Inside a Rehearsal with Daniil Trifonov & Sergei Babayan (28 June 2024)

https://www.youtube.com/watch?v=LNUjvS90Zao&t=33s

Meet Daniil Trifonov and Sergei Babayan behind the scenes in rehearsal for a two-piano concert at Aspen Music Festival and School during its 75th Anniversary Season.

아스펜 음악제 75주년 기념 2대의 피아노를 위한 콘서트 리허설 속으로

Harris Concert Hall, Aspen, Colorado / 2024년 6월 28일 콜로라도주 아스펜 해리스 콘서트홀

Sergei Babayan: [That’s a “professorly” tempo. No, this doesn’t sound light or joyful. That’s very boring.]

세르게이 바바얀 : [그건 “교수님 같은” 템포야. 아니, 이건 가볍거나 즐거운 소리가 아니야. 매우 지루하지.]

Daniil Trifonov: [I haven’t had breakfast.]

다닐 트리포노프 : [아직 아침을 안 먹어서요.]

[Rachmaninoff Suite No. 2 for 2 Pianos, Op. 17: II. Valse]

[라흐마니노프 2대의 피아노를 위한 모음곡 2번 2악장 왈츠]

Daniil Trifonov: When I first arrived to study with Sergei, I tried to understand as much as I could but of course it always takes a little bit of time and that’s when, I would say, certain things became even more clear to me.

다닐 트리포노프 : 제가 처음 세르게이와 함께 공부하게 되었을 때, 가능한 한 많이 이해하려고 노력했지만 물론 항상 약간의 시간이 걸렸고, 그때야 ​​어떤 것들이 더욱 명확해졌다고 말씀드렸습니다.

Sergei Babayan: [This is my first solo moment, let me play.]

세르게이 바바얀 : [이건 내가 처음으로 연주하는 독주 파트니까, 내 연주가 드러나도록 할게.]

Daniil Trifonov: There always will be some ideas that come to fruition some years later, and not immediately. But I would say that when I first arrived I tried to understand as much as I could from the beginning.

다닐 트리포노프 : 몇 년 후에 실현되는 아이디어가 항상 있을 것이고, 즉시 실현되는 것은 아니지만, 제가 처음 도착했을 때 처음부터 가능한 한 많이 이해하려고 노력했다고 말하고 싶어요.

Sergei Babayan: I taught many very gifted pupils. Not one of them were so quick as he was. I told my wife, in two weeks he took more from me than some people who study for five years. So he’s right that he says he immediately begins to understand very quickly. When you teach, also, you realize how patient they were. Because you understand that these things cannot be done quickly. For instance I could not understand why my teacher was so obsessed with the Russian word “Prointonirovanniy zvuk”. A sound which is... intonation. “Intonated sound” if I tried to literally translate from Russian. So I did not understand, why is it that important? And now I know that it is the most important thing.

세르게이 바바얀 : 저는 매우 재능 있는 학생들을 많이 가르쳤는데요. 그중 다닐보다 빨랐던 학생은 한 명도 없었어요. 아내에게 말했는데, 그는 2주 만에 5년 동안 공부한 몇몇 사람들보다 더 많은 것을 저에게서 배웠죠. 그래서 그는 즉시 매우 빨리 이해하기 시작했다고 말할 수 있죠. 가르칠 때도 그들이 얼마나 많이 인내했는지 깨닫게 됩니다. 이런 것들은 빨리 될 수 없다는 것을 알게 되니까요. 예를 들어 저는 제 스승님이 러시아 단어 “프로인토니로반니 즈부크”에 왜 그리도 집착했는지 이해하지 못했는데요. 인토네이션(노래나 연주 시 의도한 음정에 정확히 도달했는지 여부)인... 소리입니다. 러시아어에서 문자 그대로 번역하려고 시도한다면 “억양이 있는 소리”입니다. 그래서 그게 왜 그리도 중요한지 이해하지 못했어요. 그리고 이제는 가장 중요한 것임을 압니다.

[Schumann/Babayan: Andante & Variations, Op. 46]

[슈만 <안단테와 변주곡> (바바얀 편곡)]

Daniil Trifonov: [This is like [Schumann] Kreisleriana.]

다닐 트리포노프 : [이 곡은 [슈만] 크라이슬레리아나 같아요.]

Sergei Babayan: [The bass notes sound a bit too heavy. I have tops, and you sound continue with tops too. In this tempo it is easier to play one connected, single line. It’s harder to play it slower. One more time.] Intonation, the way we speak to each other when we say something, we can say the same word with different intonation.

