서 연주하는 것을 좋아하지 않았고, 그곳에서 몇 번의 콘서트만 가졌습니다. 그는 여전히 선풍적이었죠. 무엇보다도 그는 자신이 연주한 살롱에서 명성을 얻었습니다. 특히 파리에서는 살롱을 아무나 소유하는 게 아니었죠. 리스트, 하인리히 하이네, 슈만, 베를리오즈 등의 청중이 있는 중요한 행사들이 있었거든요. 쇼팽의 연주가 그들에게 놀라운 마법 같은 경험이었다고 보고한 음악가들은 당시 현존했던 가장 위대한 음악가들이었는데요. 단지 쇼팽과 사랑에 빠진(쇼팽의 연주를 듣고 기절한) 낭만적인 백작 부인이 아니었죠. 모두가 그와 그의 연주를 사랑했죠. 당대의 가장 위대한 음악가들과 예술가들은 이것을 설명할 수 없는(상상을 초월하는) 마법의 특별한 예술이라고 선언했습니다.

Robert Schumann schilderte ihn so: »Ein unvergeßlich Bild, ihn wie einen träumenden Seher am Clavier sitzen zu sehen, und wie man sich bei seinem Spiele wie der von ihm erschaffene Traum vorkäme, und wie er die heillose Gewohnheit habe, nach dem Schlusse jedes Stückes mit einem Finger über die pfeifende Klaviatur hinzufahren, sich gleichsam mit Gewalt von seinem Traum loszumachen.«

Robert Schumann le décrit ainsi : « Quel spectacle inoubliable de le voir au piano, tel un visionnaire perdu dans ses rêves, et comme le rêve qu’il créait donnait forme à son jeu ! Il avait aussi l’habitude unique, à la fin de chaque morceau, de faire glisser un doigt d’un bout à l’autre du clavier en un glissando dérangeant, comme pour briser l’enchantement. »

로베르트 슈만은 이에 대해 다음과 같이 설명했습니다. “꿈에서 길을 잃은 몽상가처럼 피아노 앞에서 그를 보는 것은 잊을 수 없는 광경이며 그가 만든 꿈은 그의 연주에 영향을 미쳤다! 그는 또한 곡이 끝날 때 마치 마법을 깨뜨리려는 것처럼 불안한 글리산도에서 건반의 한쪽 끝에서 다른 쪽 끝으로 손가락을 미는 독특한 버릇이 있었다.”

[Martha Argerich: Scherzo No. 3 in c#, Op. 39]

[마르타 아르헤리치 - 스케르초 3번]

[Prelude in f#, Op. 28 No. 8]

[전주곡 8번]

Chopin schloss Freundschaften mit den führenden Komponisten seiner Zeit: Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Vincenzo Bellini, Hector Berlioz. Er gehörte nun zum Kreis der Künstler. Er lebte gut von den Klavierstunden für die jungen Mädchen der gehobenen Mittelschicht. Von Dautremont in der Rue Vivienne orderte sich Chopin zartgraue oder königsblaue Gehröcke, dreifach geknotete Seidenkrawatten, Lackstiefel, ein schwarzes, mit grauem Satin gefüttertes Cape. Die recht artifizielle gesellschaftliche Existenz gab ihm eine Art Gleichgewicht. Er vollendete seine Zwölf Etüden op. 10. Dabei ließ er sich inspirieren von der virtuosen Technik des Geigers Niccolò Paganini. Die Etüden revolutionierten die Kunst des Klavierspiels, da sie die Möglichkeiten des Instruments erweiterten und sein volles Potenzial erschlossen.

Chopin se lie d’amitié avec les principaux compositeurs de l’époque : Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Vincenzo Bellini, Hector Berlioz. Il appartient désormais à la société artistique. Il gagne confortablement sa vie comme professeur de piano des jeunes filles de la bourgeoisie. Habillé par Dautremont, un tailleur de la rue Vivienne, Chopin commande des redingotes gris perle ou bleu roi, des cravates en soie à nœud triple, des bottines vernies, une cape noire doublée de satin gris. Cette existence sociale assez artificielle lui procure une sorte d’équilibre. Il achève ses Douze Études, opus 10. En les composant, il s’inspire de la technique virtuose du violoniste Nicolò Paganini. Ces Études créent une révolution dans l’art du piano en augmentant les possibilités de l’instrument et en révélant pleinement son potentiel.

쇼팽은 당대 최고의 작곡가들과 친구가 되었습니다. 펠릭스 멘델스존, 로베르트 슈만, 빈첸초 벨리니, 엑토르 베를리오즈. 그는 이제 예술가 무리(예술계)에 속하게 되었는데요. 중산층(부르주아)의 어린 소녀들을 위한 피아노 선생님으로 편안하게 생계를 꾸렸죠. 비비엔 가의 재단사 도트르몽의 옷을 입은 쇼팽은 옅은 회색 또는 감청색 프록코트(과거 남자들이 입던 긴 코트로, 이제는 특별한 의식 때만 입음), 삼중 매듭이 있는 실크 넥타이, 에나멜가죽 장화, 회색 새틴 안감으로 된 검은 망토를 주문했습니다. 다소 인위적인 사회적 존재는 그에게 일종의 균형을 제공했죠. 그는 12개의 연습곡 작품 10을 완성했는데요. 바이올리니스트 니콜로 파가니니의 거장적 기교에서 영감을 받았죠. 에튀드는 악기의 가능성을 확장하고 잠재력을 최대한 발휘하면서 피아노 연주 기법에 혁명을 일으켰죠.

Garrick Ohlsson: Chopin verlangt einen sehr hohen technischen Standard, denn obwohl seine Musik schön, poetisch und sehr natürlich klingt, ist es doch schwer, die sehr schwierigen Wendungen zu meistern. Er schöpft das komplette Potenzial der menschlichen Hand am Klavier aus, er erweitert die Möglichkeiten des Klaviers und er lässt einen die schwierigsten Kunststücke vollführen.

