Nikolai Lugansky, Tugan Sokhiev & Berliner Philharmoniker - Live in Berlin (15 October 2016)

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Nikolai Lugansky in conversation with Christoph Igelbrink, a member of the orchestra’s cello section

In October 2016, the Russian pianist Nikolai Lugansky made his debut with the Berliner Philharmoniker performing Rachmaninov’s Paganini Variations and met with Christoph Igelbrink, a member of the orchestra’s cello section.

2016년 10월 러시아 피아니스트 니콜라이 루간스키는 라흐마니노프의 <파가니니 랩소디>로 베를린 필하모닉에 데뷔했다. 이를 계기로 그는 필하모닉의 첼로 주자 크리스토프 이겔브링크를 만나 대화를 나누었다.

Christoph Igelbrink: Nikolai Lugansky, a very warm welcome, also in the name of orchestra. You’re making your debut with us today. What does it mean to play for the first time in Berlin? What was your reaction when you heard from your agent that you were to come to Berlin and play with the Berliner Philharmoniker?

크리스토프 이겔브링크 : 니콜라이 루간스키, 베를린 필과의 협연을 환영합니다. 당신은 오늘 우리와 함께 데뷔합니다. 베를린에서 처음으로 연주한다는 것은 무엇을 의미하나요? 에이전트로부터 베를린에 와서 베를린 필하모닉과 연주한다는 소식을 들었을 때 어땠나요?

Nikolai Lugansky: I was delighted, of course. It was a year ago: my agent rang me to say that it would probably be in October 2016. I’m very happy, of course, to be here. I’ve already appeared a few times in Berlin, with the DS (Deutsche Symphonie-Orchester Berlin) and the RSB (Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin), and a piano recital in the chamber room at the Konzerthaus. But to make one’s debut with the Berliner Philharmoniker naturally means a great deal for any pianist. An orchestra with such a tradition, such quality and such culture... I have to say that my expectations were naturally very high. And it has really been quite something.

니콜라이 루간스키 : 물론 기뻤죠. 1년 전에 제 에이전트가 전화를 걸어 아마 2016년 10월이 될 거라고 말했어요. 물론 여기에 있는 게 매우 기뻐요. 저는 이미 베를린 도이치 교향악단, 베를린 방송교향악단과 베를린에서 몇 번 협연했고 콘체르트하우스의 챔버룸에서는 피아노 독주회를 열었어요. 하지만 베를린 필하모닉 오케스트라와 함께 데뷔한다는 것은 피아니스트에게 큰 의미가 있죠. 이런 전통, 이런 자질, 이런 문화를 가진 오케스트라... 제 기대는 당연히 매우 높았죠. 그리고 정말 대단한 것이었어요.

Christoph Igelbrink: I hope we didn’t disappoint you.

크리스토프 이겔브링크 : 우리가 당신을 실망시키지 않았기를 바랍니다.

Nikolai Lugansky: Quite the opposite. What amazes me is the speed at which you work. It’s rather different from, say, England and the USA. Initially it wasn’t quite what I expected but it gets better each time and that amazes me. Many orchestras reach a high standard very quickly but after that they don’t move on but remain where they are. Here things continue to improve musically, technically, in every sense. It’s been hugely enjoyable!

니콜라이 루간스키 : 정반대입니다. 저를 놀라게 하는 것은 당신이 일하는 속도입니다. 예를 들어 영국, 미국과는 다소 달라요. 처음에는 제가 기대했던 것과 달랐지만 점점 더 좋아지고 있어 놀라움을 금치 못합니다. 많은 오케스트라가 매우 빠르게 높은 수준에 도달하지만, 그 후에는 더 이상 나아가지 않고 제자리에 남아 있죠. 모든 면에서 음악적으로, 기술적으로 계속 개선되고 있어요. 엄청나게 즐거웠어요!

Christoph Igelbrink: The pleasure is ours. You play fantastically.

크리스토프 이겔브링크 : 우리의 기쁨인 걸요. 당신은 환상적으로 연주합니다.

Nikolai Lugansky: Thank you.

니콜라이 루간스키 : 감사합니다.