세르게이 바바얀 : [베이스 음이 좀 너무 무겁게 들려. 나는 고음부를 내고 있고, 너는 고음부를 계속 치는 것처럼 들려. 이 템포에서는 연결된 단선율을 연주하는 게 더 쉽거든. 더 느리게 연주하는 건 더 어려워. 한 번 더.] 인토네이션, 우리가 뭔가를 말할 때 서로에게 말하는 방식으로, 우리는 같은 단어를 다른 음정으로 말할 수 있습니다.

Daniil Trifonov: How one sound goes to another, in a relationship between one to another, and...

다닐 트리포노프 : 하나의 소리가 다른 소리로 전달되는 방식, 소리와 소리 사이의 관계, 그리고...

Sergei Babayan: But also “intonation” means a certain light and warmth and sound...

세르게이 바바얀 : “인토네이션”도 특정한 빛, 따뜻함, 소리를 의미하지...

Daniil Trifonov: Yeah, but if it’s only one note, it wouldn’t be considered enough for “intonation”.

다닐 트리포노프 : 예, 하지만 음이 하나뿐이라면 “인토네이션”으로 간주하기에는 충분하지 않을 거예요.

Sergei Babayan: It could be.

세르게이 바바얀 : 그럴 리가.

Daniil Trifonov: But usually it’s part of a phrase.

다닐 트리포노프 : 하지만 대개 프레이즈의 일부죠.

Sergei Babayan: Yes, of course.

세르게이 바바얀 : 어, 맞아.

Daniil Trifonov: It will be more of a gesture, almost like a... expressive gesture.

다닐 트리포노프 : 마치... 표현을 나타내는 몸짓 같은, 더 많은 제스처가 될 거예요.

Sergei Babayan: In the same time, we could take separate sound and say that sound is with intonation, or without. [Fine?]

세르게이 바바얀 : 동시에, 우리는 별도의 소리를 취하고 그 소리는 인토네이션이 있거나 없다고 말할 수 있어. [좋아?]

Daniil Trifonov: [Yes.] (playing Schumann Kreisleriana)

다닐 트리포노프 : [네.] (슈만 크라이슬레리아나 연주)

Sergei Babayan: [I think the storytelling will be at the forefront if we don’t play it too slowly.] I think I found my teachers (e.g. Lev Naumov) because I fell in love with the way they express themselves, the language they used. There was no need to talk about technical things, because if someone says, “this is a singing ray in the fog” when you hear that sound your hands immediately becomes that fog in the left hand and that singing ray in the right hand. And some other teacher would say, “Play the left hand piano, and right hand a little bit more sound.” That’s very boring and that would not inspire me at all.

세르게이 바바얀 : [우리가 너무 느리게 연주하지 않는다면 스토리텔링이 중심에 있을 거야.] 제 스승님들(예를 들어 레프 나우모프)을 만난 이유는 그분들이 자신을 표현하는 방식, 사용했던 언어에 반했기 때문인 것 같아요. 기술적인 것에 관해 말할 필요가 없었는데, 누군가가 “이것은 안개 속에서 노래하는 광선”이라고 말한다면, 그 소리를 들을 때 양손은 즉시 왼손의 안개와 오른손의 노래하는 광선이 되거든요. 그리고 다른 선생님은 “왼손은 피아노로(여리게) 연주하고 오른손은 조금 더 소리를 내라.”고 말씀하셨죠. 되게 지루하고 제게 전혀 영감을 주지 못할 것입니다.

Ben Laude: Daniil, do you remember this from your lesson days with Sergei?

벤 로드 : 다닐, 세르게이의 레슨을 받던 시절에 이런 일이 있었던 걸 기억하시나요?

Daniil Trifonov: Yes, of course, very much so.

다닐 트리포노프 : 네, 물론, 아주 많이요.

Ben Laude: Any particular images that he stuck in your mind?

벤 로드 : 그가 당신의 기억 속에 떠올린 특별한 이미지가 있나요?

Daniil Trifonov: Kind of outside of the actual direct implication of what you’re going to do, but still it’s very specific. Like, this melody should sound “wounded”. To play “wounded”. Chopin...

다닐 트리포노프 : 실제로 무엇을 할 것인지에 대한 직접적인 의미에서 벗어나 있지만, 그래도 매우 구체적인데요. 예를 들면, 이 멜로디는 “상처받은” 것처럼 들려야 하는데요. “상처받은” 것처럼 연주하려면. 쇼팽...