Garrick Ohlsson : Chopin exige un haut niveau de perfection technique : même si la musique est magnifique, poétique et très naturelle, il est très difficile de maîtriser ces tournures redoutables. Il a utilisé toutes les possibilités de la main humaine au piano. Il a étendu les possibilités du piano et n’hésite pas à vous demander les choses les plus difficiles.

개릭 올슨 : 쇼팽의 음악은 아름답고 시적이며 매우 자연스럽게 들리지만, 매우 어려운 전환을 마스터하기가 어려우므로 매우 높은 기술적 수준(완성도)을 요구합니다. 그는 인간의 손에 대한 잠재력을 피아노에 최대한 활용하고 피아노의 가능성을 확장하며 가장 어려운 재주에 대해서도 주저하지 않았죠.

[Garrick Ohlsson: Etude in a, Op. 10 No. 2]

[개릭 올슨 - 연습곡 2번]

Die Etüde in a-moll op. 10 Nr. 2 hat eine Melodie...

L’Étude en la mineur, opus 10 no 2, comporte une mélodie...

에튀드 2번의 멜로디군요...

Garrick Ohlsson: Keine Melodie, eine motorische Verzierung mit ein paar melodischen Andeutungen, es klingt ein bisschen wie eine Flöte. Seine Absicht dahinter ist, er will die Hand teilen, um sie zu stärken. Die Melodie soll mit diesen drei schwachen Fingen gespielt werden: Man könnte einwenden: Warum so kompliziert? Aber Chopin zwingt einen dazu, denn in den Daumen und den zweiten Finger legt er eine Art Pizzicato, wie das trockene Zupfen einer Geige. Er packt Begleitung und Melodie in ein und dieselbe Hand. Das Pizzicato muss vorbereitet werden, die Hand kann nicht in einer Position bleiben. Selbst innerhalb der Hand muss dieser Teil flexibel sein, denn sie dreht und wendet sich in sehr unbequemer Art und Weise.

Garrick Ohlsson : Ou plutôt une figure motrice avec des indications mélodiques, un peu comme une flûte. Ce qu’il veut obtenir, c’est la division de la main : entraîner la main à jouer la mélodie avec ces trois doigts faibles. Comme ça... On pourrait se demander : À quoi bon une méthode aussi compliquée ? Mais Chopin vous y oblige en confiant au pouce et à l’index une sorte de pizzicato, comme un violoniste tirant les cordes à petits coups secs... Ainsi, la même main est chargée de l’accompagnement et de la mélodie. Vous voyez que le pizzicato doit être préparé à l’avance, la main ne peut être figée dans une position. Les deux parties de la main doivent être flexibles, car elles tournent de manière très inconfortable.

개릭 올슨 : 멜로디가 없고 약간의 멜로디에 대한 힌트와 함께 모터가 작동하며 약간 플루트처럼 들립니다. 이것에 숨겨진 그의 의도는 손을 떼어 그것을 강화하려는 것입니다. (그가 달성하고자 하는 것은 손의 분할입니다.) 이 3개의 약한 손가락으로 멜로디를 연주한다고 하면... 누군가는 이의를 제기할 수 있는데(스스로 다음과 같이 물어볼 수 있는데)... 왜 그렇게 복잡하죠? 그러나 쇼팽은 당신에게 그것을 하도록 강요합니다. 바이올린 활의 털을 뜯는 것처럼 그의 엄지와 둘째 손가락에 일종의 피치카토를 넣기 때문이죠. 그는 한 손에 반주와 멜로디를 담았습니다. (따라서 반주와 멜로디를 같은 손이 담당합니다.) 피치카토를 준비해야 하며 손은 한 위치에 있을 수 없습니다. 손안에서도 이 부분이 매우 불편하게 뒤틀리기 때문에(손의 양쪽 부분은 회전이 매우 불편하므로) 유연해야 하죠.

[Vladimir Horowitz: Etude in F, Op. 10 No. 8]

[블라디미르 호로비츠 - 연습곡 8번]

Garrick Ohlsson: Chopin beherrschte eine organische Art des Klavierspiels. Er wusste, wie sich die Hand auf der Tastatur bewegen konnte. Die Etüde in F-Dur zum Beispiel, gespielt von Orloff und Horowitz. Beide spielen sie sehr ähnlich, wie man in der Zeitlupe sieht. Sie spielen nicht einfach nur jeden der vier Töne, sie sind immer im Fluss, die Hand ist immer geschmeidig, wechselt ständig, ist immer auf dem Sprung.

Garrick Ohlsson : Chopin comprenait l’aspect organique du jeu pianistique, comment la main pouvait bouger au-dessus du piano. Par exemple, cette Étude en fa majeur, jouée par Orloff et Horowitz : ils la jouent de manière presque identique quand on les regarde au ralenti. Ils ne se contentent pas de jouer chacune des quatre notes, ils entretiennent une fluidité permanente, la main est dans une position souple, constamment modifiée, se préparant aux déplacements à venir.

개릭 올슨 : 쇼팽은 피아노를 연주하는 유기적인 방법을 마스터했는데요. 손이 건반에서 어떻게 움직일 수 있는지 알고 있었죠. 니콜라이 오를로프와 블라디미르 호로비츠가 연주하는 에튀드 8번을 예로 들어볼게요. 느린 동작에서 볼 수 있듯이 둘 다 매우 유사하게 연주합니다. 그들은 단지 4개의 음을 각각 연주하는 것이 아니라 항상 유동적이며, 손이 항상 유연하고 끊임없이 변화하며 항상 이동하죠.