Christoph Igelbrink: You won the 1994 Tchaikovsky Competition in Moscow and after that your career really took off. You perform all over the world. Approximately how many concerts do you give each season?

크리스토프 이겔브링크 : 당신은 1994년 모스크바에서 열린 차이코프스키 콩쿠르에서 1위 없는 2위에 입상했고 그 후 당신의 경력은 정말 도약했습니다. 당신은 전 세계에서 공연합니다. 각 시즌에 대략 몇 번의 콘서트를 제공하나요?

Nikolai Lugansky: Around 100 concerts a season. I keep saying that I should give fewer. It’s really a little too many. But that’s how it’s been these last four or five years: some 100 concerts. It’s not easy to say no. Some agents and concert managers make such an effort that it would be a shame to tell them: No, I don’t want to. And with many, like the Berliner Philharmoniker, there’s no question: You have to do it in every possible variant.

니콜라이 루간스키 : 한 시즌에 약 100회 연주합니다. 저는 더 적게 연주해야 한다고 계속 말하죠. 정말이지 다소 너무 많아요. 하지만 지난 4~5년 동안 약 100회 공연했죠. 거절하기 쉽지 않아요. 일부 에이전트와 콘서트 매니저는 “아뇨, 원하지 않아요.” 같이 말하는 것이 부끄러울 정도로 노력합니다. 그리고 베를린 필하모닉 같은 많은 오케스트라에는 의심의 여지가 없는데, 가능한 모든 변화 속에서 연주해야 합니다.

Christoph Igelbrink: What are the statistics? Do you give more concerts or more recitals?

크리스토프 이겔브링크 : 통계가 어떤가요? 협연이나 독주를 더 많이 하나요?

Nikolai Lugansky: I think it varies from year to year but it’s about 60 per cent with orchestra and 40 per cent solo recitals. But I also play a lot of chamber music with some wonderful musicians such as Vadim Repin, Leonidas Kavakos, Mischa Maisky and Alexander Kniazev.

니콜라이 루간스키 : 해마다 다르지만 오케스트라가 60%, 독주회가 40% 정도입니다. 하지만 바딤 레핀, 레오니다스 카바코스, 미샤 마이스키, 알렉산더 크니아제프 같은 훌륭한 음악가들과 실내악도 많이 연주해요.

Christoph Igelbrink: You have a huge repertory but many people still see you as a Rachmaninov specialist. Does that disturb you or are you proud of it?

크리스토프 이겔브링크 : 당신은 엄청난 레퍼토리를 보유하고 있지만, 많은 사람이 여전히 당신을 라흐마니노프 스페셜리스트로 보고 있는데요. 그게 당신을 방해하나요, 아니면 자랑스럽나요?

Nikolai Lugansky: Probably more proud. It doesn’t disturb me. Of course, what people read in their programmes is only a small part of a musician’s life. When I was still very young in Russia, I was more closely associated with Viennese Classicism, with Mozart and Beethoven. I play a lot of Rachmaninov, I’ve loved his music for a long time and I’m always very happy and proud to play Rachmaninov. But I have more than 50 concertos in my repertory. I play them all: Beethoven, Schumann, Grieg, Chopin, Brahms – lots of different music.

니콜라이 루간스키 : 어쩌면 더 자랑스러울 것입니다. 그게 저를 방해하진 않아요. 물론 사람들이 프로그램에서 읽는 것은 음악가의 삶의 작은 부분에 불과합니다. 제가 러시아에서 아직 아주 어렸을 때, 저는 모차르트, 베토벤과 함께 빈 고전주의와 더 밀접하게 연관되어 있었어요. 저는 라흐마니노프를 많이 연주하고 오랫동안 그의 음악을 사랑해 왔으며 항상 라흐마니노프를 연주하는 것이 매우 행복하고 자랑스러워요. 하지만 제 레퍼토리에는 50개 이상의 협주곡이 있는데요. 베토벤, 슈만, 그리그, 쇼팽, 브람스 등 모두 다양하게 연주해요.

Christoph Igelbrink: For your debut with us you’ve chosen a piece by Rachmaninov: the Rhapsody on a Theme of Paganini.

크리스토프 이겔브링크 : 우리와의 데뷔를 위해 당신은 라흐마니노프의 작품인 <파가니니 주제에 의한 랩소디>를 선택했습니다.