[Chopin Piano Concerto No. 1 in e, Op. 11: I. Allegro maestoso]

[쇼팽 피아노 협주곡 1번 1악장]

Sergei Babayan: With Daniil I felt, right away, Chopin. I felt that he breathes it. There are some things which I wanted him to deepen. Bach, J.S. Bach was there. You cannot instill Bach if it’s not there. It has to be there, natural. And then I thought, he should prepare for that competition and I gave him lots of Chopin because from the beginning when we get to know a student, it’s good material to teach many things. And then he himself calls me, he said one day, “Can I prepare for Chopin?” I said, “We have only one year, do you think you can?” But I did not know his speed. Now I know at the time that he could do, in one year, that entire repertoire was new, except we used a couple pieces from the old books. Scherzo No. 3, and...

세르게이 바바얀 : 저는 다닐의 연주에서 쇼팽을 바로 느꼈어요. 그가 쇼팽을 숨 쉬게 하는 것 같았어요. 그가 더 깊게 하길 바랐던 게 몇 가지 있는데요. 바흐, 요한 제바스티안 바흐가 해당하죠. 거기에 없다면 바흐를 주입할 수 없거든요. 자연스럽게 있어야 합니다. 그러고 나서 다닐이 그 대회를 준비해야 한다고 생각했고 쇼팽의 작품들을 많이 접하도록 했는데, 처음부터 학생을 이해하게 되면 많은 것을 가르치기에 좋은 대상이 되거든요. 그러던 어느 날 그가 직접 제게 전화를 걸어 “제가 쇼팽을 준비할 수 있을까요?”라고 물었어요. 저는 “1년밖에 없는데, 할 수 있을 것 같니?”라고 물었죠. 하지만 당시에는 그가 익히는 속도를(그가 얼마나 빨리 습득하는지) 몰랐죠. 지금은 우리가 오래된 악보들에서 몇 곡을 오랫동안 공부한 것을 제외하면, 그가 1년 만에 그 모든 레퍼토리를 새로 익힐 수 있다는 걸 알죠. 스케르초 3번, 그리고...

Daniil Trifonov: No, Scherzo No. 3 was new, and No. 4. I’d played 1 and 2, and I learned 3 and 4 for the competition.

다닐 트리포노프 : 아니, 스케르초 3번이 새로 배운 것이고, 4번이요. 1번과 2번을 연주했고 콩쿠르를 위해 3번과 4번을 배웠죠.

[Chopin Scherzo No. 4 in E, Op. 54]

[쇼팽 스케르초 4번]

Daniil Trifonov: The only things I think were... Etude No. 4. That was one I played before. And Andante spianato I played.

다닐 트리포노프 : 제가 생각하는 유일한 것들은... 에튀드 4번. 그건 제가 연주했던 거예요. 그리고 안단테 스피아나토(와 화려한 대 폴로네즈)를 연주했죠.

Sergei Babayan: But you did not play Etude No. 4 for the competition, you played No. 8.

세르게이 바바얀 : 하지만 넌 콩쿠르에서 4번을 연주하지 않고 8번을 연주했지.

[Chopin Etude in F, Op. 10 No. 8]

[쇼팽 연습곡 8번]

Ben Laude: Would you say Daniil inhales new repertoire?

벤 로드 : 다닐이 새로운 레퍼토리를 흡수한다고 말할 수 있겠군요?

Sergei Babayan: I don’t know how it’s possible. Art of Fugue...

세르게이 바바얀 : 어떻게 가능한지 모르겠어요. 푸가의 기법...

Daniil Trifonov: That took a very long time...

다닐 트리포노프 : 정말 오랜 시간이 걸렸어요...

[Bach: The Art of Fugue, BWV 1080 - Contrapunctus 9 della Duodecima]

[바흐 <푸가의 기법> 중 콘트라풍투스 9]

Ben Laude: Can you compare Art of Fugue maybe to the Rachmaninoff Concertos in terms of memory...

벤 로드 : 기억하는 시간적 범위에서 <푸가의 기법>을 라흐마니노프 협주곡들과 비교할 수 있을까요?

Daniil Trifonov: No... the Art of Fugue was the most time-consuming thing I ever did, just also because its polyphony in general is very complex, and it’s not just... the entire time it’s polyphony, nonstop, and very complex, so in that sense I would say anything else that I’ve played by any other composer would be not even remotely as complicated. It’s also the amount of concentration for your brain...