[Sviatoslav Richter: Etude in c#, Op. 10 No. 4]

[스비아토슬라프 리히터 - 연습곡 4번]

Bella Davidovich: Before Chopin, the études... Chopin caused a revolution with his études. The étude existed before Chopin but it served a single purpose: to develop one’s technique. Whereas, with Chopin, every étude is a work of art. There, too, there’re technical problems but what musical marvels!

Bella Davidovich: Die Etüden vor Chopin... Chopins Etüden waren revolutionär. Es gab schon vor Chopin Etüden, doch sie dienten nur einem Zweck: der technischen Weiterentwicklung. Aber bei Chopin ist jede Etüde ein Kunstwerk. Auch hier gibt es technische Probleme, aber was sind das für musikalische Schätze!

Bella Davidovich : Avant Chopin, les études... Chopin a créé une révolution avec ses études. L’étude existait déjà avant Chopin, mais elle ne servait qu’à une chose : développer sa technique. Tandis que chez Chopin, chaque étude est une œuvre d’art. Elles contiennent aussi des problèmes techniques, mais quelles merveilles musicales !

벨라 다비도비치 : 쇼팽 이전의 에튀드... 쇼팽은 자신의 에튀드로 혁명을 일으켰죠. 에튀드는 쇼팽 이전에 존재했지만, 오직 한 가지 목적만 수행했는데, 테크닉 발전이었죠. 그러나 쇼팽에게는 모든 에튀드가 예술 작품입니다. 거기에도 기술적인 문제가 있지만, 음악적으로는 정말 놀라워요! (여기에도 테크닉 문제가 있지만, 음악적인 보물이죠!)

[Garrick Ohlsson: Etude in E, Op. 10 No. 3]

[개릭 올슨 - 연습곡 3번]

Garrick Ohlsson: Viele Leute fragen: »Warum heißt das Etüde? Es hat eine Melodie, es ist ein Nocturne.« Das ist es auch, aber er nannte es eine Etüde, weil er, wie in dieser Etüde, z.B. die Hand in zwei Hälften teilt. Er legt einen Teil der Begleitung und die Melodie in eine Hand. In den oberen, schwachen Fingern hat man wieder diese schöne Melodie... Und darunter hat man diese Begleitung... Dazu kommt die Begleitung in der linken Hand... Ein sehr komplexes, verschachteltes Gefüge, doch zart und transparent. Und all das liegt unter der Melodie und trägt sie. Auf den Tasten geht es immer sehr lebendig zu, er entwickelt die Klaviertechnik weiter, aber das macht er nicht nur aus technischen Gründen, sondern im Dienste eines Klangs, einer Musik, die untrennbar mit dem Instrument verbunden sind.

Garrick Ohlsson : Beaucoup de gens demandent : « En quoi est-ce une étude ? C’est une mélodie magnifique, un nocturne ». Oui, aussi, mais il l’a intitulée « étude » parce que, de même que dans cette étude, il divise la main en deux, il confie une partie de l’accompagnement et la mélodie à une seule main. De nouveau, les trois doigts faibles ont cette mélodie magnifique... Et dessous, on a l’accompagnement... À quoi il faut ajouter l’accompagnement de la main gauche... Une texture très compliquée, mais douce et transparente. Et tout cela est sous la mélodie et la soutient. C’est une présence constamment vivante sur les touches, où il fait évoluer la technique pianistique, pas seulement pour améliorer la technique, mais pour produire un son, une musique indissociable de l’instrument lui-même.

개릭 올슨 : 많은 사람이 다음과 같이 질문합니다. “왜 연습곡이라고 하지? (이게 어떻게 연습곡이야?) 멜로디가 있고 야상곡인데.” 그렇긴 한데, 예를 들어 이 에튀드처럼 손을 반으로 쪼개서 ‘에튀드’라고 불렀죠. 그는 반주와 멜로디 일부를 한 손에 맡겼는데요. 위의 약한 손가락들에는 이 아름다운 멜로디가 또 있고... 아래에는 이런 반주가 있는데... 왼손에도 반주가 있죠... 매우 복잡하고 중첩된 구조이지만 섬세하고(부드럽고) 투명합니다. 그리고 그 모든 것이 멜로디 아래에 있으며 그것을 전달합니다. 건반은 항상 매우 활기차고, 그는 피아노 테크닉을 개발하지만, 단지 기술적인 이유로 하는 것이 아니라 악기와 떼려야 뗄 수 없는 음악을 만들어내는 소리를 위해 그렇게 합니다.

Evgeny Kissin: Er war zweifellos ungemein innovativ, selbst Prokofjew konnte das nicht abstreiten! Eine seiner Erfindungen: Die Etüden entwickelten sich dank ihm – oder, genauer, durch ihn – von reinen Übungsstücken zu poetischen, phantasievollen Werken.

Evgeny Kissin : Il a indéniablement été un grand novateur, Prokofiev lui-même n’aurait pu le nier ! Et l’une de ses innovations a été que le genre de l’étude, grâce à lui, - ou plutôt, entre ses mains -, n’est plus une étude mais une œuvre musicale poétique et imaginative.

에프게니 키신 : 그는 의심할 여지 없이 엄청나게 혁신적이었고, 프로코피에프조차도 그것을 부인할 수 없었죠! 그의 혁신 중 하나로, 그 덕분에 – 또는 더 정확하게는 그로 인해 – 에튀드가 단순한 연습곡에서 시적이고 상상력이 풍부한 작품으로 발전했죠.