Nikolai Lugansky: Yes, it was the orchestra’s suggestion. And it was delighted to accept it. It’s a fantastic piece. Actually I don’t find it entirely typical of Rachmaninov. In my view Rachmaninov is perhaps one of the most Russian composers. Melodically speaking, he was influenced not just by Russian folk music but also by the sacred music of the 16th to 18th centuries. This influence runs much deeper than with Tchaikovsky and Rimsky-Korsakov. But in this piece this influence is rather less apparent. It’s really a brilliant concert piece. Rachmaninov was influenced here above all by American culture, not in a thematic sense, but in terms of American concert life. His previous concerto, his Fourth, is very tragic, nostalgic and very Russian. That’s why it isn’t so popular. I think that what he had in mind was to write something different from his Fourth or even his Third. It had to create an incredibly fantastic impression during the concert.

니콜라이 루간스키 : 네, 오케스트라의 제안이었어요. 그리고 기쁘게 받아들였죠. 환상적인 곡입니다. 사실 저는 이 곡이 라흐마니노프의 전형적인 특징이라고 생각하지 않는데요. 제가 보기에 라흐마니노프는 아마도 가장 러시아적인 작곡가 중 한 명일 것입니다. 선율적으로 말하면, 그는 러시아 민속 음악뿐만 아니라 16~18세기의 종교음악에서도 영향을 받았죠. 이 영향은 차이코프스키와 림스키-코르사코프보다 훨씬 더 깊어요. 그러나 이 작품에서는 이러한 영향이 다소 덜 분명한데요. 정말 멋진 연주회용 곡입니다. 라흐마니노프는 주제적 의미가 아니라 미국 콘서트 생활 측면에서 무엇보다도 미국 문화의 영향을 받았는데요. 그의 이전 협주곡 4번은 매우 비극적이고 향수를 불러일으키며 매우 러시아적입니다. 그래서인지 인기가 없죠. 그는 자신의 협주곡 4번이나 심지어 3번과는 다른 것을 쓰는 것을 염두에 두었던 것 같아요. 콘서트 내내 환상적인 인상을 심어줘야 했죠.

Christoph Igelbrink: There’s an interesting story about the piece. He himself wrote that the virtuoso who is embodied by the theme – in this case Paganini – has sold his soul to the devil in order to become a perfect virtuoso. How did you approach the piece and what do you find so fascinating about it? It quotes a lot from the Dies irae, from the Latin Mass for the Dead which is also quoted in his symphonies, his Symphonic Dances and in his First Piano Sonata.

크리스토프 이겔브링크 : 이 곡에 대한 흥미로운 이야기가 있는데요. 그는 주제에 의해 구현된 거장(이 경우 파가니니)이 완벽한 거장이 되기 위해 자신의 영혼을 악마에게 팔았다고 썼죠. 당신은 이 곡에 어떻게 접근했고 어떤 점이 그렇게 매력적이라고 생각하시나요? 이 곡은 그의 교향곡, 교향적 무곡, 피아노 소나타 1번에서도 인용되는 망자를 위한 라틴 미사인 <진노의 날>(디에스 이레)에서 많은 것을 인용합니다.

Nikolai Lugansky: This legend about selling his soul: I don’t know if it originated with Rachmaninov. The Russian choreographer Mikhail Fokine wanted to turn it into a ballet and Rachmaninov immediately agreed and said yes. Perhaps that was the origin of the legend that Paganini sold his soul. For Rachmaninov the Dies irae was for a long time a very important symbol, actually a typical symbol of death. Even with the young Rachmaninov the idea of a “memento mori” was already fairly...

니콜라이 루간스키 : 그의 영혼을 파는 이 전설이 라흐마니노프에서 유래했는지는 모르겠어요. 러시아 안무가 미하일 포킨은 그것을 발레로 바꾸고 싶었고 라흐마니노프는 즉시 동의하여 승낙했죠. 어쩌면 그게 파가니니가 자신의 영혼을 팔았다는 전설의 기원이었을 거예요. 라흐마니노프에게 <진노의 날>은 오랫동안 매우 중요한 상징, 실제로는 전형적인 죽음의 상징이었죠. 심지어는 젊은 라흐마니노프와 함께 “메멘토 모리”(죽음의 상징)에 대한 아이디어는 이미 꽤...