다닐 트리포노프 : 아뇨... 푸가의 기법은 제가 해본 것 중 가장 많은 시간이 드는 작품이었어요. 폴리포니(다성음악)도 전반적으로 매우 복잡하고, 그저... 내내 다성음악이고, 끊이지 않고, 매우 복잡해서, 그런 의미에서 다른 작곡가의 그 어떤 것도 이렇게 복잡하지 않다고 말하고 싶어요. 뇌의 집중을 많이 요구하기도...

Sergei Babayan: You don’t have preludes, it’s fugues. All the time, fugues. And plus, it’s all in D minor. I don’t know how... I would probably jump from one fugue to another, and it’s possible, yes?

세르게이 바바얀 : 전주곡은 없고 푸가뿐이야. 항상 푸가. 게다가 전부 d단조. 어떻게 해야 할지 모르겠군... 아마도 한 푸가에서 다른 푸가로 넘어갈 거야, 그렇지?

[Bach: The Art of Fugue, BWV 1080 - Contrapunctus 1]

[바흐 <푸가의 기법> 중 콘트라풍투스 1]

Daniil Trifonov: There was... when I was playing at the beginning, there were actually a couple tricky places where it’s easy to go from one fugue to another.

다닐 트리포노프 : 처음 연주할 때는... 실제로 한 푸가에서 다른 푸가로 쉽게 넘어갈 수 있는 까다로운 부분이 몇 군데 있었죠.

Sergei Babayan: Because it’s all in D minor...

세르게이 바바얀 : 모두 d단조라서...

Daniil Trifonov: Sometimes some of the modulations, they are not too different, so it’s actually it’s good to know those dangerous places.

다닐 트리포노프 : 가끔 변조 중 일부는 크게 다르지 않으므로, 실제로 위험한 부분들을 아는 게 좋아요.

[Bach: The Art of Fugue, BWV 1080 - Contrapunctus 12, finished by Trifonov]

[바흐 <푸가의 기법> 중 콘트라풍투스 14 (트리포노프 완성)]

Sergei Babayan: With Vera (Gornostayeva), she had this philosophy which was very important in Bach. I played one voice very expressively, and other ones not so... I didn’t pay attention. And she told me that, just like in Christianity every human being is equal in front of God. You are just important... because this has few notes, it’s more harmonic, but it’s polyphonically still so important every voice has to be personalized. And also with Mozart, too. Things she would show with the left hand. The way she would show it was so speaking. [Bass is a bit rough here, there’s too much of them.]

세르게이 바바얀 : 베라 고르노스타예바 스승님을 예로 들면, 그녀는 바흐에서 매우 중요했던 철학을 가지고 있었습니다. 저는 한 성부를 매우 표현력 있게 연주했고, 다른 성부들은 그렇지 않아서... 주의를 기울이지 않았거든요. 그리고 그녀는 기독교에서와 마찬가지로 모든 인간은 신 앞에서 평등하다고 말씀하셨죠. 이건 중요한데... 음들이 적고, 보다 화성적이지만, 다성음악적으로는 여전히 매우 중요하므로 모든 성부가 개별적이어야 합니다. 그리고 모차르트도 마찬가지인데요. 그녀가 왼손으로 보여줄 것들이었죠. 그녀가 보여주는 방식은 매우 강렬했어요. [여기서 베이스는 약간 거칠고, 그런 게 너무 많아.]

[Mozart Sonata for 2 Pianos in D, K. 448: I. Allegro con spirito]

[모차르트 2대의 피아노를 위한 소나타 1악장]

Sergei Babayan: You know, Russian school has this reputation of many like Rachmaninoff and Liszt... but it’s not true. I experienced the way they felt and understood Bach and Mozart. It is, for me, very special. I felt that they know no less than any of those who were born in Western countries. No less, for sure, if not more in some way.

세르게이 바바얀 : 아시다시피 러시안 스쿨은 라흐마니노프와 리스트처럼 많은 사람으로부터 명성을 얻고 있지만... 사실이 아닙니다. 저는 그들이 바흐와 모차르트를 느끼고 이해하는 방식을 경험했습니다. 제게는 매우 특별하죠. 저는 그들이 서방 국가들에서 출생한 사람들보다 역시 더 안다고 느꼈는데요. 역시, 어떤 면에서는 더 많이 알고 있더라고요.

Daniil Trifonov: [I play them shorter.]

다닐 트리포노프 : [저는 좀 더 짧게 연주해요.]

Sergei Babayan: [Why do we have to play the same way? Some might like it longer with more pedal.]