[Evgeny Kissin: Etude in E, Op. 10 No. 3]

[에프게니 키신 - 연습곡 3번]

[Evgeny Kissin: Etude in c#, Op. 10 No. 4]

[에프게니 키신 - 연습곡 4번]

Piotr Anderszewski: It’s a music that seethes. There’s this inner volcano, this passion. This incredible drama going on... And it all remains impeccable. The outside always remains elegant, always well dressed, always nicely tailored. It’s almost impossible to marry the two, I feel. And the sheer genius is simply that he managed to put this volcano, to dress this volcano in a Parisian outfit that was absolutely impeccable.

Piotr Anderszewski: In dieser Musik brodelt es. Da ist diese Glut, diese Leidenschaft, dieses unglaubliche Drama... Und alles bleibt makellos. Außen bleibt alles immer elegant, adrett gekleidet, maßgeschneidert. Es ist kaum möglich, beides miteinander zu vereinen, finde ich. Es war einfach genial, wie er es verstand, einen Vulkan so auf Pariser Art einzukleiden, dass er äußerlich absolut makellos erschien.

표트르 안데르셰프스키 : 설레게 하는 음악입니다. (이 음악은 끓어오르고 있습니다.) 이 광채, 이 열정, 이 놀라운 드라마... 그리고 모두 흠잡을 데 없이 남아 있죠. (그리고 모든 것이 완벽하게 유지됩니다.) 외부의 모든 것은 항상 우아하고 깔끔하게 옷을 입고 맞춤 제작됩니다. 이 둘을 합치는 것은 불가능하다고 생각합니다. 화산이 외부에서 완벽하게 보이도록 파리 의상으로 화산을 장식하는 방법을 그가 알았다니 정말 훌륭했습니다.

[Ballade No. 2 in F, Op. 38]

[발라드 2번]

Mitte der 1830er-Jahre war Frédéric Chopin ein anerkannter Pianist. Und doch hatte er Heimweh. Er kränkelte und hatte Pech in der Liebe. Die Wodzinskis, eine polnische Adelsfamilie, versagten ihm die Hand ihrer Tochter Maria. Auf ihre Liebesbriefe schrieb er: »Mein Leid.« Ende der 1830er-Jahre stellte Franz Liszt seinem Freund die Schriftstellerin George Sand vor. Sein erster Eindruck war negativ. Die Schriftstellerin war ihm zu emanzipiert. In den folgenden Monaten änderte Chopin seine Meinung über George Sand. Die brillante Frau, die so anders war als er, faszinierte ihn. Er genoss ihre geistreiche Gesellschaft und die Bewunderung der Geliebten. In dieser Zeit vollendete er seine Zweite Sonate op. 35. Das Stück war derart revolutionär in äußerer Form und innerem Gefüge, dass sich Chopin über die zu erwartenden Reaktionen keine Illusionen machte. Robert Schumann urteilte sehr kritisch und ironisch: Mit den vier Sätzen dieser Trauermarsch-Sonate habe Chopin »vier seiner tollsten Kinder zusammengekoppelt«.

Dès 1835 environ, Frédéric Chopin est un pianiste reconnu. Pourtant, il a le mal du pays. Il est en mauvaise santé, et sa vie amoureuse est décevante. Les Wodzinski, famille d’aristocrates polonais, lui refusent la main de leur fille Maria. Sur les lettres de Maria, il écrit : « Ma douleur ». Un jour, vers la fin des années 1830, Franz Liszt présente l’écrivain George Sand à son ami. La première impression de Chopin est négative. La romancière est trop émancipée à son goût. Au cours des mois suivants, son jugement sur George Sand va évoluer. Il est séduit par cette femme brillante, si différente de lui. Il découvre une compagne spirituelle, et une maîtresse qui l’admire. C’est à cette époque qu’il achève sa Deuxième Sonate, opus 35. L’œuvre est si révolutionnaire par sa forme et sa syntaxe que Chopin ne se fait pas d’illusions sur son accueil. Robert Schumann, très critique, ironise : en composant les quatre mouvements de cette sonate funèbre, Chopin a « simplement réuni quatre de ses enfants les plus rebelles. »

1830년대 중반, 프레데릭 쇼팽은 인정받는 피아니스트였습니다. 그러나 그는 향수병에 걸렸죠. 건강이 좋지 않았으며 불행한 사랑이었죠. 폴란드 귀족 가문인 보진스키 가족은 딸인 마리아 보진스카를 그에게 시집보내지 않았는데요. 그는 연애편지에 이렇게 썼죠. “나의 슬픔.” 1830년대 말의 어느 날, 프란츠 리스트는 자신의 친구를 소설가 조르주 상에게 소개했습니다. 그의 첫인상은 부정적이었죠. 이 소설가는 그에게 너무나도 자유분방해 보였으니까요. 그 후 몇 달 이내에 쇼팽은 조르주 상에 대한 마음을 바꿨습니다. 그는 자신과 너무나 다른 화려한 여성에게 매료되었죠. 그는 영적 동반자와 그를 존경하는 여주인들을 발견했죠. 이 기간에 그는 피아노 소나타 2번을 완성했는데요. 이 곡은 외부 형식과 내부 구조 면에서 매우 혁신적이어서 쇼팽은 예상되는 반응(그 수용)에 대한 환상을 가지지 않았죠. 로베르트 슈만은 매우 비판적으로 그리고 모순적으로 판단했죠. 이 장송 행진곡 소나타의 4악장을 쓸 때 쇼팽은 “저 미치광이 같은 개구쟁이 네 명을 하나로 꽉 묶어 버렸습니다.”

[Yuja Wang: Piano Sonata No. 2 in b flat, Op. 35 - I. Grave - Doppio movimento]

[유자 왕 - 피아노 소나타 2번 1악장]

Yuja Wang: Die Sätze von Opus 35 sind grundverschieden. Strukturell hat er so viel Neues in den ersten Satz gepackt wie niemand vor ihm. Und der zweite Satz ist ein Scherzo, aber es ist das düsterste Scherzo, das ich kenne – wie ein Totentanz. Es könnte eine Mazurka sein oder ein sehr düsterer Walzer, doch es ist definitiv ein Teufelswalzer, sehr sarkastisch, fast wie Prokofjew – in Bezug auf die Stimmung, sonst nicht.