Christoph Igelbrink: He often includes these bells, death knells, as it were.

크리스토프 이겔브링크 : 그는 종종 이러한 종소리, 죽음의 종소리(종말을 알리는 전조)를 그대로 포함합니다.

Nikolai Lugansky: Something otherworldly and lyrical, very warm. In contrast the Dies irae has something inevitable about it, something that keeps on coming. Here you can almost say that there are variations on two themes: the theme from Paganini’s Caprice No. 24 and the Dies irae. At the end they come together, as is often the case with double variations. He himself once said in a letter that he was writing a piece that would become popular because of one variation. It’s the 18th variation, incredibly beautiful, lyrical music. It’s very rare, especially in the 20th century, for a composer to write something that’s an instant hit. You can smile or be sceptical, but it’s very rare. I think there are five or six pieces in the 20th century that were an immediate hit. And he was absolutely right: he really composed this music. Some things really burdened his soul: he had to express them, it was so painful. Here by contrast he really wrote a concert piece and it’s incredibly brilliantly done. And this 18th variation sounds just like an original theme by Rachmaninov.

니콜라이 루간스키 : 초자연적이고 서정적이며 매우 따뜻한 것입니다. 대조적으로 <진노의 날>은 그것에 대해 불가피한 것, 계속 오는 것을 가지고 있죠. 여기서 두 가지 주제(파가니니 카프리스 24번의 주제와 디에스 이레)에 대한 변주들이 있다고 거의 말할 수 있는데요. 마지막에는 두 가지 변주가 있는 경우가 종종 그렇듯이 함께 모입니다. 그 자신은 한 변주 때문에 인기를 끌 곡을 쓰고 있다고 편지에서 말한 적이 있습니다. 18번째 변주로, 놀랍도록 아름다운, 서정적인 음악입니다. 특히 20세기에 작곡가가 즉시 성공을 거두는 곡을 쓰는 것은 매우 드물거든요. 웃거나 회의적일 수도 있지만, 매우 드물어요. 20세기에 즉시 성공을 거둔 곡이 대여섯 곡 정도 있는 것 같아요. 그리고 그는 절대적으로 옳았는데, 그는 정말로 이 음악을 작곡했어요. 그의 영혼을 정말 무겁게 했던 몇 가지가 있었는데, 그는 그것들을 표현해야 했고, 너무 고통스러웠죠. 여기서 대조적으로 그는 실제로 연주회용 곡을 썼는데, 믿을 수 없을 정도로 훌륭하게 완성되었죠. 그리고 이 18번째 변주는 라흐마니노프의 오리지널 테마처럼 들립니다.

Christoph Igelbrink: It’s often been used, in film music, for example.

크리스토프 이겔브링크 : 예를 들어 영화 음악에서 자주 사용되었습니다.

Nikolai Lugansky: Yes, it’s played in isolation. I heard quite a comical version for violin and piano. There are lots of arrangements of it. But it’s only a variation on Paganini’s theme: It’s the inversion... It sounds very simple but not everyone who uses a famous theme is as successful as Rachmaninov.

니콜라이 루간스키 : 네, 따로 재생되죠. 바이올린과 피아노를 위한 꽤 재밌는 버전을 들었는데요. 편곡이 많거든요. 그러나 파가니니의 주제에 의한 변주일 뿐인데, 반전이죠... 매우 간단하게 들리지만, 유명한 주제를 사용하는 모든 사람이 라흐마니노프만큼 성공한 건 아닙니다.

Christoph Igelbrink: Do you have any other favourites among Rachmaninov’s works? You naturally play everything by him.

크리스토프 이겔브링크 : 라흐마니노프의 작품 중에서 좋아하는 다른 것들이 있나요? 당신은 자연스럽게 그의 모든 것을 연주합니다.

Nikolai Lugansky: I play almost all of his piano works, all the concertos, sonatas, variations...

니콜라이 루간스키 : 저는 그의 거의 모든 피아노 작품, 모든 협주곡, 소나타, 변주곡을 연주합니다...