세르게이 바바얀 : [왜 우리가 똑같은 방식으로 연주해야 할까? 어떤 사람들은 페달을 더 많이 밟고 더 오래 연주하는 것을 좋아할 수도 있거든.]

Daniil Trifonov: When I listen to Mozart and play Mozart, one thing that strikes me particularly is how quickly he changes characters. Some of it also maybe comes from his operas is that there are so many characters and I think in his piano repertoire you also have at least several different characters that you need to be able to switch in an instant.

다닐 트리포노프 : 모차르트를 듣고 모차르트를 연주할 때, 특히 인상 깊었던 것은 그가 캐릭터를 얼마나 빨리 바꾸는지입니다. 그중 일부는 그의 오페라에서 유래했을 수도 있는데, 캐릭터가 너무 많고 그의 피아노 레퍼토리에는 적어도 몇 개의 다른 캐릭터가 있어서 순식간에 바꿀 수 있어야 한다고 봐요.

Sergei Babayan: [You can get rid of the A A A in the left hand.] With Vera, she would not say “play lighter.” These kinds of words, it was not in her vocabulary.

세르게이 바바얀 : [너는 왼손의 A A A음(라라라)을 없앨 수 있어.] 베라와 함께했다면, “더 가볍게 연주해.”라고 말하지 않았을 거예요. 이런 종류의 단어는 그녀의 어휘에 없었거든요.

[Mozart Sonata for 2 Pianos in D, K. 448: III. Molto allegro]

[모차르트 2대의 피아노를 위한 소나타 3악장]

Ben Laude: If there ever was something physical, there was always an idea?

벤 로드 : 물리적인 것이 있다면, 항상 아이디어도 있지 않나요?

Sergei Babayan: No, even if it was physical. Let’s say it was a staccato, she would say, “imagine that you touch some hot burning coals...” White already. So hot that they’re white. They’re not red anymore. So that was a way to describe how to play staccato.

세르게이 바바얀 : 아뇨, 그게 물리적인 것이라도. 스타카토를 예로 들면, 그녀는 이렇게 말씀하시곤 했어요. “뜨겁게 타오르는 숯을 만진다고 상상하라...” 이미 하얗죠. 너무 뜨거워서 하얗죠. 더는 빨간색이 아니에요. 따라서 그게 스타카토 연주법을 설명하는 방식이었죠.

Daniil Trifonov: [It was good!]

다닐 트리포노프 : [좋았어요!]

Sergei Babayan: [Really? My fingers feel like cotton.]

세르게이 바바얀 : [정말? 내 손가락은 솜처럼 느껴지는데.]

Daniil Trifonov: It’s just in general using a lot of imaginative language that would be evoking something that is not exactly from music, but from something else.

다닐 트리포노프 : 음악에서 나온 게 아니라 그 밖의 다른 것에서 나온 무언가를 불러일으킬 수 있는, 상상력이 풍부한 언어를 많이 사용하는 게 일반적입니다.

[Rachmaninoff Suite No. 2 for 2 Pianos, Op. 5: I. Barcarolle]

[라흐마니노프 2대의 피아노를 위한 모음곡 1번 1악장 뱃노래]

Ben Laude: Do you feel like the kind of art that you’re trying to achieve has required an enormous amount of sacrifice in your life and if so, what? What has been sacrificed? What do you feel like you don’t get to do because you’ve dedicated your life to piano?

벤 로드 : 당신이 이루고자 하는 예술이 당신의 삶에서 엄청난 희생을 요구했다고 생각하시나요, 그렇다면 무엇을 희생했나요? 무엇이 희생되었나요? 피아노에 인생을 바쳤기 때문에 무엇을 취할 수 없다고 느끼시나요?

Sergei Babayan: I feel that sometimes, my life is passing by me. But I’m not complaining. Don’t think because it’s more interesting for me to spend time with a Schubert Sonata than with some people. I have to meet extraordinary people who compete with Schubert Sonatas or Bach Goldberg Variations, which I play so many times. Still, each time that I play, I prefer nights before to be focused, to be with that program, rather than have a good time or whatever.

세르게이 바바얀 : 가끔 제 인생이 저를 지나쳐 가는 것 같아요. 하지만 불평하는 건 아니에요. 슈베르트 소나타와 함께 시간을 보내는 게 몇몇 사람들과 함께 보내는 것보다 더 흥미롭다고 생각하지 마세요. 저는 슈베르트 소나타나 바흐 골드베르크 변주곡과 씨름하는 뛰어난 사람들을 만나야 하는데, 그 곡들을 여러 번 연주해요. 그래도 연주할 때마다 그 프로그램에 집중하고, 즐거운 시간을 보내는 것보다는 연주 전날 밤을 더 좋아해요.