Yuja Wang : Dans les quatre mouvements de l’opus 35, on a quatre choses totalement différentes. Sur le plan de la forme, il a tellement inventé dans le premier mouvement, comme personne avant lui ! Le deuxième mouvement est un scherzo, mais le scherzo le plus sombre que j’aie jamais entendu. Comme une danse macabre. Ce pourrait être une mazurka ou une valse très sombre, mais c’est indubitablement une valse écrite pour les démons, très sarcastique, presque comme Prokofiev - l’ambiance, rien d’autre.

유자 왕 : 피아노 소나타 2번의 악장들은 근본적으로 다릅니다. 구조적으로 그는 이전의 누구보다 1악장에 새로운 것을 더 많이 담았죠. 그리고 2악장은 스케르초지만, 제가 아는(들어본 것 중) 가장 어두운 스케르초입니다. - 마치 죽음의 무도처럼요. 마주르카나 매우 침울한(어두운) 왈츠일 수도 있지만, 분명히 악마의 왈츠이며, 매우 냉소적으로, 프로코피에프와 흡사해요. - 분위기 면에서 다른 게 없거든요.

[Yuja Wang: Piano Sonata No. 2 in b flat, Op. 35 - II. Scherzo - Più lento]

[유자 왕 - 피아노 소나타 2번 2악장]

Yuja Wang: Jeder Satz könnte auch für sich stehen, als ein eigenständiges, in sich vollkommenes Stück. Und natürlich kennt jeder den Trauermarsch. Den Mittelteil finde ich so berührend, so schön, er versetzt einen immer in eine andere Welt. Zumindest geht mir das so, ich weiß nicht, wie es dem Publikum geht... Und dann dieses Wunder: Wir sind dort und plötzlich bricht die Realität herein, der echte Trauermarsch kehrt zurück... Man kann die Prozession geradezu sehen. Es ist sehr bildhaft. Und der letzte Satz ist wohl das größte Rätsel der Musikgeschichte, er dauert zwei Minuten und klingt wie der Wind, der über die Gräber streicht.

Yuja Wang : Chaque mouvement pourrait exister seul, comme un morceau parfait et bien structuré. Ensuite vient bien sûr la marche funèbre que tout le monde connaît. Pour moi, la partie médiane est si émouvante, si belle, elle nous transporte toujours ailleurs. Enfin, c’est mon cas, du moins ; le public, je ne sais pas ! Et puis ce miracle : nous sommes là et tout à coup la réalité surgit, quand la véritable marche funèbre revient... On voit vraiment la procession. C’est très visuel. Le dernier mouvement est le plus grand mystère de l’histoire de la musique, il dure deux minutes, et fait vraiment l’effet d’un coup de vent sur la tombe.

유자 왕 : 각각의 악장은 또한 독립적이고 완전한 곡으로서 자체적으로 존재할 수 있죠. 그리고 물론 모두가 장송 행진곡을 알고 있는데요. 중간부가 되게 감동적이고 아름다워서 항상 다른 세계로 안내합니다. 적어도 제 기분이 그런데, 청중에 대해서는 잘 모르겠어요... 그리고 이런 기적이 일어나는데요. 우리가 거기 있고 갑자기 현실이 깨지고, 진짜 장례 행진이 돌아옵니다.... 실제로 행렬을 볼 수 있죠. 매우 시각적입니다. 그리고 마지막 4악장은 어쩌면 음악사에서 가장 위대한 미스터리일지도 모르는데, 2분 동안 계속되며 무덤 위로 부는 바람처럼 들립니다.

[Yuja Wang: Piano Sonata No. 2 in b flat, Op. 35 - III. Marche funèbre]

[유자 왕 - 피아노 소나타 2번 3악장]

[Yuja Wang: Piano Sonata No. 2 in b flat, Op. 35 - IV. Finale. Presto]

[유자 왕 - 피아노 소나타 2번 4악장]

Im Sommer 1838 war aus der Liebesaffäre eine leidenschaftliche Beziehung geworden. George Sand und Chopin waren jetzt unzertrennlich. Im November entschloss sich das Paar, Paris zu verlassen. Sie reisten nach Mallorca, die spanische Insel vor der Küste von Barcelona. In Palma de Mallorca herrschte regnerisches Wetter. Chopin erkältete sich. Bald quälte ihn ein böser Husten. Die Einwohner wurden ungastlich. Der Traum geriet zum Albtraum. Chopin und Sand, nun mittellos, suchten Zuflucht im Kloster Valdemosa. In den Zellen war es bitterkalt. »Die Zelle hat die Form eines hohen Sarges«, schrieb Chopin. »Still... man könnte schreien... und noch still...« George Sand schrieb in ihren Memoiren: »Chopin konnte seiner erregten Phantasie nicht Herr werden. Das Kloster war ein Ort der Schrecken und der Geister für ihn.«

Dès l’été 1838, la liaison amoureuse est devenue une passion. George Sand et Chopin sont désormais inséparables. En novembre, le couple décide de quitter Paris. Ils partent pour Majorque, île espagnole au large de Barcelone. À Palma de Majorque, le temps est pluvieux. Chopin prend froid et se met à tousser. Les habitants de l’île deviennent hostiles. La partie de plaisir tourne au cauchemar. Chopin et Sand, sans le sou, se réfugient à Valdemosa, chartreuse très éventée. Les cellules sont glaciales. « Ma cellule a la forme d’un vaste cercueil », écrit Chopin. « On peut toujours crier, on n’entend que le silence. » George Sand note dans ses mémoires : Chopin « ne pouvait vaincre l’inquiétude de son imagination. Le cloître était pour lui plein de terreurs et de fantômes ».