Christoph Igelbrink: Most pianists used to find the Third Concerto unplayable, and you are said to have learnt it in three days. When your teacher Tatyana Nikolayeva placed it in front of you, you were able to play it to her after only three days.

크리스토프 이겔브링크 : 피아니스트 대부분이 협주곡 3번을 연주할 수 없다고 여기곤 했는데, 당신은 3일 만에 익혔다고 합니다. 당신의 선생님 타티아나 니콜라예바가 이 곡을 당신 앞에 놓았을 때, 당신은 불과 3일 후에 그녀 앞에서 연주할 수 있었습니다.

Nikolai Lugansky: Yes, I was 18 at the time. At that age you’re so well-behaved that you want to achieve such things. Today it would perhaps be harder for me and perhaps also less interesting. But in that situation I was very, very proud to be able to play it from memory after only three days. For me and for many pianists the Third Concerto is of course our favourite or one of our favourites. But there’s “The Bells”, incredible music! “The Isle of the Dead”...

니콜라이 루간스키 : 네, 그때 저는 18세였죠. 그 나이에는 그런 것들을 이루고 싶을 정도로 되게 얌전하죠. 오늘날에는 어쩌면 제게 더 어려우면서도 덜 흥미로울 거예요. 하지만 그 상황에서 저는 단 3일 만에 암보하여 연주할 수 있다는 게 매우 매우 자랑스러웠죠. 저와 많은 피아니스트에게 협주곡 3번은 물론 우리가 가장 좋아하거나 좋아하는 것 중 하나입니다. 하지만 놀라운 음악인 <종>이 있어요! <죽음의 섬>은...

Christoph Igelbrink: Responses to Rachmaninov have changed a lot, even here in Germany. In the past many of his works tended to excite mild derision. People knew the Prélude in C sharp minor and perhaps the Second Piano Concerto. Nowadays even our own orchestra plays a lot of Rachmaninov.

크리스토프 이겔브링크 : 라흐마니노프에 대한 반응은 여기 독일에서도 많이 바뀌었습니다. 과거에 그의 많은 작품은 가벼운 조롱을 불러일으키는 경향이 있었거든요. 사람들은 전주곡 <모스크바의 종>과 아마도 피아노 협주곡 2번을 알고 있죠. 요즘에는 우리 오케스트라도 라흐마니노프를 많이 연주합니다.

Nikolai Lugansky: I’m very pleased to hear that. Ten or fifteen years ago I too noticed this scepticism towards Rachmaninov. It’s changed a lot. “The Bell” and the Third Symphony are wonderful works.

니콜라이 루간스키 : 그 말을 들으니 매우 기쁩니다. 10년 전이나 15년 전에 저 역시 라흐마니노프에 대한 이러한 회의론에 주목했는데요. 많이 바뀌었어요. <종>과 교향곡 3번은 훌륭한 작품입니다.

Christoph Igelbrink: Or take the Symphonic Dances that we played not long ago.

크리스토프 이겔브링크 : 또는 얼마 전에 우리가 연주했던 <교향적 무곡>을 살펴봅시다.

Nikolai Lugansky: It’s a very dark work.

니콜라이 루간스키 : 매우 어두운 작품이죠.

Christoph Igelbrink: Fantastic music.

크리스토프 이겔브링크 : 환상적인 음악입니다.

Nikolai Lugansky: The Third Symphony is brighter and filled with nostalgia. I like Rachmaninov. One can talk a lot about him. I can understand the reservations about him in Germany. German musical culture can’t be compared to that in other countries. Here you can concentrate on German music and not feel short-changed. It’s completely different in England or the USA. English and American music is wonderful but you can’t compare it with German culture. These countries opened their borders to foreign cultures from an early date: to Spanish, French and Russian music. In Germany this came somewhat later. But I’m very pleased that things have now changed and that the Berliner Philharmoniker now play Rachmaninov so wonderfully.