1838년 여름이 되자 사랑은 열렬한 관계로 바뀌었습니다. 조르주 상과 쇼팽은 이제 떼려야 뗄 수 없는 사이가 되었습니다. 11월에 두 연인은 파리를 떠나기로 했습니다. 그들은 바르셀로나 해안에서 떨어진 스페인 섬인 마요르카로 여행했습니다. 팔마데마요르카에서는 비 오는 날이 다반사였죠. 쇼팽은 감기에 걸렸습니다. 곧 심한 기침(결핵)으로 괴로워했죠. 주민들은 적대적으로 변했고요. 꿈은 악몽으로 바뀌었죠. 이제 무일푼이 된 쇼팽과 조르주 상은 발데모사 수도원으로 피신했습니다. 작은 방은 몹시 추웠죠. 쇼팽은 다음과 같이 썼습니다. “내 방 모양은 큰 관처럼 생겼어... 기괴한 정적... 네가 꽥 소리를 지른다 해도... 여전히 정적뿐일 거야...” 조르주 상은 회고록에서 이렇게 썼습니다. “쇼팽은 불안한 상상을 견디지 못했다. 수도원은 그에게 온통 공포와 유령들로 가득 찬 곳이었다.”

Piotr Anderszewski: Mazurka No. 40 in f, Op. 63 No. 2]

[표트르 안데르셰프스키 - 마주르카 40번]

Sand und Chopin kamen auf der Rückreise am 12. Februar 1839 in Marseille an. Trotz des leidvollen Aufenthalts auf Mallorca kam Chopin mit einer Fülle neuer Kompositionen nach Hause zurück. Endlich war der eindrucksvolle Zyklus der 24 Préludes vollendet. Während der folgenden acht Jahre, seinen letzten Lebensjahren, führte Chopin ein recht geordnetes Leben. Es war seine künstlerisch produktivste Zeit. In den Sommern auf Nohant, dem Landsitz von George Sand, konnte er in Ruhe an dem Pleyel-Flügel arbeiten, den sie ihm geschenkt hatte. Delacroix schreibt in seinem Tagebuch: »Durch das offene Fenster zum Garten dringt Chopins Musik und vermischt sich mit dem Lied der Nachtigallen und dem Duft der Rosen.« Die nüchternere George Sand beschrieb die »entsetzlichste Arbeit« ihres »kleinen Chopin«: »Er zerbricht die Federn. Es fällt ihm nicht leicht.«

Sand et Chopin retournent à Marseille le 12 février 1839. Malgré son séjour horrible à Majorque, Chopin rentre chez lui avec une moisson de compositions nouvelles. Il parvient finalement à achever son imposant recueil de 24 Préludes. Au cours des huit années suivantes, les dernières de sa vie, Chopin jouit d’un semblant de stabilité. Ces années sont les plus productives pour son art. Pendant les étés à Nohant, dans la maison de campagne de George Sand, il travaille en paix dans son bureau, sur le Pleyel qu’elle vient de lui offrir. Eugène Delacroix note dans son journal que, par la fenêtre ouverte sur le jardin, entrent des bouffées de la musique de Chopin mêlées à l’odeur des roses et au chant des rossignols. Plus terre à terre, George Sand décrit les efforts terrifiants de Chopin, son « petit », au point de casser ses plumes. Ça ne lui vient pas facilement.

조르주 상과 쇼팽은 1839년 2월 12일 귀국길에 마르세유에 도착했습니다. 마요르카에서의 고통스러운(끔찍한) 체류에도 불구하고 쇼팽은 풍부한 신작들을 가지고 집으로 돌아왔습니다. 그는 마침내 24개의 인상적인 전주곡을 완성했죠. 그 후 8년, 생애의 마지막 몇 년 동안 쇼팽은 상당히 안정된 삶을 누렸는데요. 예술적으로 가장 생산적인 시기였죠. 여름 동안 노앙에 있는 조르주 상의 시골 저택에서 그는 그녀가 준 플레이엘 그랜드 피아노에서 평화롭게 일할 수 있었죠. 들라크루아는 일기에 이렇게 썼습니다. “쇼팽의 음악은 정원으로 열린 창문을 통해 나이팅게일의 노래와 장미의 향기가 섞여서 흘러나왔다.” 보다 냉정한 조르주 상은 그녀의 “작은 아이”인 쇼팽의 “가장 소름 끼치는 작품”을 다음과 같이 묘사했습니다. “그는 깃털을 부러뜨릴 정도로 무서운 노력을 기울였다. 그에게서 쉽게 나오는 게 아니다.”

[Nocturne No. 5 in F#, Op. 15 No. 2]

[녹턴 5번]

Er improvisierte die ganze Zeit, er war großartig darin.

Il improvisait tout le temps ; c’était un grand improvisateur.

그는 항상 즉흥 연주에 뛰어났죠. (그는 항상 즉흥적으로 연주했는데, 훌륭한 즉흥 연주자였어요.)

Garrick Ohlsson: An einem Abend konnte er ein Nocturne improvisieren, und es war wundervoll. Dann wieder arbeitete er sechs, acht Wochen jeden Tag viele Stunden, um etwas zu schaffen, das genau wie eine Improvisation klang. Er verwandte große Sorgfalt auf das, was er niederschrieb. Das war nicht Lust und Laune, sondern eine Kunst, die große Disziplin erforderte. Und doch klingt das Ergebnis, als sei es gerade eben vom Himmel gefallen. Der Weg vom spontanen Einfall zur konkreten Niederschrift muss sehr schwer gewesen sein, damit es dann ganz einfach und natürlich klingen konnte. Man kann sehen, wo er sich umentschied, da gibt es diese dicken Streichungen. Er sagt nicht nur, »Spiel das nicht!«, er will nicht einmal, dass man seine ursprünglichen Ideen noch erkennen kann. Da war er sehr genau. Das Paradoxe an Chopin ist für mich: Er war ein Klassizist, aber auch ein Revolutionär, vor allem in Bezug auf seine Musiksprache, und für uns steht er für die Romantik. Aber ohne eine klassische Struktur löst sich Chopin auf in Parfüm, Mondlicht, Zauber, übertriebenes Gefühl, danach fühlt man sich nicht unbedingt gut! Auf die klassische Struktur reduziert wirkt Chopin trocken und pedantisch. Bei einer Chopin-Interpretation braucht man die Spannung zwischen beiden, und alle großen Chopin-Pianisten wissen das.

Garrick Ohlsson : Un soir, il improvisait un nocturne, et c’était magique. Mais ensuite il travaillait six, huit semaines, plusieurs heures tous les jours, afin de recréer exactement ce qui donne l’impression d’une improvisation. Il attachait donc beaucoup d’importance à ce qu’il écrivait. Ce n’est pas : « Oh ! faites ce que vous voulez. » C’est un art très discipliné. Et pourtant, on pourrait croire que le résultat vient de tomber du ciel. Passer d’une expression spontanée à un résultat concret sur le papier a dû être un processus très difficile, afin que ça sonne comme si c’était absolument facile et naturel. Régulièrement, quand il change d’avis, on a une grosse rature noire. Il ne se contente pas de dire : « Ne jouez pas ça ! » Il ne veut pas que l’on devine ses autres idées. Il était très pointilleux. Pour moi, le paradoxe de Chopin est que c’est un classiciste, mais aussi un révolutionnaire, surtout quant à son langage musical comme art, et qu’il incarne pour nous le romantisme. Mais Chopin, sans une forme classique, n’est plus que parfum, clair de lune, magie, émotion exagérée, ce qui nous laisse mal à l’aise ! Chopin réduit à la seule forme classique, devient sec, pédant. Il nous faut la tension entre ces deux pôles dans l’interprétation de Chopin, et tous les grands interprètes de Chopin le savent parfaitement.

개릭 올슨 : 어느 날 저녁, 그는 즉흥적으로 녹턴을 연주할 수 있었는데, 마법과도 같았어요. 그런 다음 그는 즉흥 연주의 인상을 주는 것을 정확히 재현하기 위해 6주, 8주 동안 매일 몇 시간씩 연습했죠. 따라서 그는 자신이 작곡한 것을 매우 중요하게 여겼는데요. 이것은 변덕스러운 것이 아니라 상당한 훈련이 필요한 예술이었습니다. 그러나 결과는 방금 하늘에서 떨어진 것처럼 들립니다. 즉흥적인 표현에서 구체적인 작곡에 이르는 길(종이로 옮기는 것)은 매우 어려웠을 것이므로 매우 간단하고 자연스럽게 들릴 수 있는 거죠. 그가 마음을 바꾼 곳을 볼 수 있는데, 많이 생략되었죠. 그는 “연주하지 마!”라고 말할 뿐만 아니라 자신의 독창적인 아이디어들이 인식되는 것을 원하지도 않는데요. 그것에 대해 매우 까다로웠죠. 제게 쇼팽의 역설은 다음과 같습니다. 그는 고전주의자였으나 특히 그의 음악적 언어에 있어 혁명가였으며, 우리에게 그는 낭만주의를 대표합니다. 그러나 고전적인 구조가 없으면 쇼팽은 향수, 달빛, 마법, 과장된 감정에 지나지 않아 우리를 불안하게 만들어요! 고전적인 구조로 축소된 쇼팽은 건조하고 현학적인 것처럼 보여요. 쇼팽 해석에서는 둘 사이의 긴장이 필요하며, 모든 위대한 쇼팽 전문 피아니스트는 이것을 완벽하게 잘 알고 있죠.

[Murray Perahia: Polonaise-Fantaisie in Ab, Op. 61]

[머레이 페라이어 - 환상 폴로네즈]

Im Frühling 1849 war Chopin in seiner Pariser Wohnung, Square d’Orléans Nr. 9. Seine Beziehung mit George Sand war ein paar Monate zuvor gescheitert. Mattigkeit, Ernüchterung und Eifersucht forderten ihren Tribut. »Acht Jahre geregelte Existenz waren zuviel«, so schrieb er. Eine Reise durch Schottland und England verschlimmerte seine Tuberkulose. Er spuckte Blut. Seine geplante Klavierschule gab er auf, komponierte aber ein letztes Stück, ein futuristisches Glanzstück, die unvollendete Mazurka in f-moll op. 68 Nr. 4.

Au printemps 1849, Chopin est chez lui à Paris, au 9 square d’Orléans. Sa relation avec George Sand a pris fin quelques mois auparavant. La lassitude, la désillusion et la jalousie sont passées par là. « Huit années d’une existence ordonnée, c’est trop », répète-t-il. Un voyage désastreux en Écosse et en Angleterre aggrave sa tuberculose. Il crache du sang. Il renonce à l’idée d’écrire sa propre méthode de piano mais compose une dernière pièce, un bijou futuriste resté inachevé, la Mazurka en fa mineur, opus 68 no 4.

1849년 봄, 쇼팽은 오를레앙 광장 9번가에 있는 자신의 파리 아파트에 있었습니다. 조르주 상과의 관계는 몇 달 전에 끝났죠. 피로, 환멸, 질투가 지나갔는데요. 그는 이렇게 적었습니다. “8년 동안 질서 있게 생활하는 것은 너무 과했다.” 스코틀랜드와 잉글랜드를 여행하면서 그의 결핵은 심해졌죠. 그는 피를 토했습니다. 계획한 피아노 레슨을 포기했지만, 마지막으로 미래의 보석인 미완성 마주르카 작품 68-4를 썼죠.