니콜라이 루간스키 : 교향곡 3번은 더 밝고 향수로 가득 차 있습니다. 저는 라흐마니노프를 좋아해요. 그에 대해 많은 이야기를 할 수 있죠. 독일에서 그에 대한 의구심을 이해할 수 있습니다. 독일의 음악 문화는 다른 나라들의 음악 문화와 비교할 수 없습니다. 여기서 당신은 독일 음악에 집중할 수 있고 짧은 변화를 느끼지 않을 수도 있죠. 영국이나 미국에서는 완전히 달라요. 영국과 미국의 음악은 훌륭하지만, 독일 문화와 비교할 수는 없는데요. 이 국가들은 일찍부터 외국 문화(스페인, 프랑스, 러시아 음악)에 국경을 개방했죠. 독일에서는 이것이 다소 나중에 나왔고요. 하지만 이제 상황이 바뀌었고 베를린 필하모닉 오케스트라가 라흐마니노프를 아주 훌륭하게 연주하게 되어 매우 기쁩니다.

Christoph Igelbrink: As a pupil of Tatyana Nikolayeva you are part of the great Russian tradition from Anton Rubinstein via Rachmaninov, Horowitz, Gilels and Sviatoslav Richter to present-day musicians like Volodos and yourself. Do you regard this as a burden? Or are you proud to be part of this great tradition? Does it even inspire you?

크리스토프 이겔브링크 : 타티아나 니콜라예바의 제자로서 당신은 안톤 루빈스타인에서 라흐마니노프, 호로비츠, 길렐스, 스비아토슬라프 리히터를 거쳐 볼로도스 같은 현대 음악가들에 이르기까지 위대한 러시아 전통의 일부입니다. 이것을 부담으로 여기시나요? 아니면 이 위대한 전통의 일부가 된 것을 자랑스럽게 생각하시나요? 당신에게 영감을 주기도 하나요?

Nikolai Lugansky: It’s hard to say since I myself don’t really feel it all that strongly. The question as to the Russian school crops up whenever I’m abroad. In Russia no one talks or asks about it. But of course we can talk about it. I should add that my principal teacher, Tatyana Nikolayeva, was a pupil of Alexander Goldenweiser, a great pianist and teacher. He was arguably the oldest Russian musician who didn’t leave Russia after the October Revolution. As a young man he was friendly with Rachmaninov. They often performed together, including the Second Suite for two pianos. They were the first to perform this piece together. For Goldenweiser this was a great honour. But Rachmaninov was one of the first Russian aristocrats to leave Russia in 1917. To a certain extent I am of course a product of the Russian school. If you were to ask what constitutes this Russian school, I could make some mystifying remark about the Russian soul and so on. But the main thing is that after the 1930s there was a professional musical education for children aged seven and older. Essentially this was a suggestion by Alexander Goldenweiser. There was not only to be the Moscow Conservatory but a central school of music where you’d previously studied for 11 years and where every subject was taught: languages, arithmetic, geography, history and everything related to music – it was simply incredible.

니콜라이 루간스키 : 저 자신이 그다지 강하게 느끼지 못하기 때문에 말하기 어려워요. 러시안 스쿨에 관한 질문은 제가 해외에 있을 때마다 불쑥 들어오는데요. 러시아에서는 아무도 그것에 대해 말하거나 묻지 않거든요. 그러나 물론 우리는 그것에 관해 이야기할 수 있어요. 저의 전임 교사인 타티아나 니콜라예바는 위대한 피아니스트이자 교육자인 알렉산더 골덴바이저의 제자였어요. 그는 틀림없이 10월 혁명(1917년 10월 25일 일어난 볼셰비키 혁명) 이후 러시아를 떠나지 않은 가장 나이 많은 러시아 음악가였죠. 젊었을 때 그는 라흐마니노프와 친했어요. 그들은 2대의 피아노를 위한 모음곡 2번을 포함하여 자주 협연했죠. 그들은 이 곡을 처음으로 협연했는데요. 골덴바이저에게 이것은 큰 영광이었죠. 그러나 라흐마니노프는 1917년에 러시아를 떠난 최초의 러시아 귀족 중 한 명이었죠. 어느 정도 저는 물론 러시안 스쿨의 산물입니다. 이 러시안 스쿨을 구성하는 것이 무엇인지 묻는다면, 저는 러시아인의 영혼 등에 대해 어리둥절한 발언을 할 수도 있어요. 그러나 중요한 것은 1930년대 이후 7세 이상의 아이들을 위한 전문적인 음악 교육이 있었다는 것입니다. 본질적으로 이것은 알렉산더 골덴바이저의 제안이었어요. 모스크바 음악원뿐만 아니라 이전에 11년 동안 공부하고 언어, 산술, 지리, 역사, 음악과 관련된 모든 과목을 배웠던 중앙음악학교가 있었는데, 정말 대단했죠.

Christoph Igelbrink: A very broadly-based education.

크리스토프 이겔브링크 : 매우 광범위한 교육이었군요.

Nikolai Lugansky: But you need only an extra hour each day. That’s much more convenient for families, and like everything in the USSR these lessons were free. Fortunately this system has been retained. With minor exceptions: foreigners have to pay.

니콜라이 루간스키 : 그러나 매일 한 시간만 더 있으면 됩니다. 그것은 가족에게 훨씬 더 편리하며, 소련의 모든 것과 마찬가지로 이러한 수업들은 무료였죠. 다행히도 이 체계는 유지되었어요. 약간의 예외를 제외하고요. 외국인들은 비용을 내야 하거든요.

Christoph Igelbrink: Which works did you learn as a child? Here we generally begin on the piano with sonatinas by Kuhlau. Or Clementi, Diabelli, Mozart...

크리스토프 이겔브링크 : 어렸을 때 어떤 작품들을 배웠나요? 여기서 우리는 일반적으로 쿨라우의 피아노 소나티나로 시작합니다. 또는 클레멘티, 디아벨리, 모차르트...

Nikolai Lugansky: It was the same with us. Naturally Bach’s two-part Inventions, then the three-part Sinfonias. Löschhorn, Clementi... It’s an entirely classical and very serious training. You start by playing a lot of Bach – or at least you try to. And, of course, you play Haydn, Mozart...

니콜라이 루간스키 : 우리도 마찬가지였어요. 당연히 바흐의 2성부 인벤션, 3성부 신포니아, 뢰쉬호른, 클레멘티... 완전히 고전적이면서도 매우 진지한 훈련이죠. 바흐를 많이 연주하거나 최소한 그렇게 하려고 하죠. 그리고 물론 하이든, 모차르트를 연주하죠...

Christoph Igelbrink: To which composer do you feel most drawn today apart from the great Russian musical tradition? Do you feel more at home with the Romantics like Schumann?

크리스토프 이겔브링크 : 위대한 러시아 음악 전통을 제외하고 오늘날 가장 끌리는 작곡가는 누구인가요? 슈만과 같은 낭만주의자들과 함께하면 더 편안함을 느끼나요?

Nikolai Lugansky: I really can’t divide them up into “Romantic” or “Classical”. Every great genius creates a world of his own. My latest recording is devoted to a composer whose music I’d previously played very little: Franz Schubert. This too begs the question: is this Romantic or Classical? It’s just Schubert, his world. Of course there’s a connection to Mozart.

니콜라이 루간스키 : 저는 그들을 “고전주의자”와 “낭만주의자”로 나눌 수 없어요. 모든 위대한 천재는 자신만의 세계를 창조합니다. 저의 최근 녹음은 제가 이전에 거의 연주하지 않았던 음악을 작곡한 프란츠 슈베르트에 바쳐진 것입니다. 이것 역시 질문을 던집니다. 이것은 낭만주의인가 아니면 고전주의인가? 그의 세계인 슈베르트뿐입니다. 물론 모차르트와 관련이 있죠.

Christoph Igelbrink: With Schubert the boundaries are a little vague.

크리스토프 이겔브링크 : 슈베르트의 경우 경계가 약간 모호합니다.

Nikolai Lugansky: Yes, because there’s also a connection to Bruckner. Schubert’s music points far into the future. I wouldn’t care to speak of “Romantic” or “Classical” music here. There are a couple of composers to whom I feel particularly drawn. I’ve played a lot of music by some of them, Chopin for example. Until now I’ve played much less Schubert but I feel a great affinity with his music.