[Bella Davidovich: Mazurka No. 49 in f, Op. 68 No. 4]

[벨라 다비도비치 - 마주르카 49번]

Frédéric Chopin hatte nicht mehr die Kraft und die Zeit zum Komponieren. Er starb am 17. Oktober 1849. Er bat seine Schwester darum, all seine Skizzen und unvollendeten Werke verbrennen zu lassen. Er wurde auf dem Friedhof Père Lachaise in Paris beigesetzt, sein Herz wurde nach Polen überführt. In seinem Tagebuch schrieb sein Freund Delacroix: »Was für ein Verlust! Was für erbärmliche Gestalten nehmen den Platz ein, während seine schöne Seele verloschen ist.«

Frédéric Chopin n’a plus la force ni le temps de composer. Il meurt le 17 octobre 1849. Il a demandé à sa sœur de veiller à ce que toutes ses esquisses et œuvres inachevées soient brûlées. Il est enterré au cimetière du Père-Lachaise, à Paris, et son cœur retourne en Pologne. Dans son journal, son ami Delacroix écrit : « Quelle perte ! Que d’ignobles gredins remplissent la place, pendant que cette belle âme vient de s’éteindre ! »

프레데릭 쇼팽은 더 이상 작곡할 힘이나 시간이 없었습니다. 그는 1849년 10월 17일에 사망했습니다. 그는 누나에게 자신의 스케치와 미완성 작품을 모두 불에 태워달라고 부탁했죠. 그의 몸은 파리의 페르 라셰즈 공동묘지에 묻혔지만, 심장은 폴란드로 옮겨졌죠. 그의 친구인 들라크루아는 자신의 일기에 다음과 같이 썼습니다. “이 얼마나 손실인가! 이 아름다운 영혼이 사라지는 동안 얼마나 비참한 생물들이 그 자리를 채우고 있는가!”

[Polish Christmas Song: Lulajże, Jezuniu / Sleep, little Jesus]

[폴란드 캐럴 <잘 자라 아기 예수>]

[Garrick Ohlsson: Scherzo No. 1 in b, Op. 20]

[개릭 올슨 - 스케르초 1번]

Garrick Ohlsson: Die Beschränkung auf das Klavier gab Chopin die grenzenlose Freiheit, alles auszudrücken, was er konnte und wollte. Hätte er sein Repertoire erweitern müssen, dann hätte er das auch gekonnt. Darum frage ich mich: Hätte er auch für andere Instrumente komponiert, wenn er länger gelebt hätte? Ich bin mir nicht sicher. Es war ihm genug, ein Ausdrucksmittel für seine künstlerischen Ideen zu haben. In dieser Hinsicht, in seiner Philosophie, ist er ein Romantiker. Er repräsentiert den neuen europäischen Romantiker, der eher seiner Inspiration folgt als praktischen Notwendigkeiten.

Garrick Ohlsson : Le fait de se limiter au piano a donné à Chopin une liberté infinie pour exprimer tout ce qu’il pouvait ou voulait. Je suis sûr que s’il avait eu besoin de plus, il aurait appris. C’est pourquoi je me demande s’il aurait écrit pour d’autres instruments s’il avait survécu. Je ne sais pas, je ne suis pas sûr. Je pense que son besoin intérieur d’expression était satisfait. De ce point de vue, il est très romantique par sa philosophie. Il représente le nouvel homme romantique européen, mû par l’inspiration plus que par des besoins pratiques.

개릭 올슨 : 피아노에 자신을 제한하는 것은 쇼팽에게 그가 할 수 있거나 원하는 것은 무엇이든 표현할 수 있는 무한한 자유를 주었습니다. 그가 레퍼토리를 확장해야 했다면, 그렇게 할 수 있었을 것입니다. (그가 더 필요했다면 배웠을 것이라고 확신합니다.) 그러므로 저는 스스로 이렇게 질문합니다. 그가 더 오래 살았다면 다른 악기들을 위한 곡을 썼을까요? 잘 모르겠어요. 그에게는 자신의 예술적 사상을 표현하는 수단만 있으면 충분했죠. (표현에 대한 내면의 욕구가 충족되었다고 생각합니다.) 그런 점에서 그의 철학은 매우 낭만적입니다. 그는 실용적인 필요보다 영감을 따르는 새로운 유럽 낭만주의를 대표합니다.

[Arthur Rubinstein: Piano Concerto No. 2 in f, Op. 21 - II. Larghetto]

[아르투르 루빈스타인 - 피아노 협주곡 2번 2악장]

[Mazurka No. 32 in c#, Op. 50 No. 3]

[마주르카 32번]

Live in Warsaw (29 August 2009)

Garrick Ohlsson, piano / 개릭 올슨, 피아노

Warsaw Philharmonic Orchestra / 바르샤바 필하모닉 오케스트라

Antoni Wit, conductor / 안토니 비트 지휘

Stanisław Moniuszko: Bajka / 스타니스와프 모니우쉬크 <이야기>

Chopin Piano Concerto No. 1 in e, Op. 11

I. Allegro maestoso

II. Romance. Larghetto

III. Rondo. Vivace

Chopin Piano Concerto No. 2 in f, Op. 21

I. Maestoso

II. Larghetto

III. Allegro vivace

Chopin Mazurka No. 32 in c#, Op. 50 No. 3 (encore)

영어, 독일어, 프랑스어 자막을 동원하여 번역했다. 자막이 군데군데 빠져 있다.