니콜라이 루간스키 : 네, 브루크너와도 관련이 있기 때문이죠. 슈베르트의 음악은 먼 미래를 가리키고 있어요. 여기서는 “낭만주의”나 “고전주의” 음악에 관해 이야기하고 싶지 않아요. 제가 특히 끌리는 작곡가가 몇 명 있는데요. 예를 들어 그들 중에서 쇼팽을 많이 연주했죠. 지금까지 저는 슈베르트를 훨씬 적게 연주했지만, 그의 음악에 큰 애착을 느낍니다.

Christoph Igelbrink: I’m most grateful to you for such an enlightening conversation. And I hope we’ll see you again soon.

크리스토프 이겔브링크 : 그런 이해에 매우 도움이 되는 대화에 관해 대단히 감사합니다. 그리고 곧 다시 만나기를 바랍니다.

Nikolai Lugansky: I hope so too. Thank you.

니콜라이 루간스키 : 저도 그러길 바랍니다. 감사합니다.

2016년 10월 15일 베를린 필하모니 콘서트

Nikolai Lugansky, piano / 니콜라이 루간스키, 피아노

Berliner Philharmoniker / 베를린 필하모닉 오케스트라

Tugan Sokhiev, conductor / 투간 소히에프 지휘

Russian music should be melancholy and voluminous – or at least that’s the cliché. Tugan Sokhiev, Music Director of the Bolshoi Theatre, provides proof of the contrary. Rimsky-Korsakov’s Scheherazade develops oriental magic and impressionist richness of colour, while a tongue in cheek charm repeatedly shines through in Rachmaninov’s Paganini Rhapsody, regardless of its tremendous virtuosity. Nikolai Lugansky debuts as piano soloist with the Berliner Philharmoniker.

러시아 음악이 멜랑콜리하고 묵직해야 한다는 건 상투적인 표현일 수 있다. 볼쇼이 극장의 음악 감독 투간 소히에프는 여기서 그 반대 증거를 제시한다. 림스키-코르사코프의 <셰헤라자데>가 동양적 마법과 인상주의적인 화려한 색채를 펼친다면, 라흐마니노프의 <파가니니 랩소디>는 엄청난 기교에도 불구하고 언제나 눈부실 정도의 매력으로 넘쳐난다. 피아노 협연은 필하모니에 데뷔하는 니콜라이 루간스키다.

Program

Franck: Le Chasseur maudit / 프랑크 <저주받은 사냥꾼>

Rachmaninov Rhapsody on a Theme of Paganini in a, Op. 43 / 라흐마니노프 <파가니니의 주제에 의한 랩소디>

Introduction. Allegro vivace - Variation I (Precedente)

Tema. L'istesso tempo

Variation II. L'istesso tempo

Variation III. L'istesso tempo

Variation IV. Più vivo

Variation V. Tempo precedente

Variation VI. L'istesso tempo

Variation VII. Meno mosso, a tempo moderato

Variation VIII. Tempo I

Variation IX. L'istesso tempo

Variation X. L'istesso tempo

Variation XI. Moderato

Variation XII. Tempo di minuetto

Variation XIII. Allegro

Variation XIV. L'istesso tempo

Variation XV. Più vivo scherzando

Variation XVI. Allegretto

Variation XVII. Allegretto

Variation XVIII. Andante cantabile

Variation XIV. L'istesso tempo

Variation XX. Un poco più vivo

Variation XXI. Un poco più vivo

Variation XXII. Un poco più vivo (Alla breve)

Variation XXIII. L'istesso tempo

Variation XXIV. A tempo un poco meno mosso

Medtner Canzona Serenata, Op. 38 No. 6 (encore) / 메트너 <밤의 노래>

Intermission

Rimsky-Korsakov Scheherazade, symphonic suite, Op. 35 / 림스키-코르사코프 모음곡 <셰헤라자데>

I. The Sea and Sinbad's Ship / 바다와 신드바드의 배

II. The Kalendar Prince / 칼렌다르 왕자 이야기

III. The Young Prince and The Young Princess / 젊은 왕자와 공주

IV. Festival at Baghdad - The Sea - The Ship Breaks against a Cliff Surmounted by a Bronze Horseman / 바그다드의 축제 - 바다 - 난파당하는 배 (청동 기마병으로 가득한 절벽에 부딪힌 배)