Daniil Trifonov: Of course if there is a lot of material that I need to practice before a new program I have to play for the first time, I might practice up to eight hours a day for about two weeks. But that’s of course when I really have to prepare something urgently, and it really needs a lot of work. But in other moments I try to do other things as well, like especially here in Aspen, so...

다닐 트리포노프 : 물론, 처음으로 연주해야 하는 새로운 프로그램을 위해 연습해야 할 소재가 많으면 하루에 최대 8시간씩 2주 동안 연습할 수도 있습니다. 하지만 물론 정말 급하게 무언가를 준비해야 할 때이고, 정말 많은 작업이 필요할 때입니다. 하지만 다른 순간에는 특히 아스펜에서처럼 다른 것들을 하려고 노력합니다.

Ben Laude: Are you going hiking?

벤 로드 : 하이킹 가시나요?

Daniil Trifonov: Yeah I did a trail yesterday.

다닐 트리포노프 : 예, 어제 산책했어요.

Sergei Babayan: Of course it’s very important and also there are moments when we have to experience life itself and see things, so we don’t become dead inside. Daniil is right, when we learn a new program it’s one thing, and then when you already know a program very well, there are moments when you also have to life your life too.

세르게이 바바얀 : 물론 매우 중요하고 또한 우리가 삶 자체를 경험하고 사물을 보아야 하는 순간들이 있어요. 그래야 우리는 내면적으로 죽지 않을 수 있거든요. 다닐이 옳아요. 새로운 프로그램을 배우는 것은 하나의 일이지만, 이미 프로그램을 아주 잘 알고 있다면, 자신의 삶을 살아야 하는 순간들도 있거든요.

[Rachmaninoff Suite No. 2 for 2 Pianos, Op. 5: IV. Easter]

[라흐마니노프 2대의 피아노를 위한 모음곡 1번 4악장 부활절]

Daniil Trifonov’s 2010 Chopin Competition Program

Stage I

Etude in F, Op. 10 No. 8 / 연습곡 작품 10-8

Etude in g#, Op. 25 No. 6 / 연습곡 작품 25-6

Nocturne No. 17 in B, Op. 62 No. 1 / 녹턴 17번

Scherzo No. 4 in E, Op. 54 / 스케르초 4번

Stage II

Waltz No. 1 in Eb, Op. 18 / 왈츠 1번

Barcarolle in F#, Op. 60 / 뱃노래

3 Mazurkas, Op. 56 / 3개의 마주르카 작품 56

No. 1 in B

No. 2 in C

No. 3 in c

Scherzo No. 3 in c#, Op. 39 / 스케르초 3번

Andante spianato & Grand Polonaise in Eb, Op. 22 / 안단테 스피아나토와 화려한 대 폴로네즈

Stage III

Rondo à la Mazur in F, Op. 5 / 마주르 풍의 론도

Polonaise-Fantaisie in Ab, Op. 61 / 환상 폴로네즈

Impromptu No. 1 in Ab, Op. 29 / 즉흥곡 1번

Impromptu No. 2 in F#, Op. 36 / 즉흥곡 2번

Tarantella in Ab, Op. 43 / 타란텔라

Sonata No. 3 in b, Op. 58 / 소나타 3번

I. Allegro maestoso

II. Scherzo. Molto vivace

III. Largo

IV. Finale. Presto non tanto - Agitato

Final

Piano Concerto No. 1 in e, Op. 11 / 피아노 협주곡 1번

I. Allegro maestoso

II. Romance. Larghetto

III. Rondo. Vivace

유명한 바바얀 교수님한테 마스터클래스 레슨을 받는 것으로 생각하자는 마음에 유튜브 자막을 받아 적었다. 본래 한 번 보고 땡! 하려던 것이었다. 그랬더니 뜻밖에 2010 쇼팽 콩쿠르 준비 과정을 조금이나마 알게 되었고 트리포노프가 오랜만에 쇼팽을 몇 소절 치는 모습도 볼 수 있었다. 사실 다닐이 많은 레퍼토리를 보여주길 바라면서도 쇼팽은 언제 다시 칠까 갈망하기도 했다. 음반 공부를 해봤더니 인터뷰에서 작품을 의뢰하고 싶다면 어쩌면 쇼팽이라고 했다. 준비 기간이 그리 길진 않았던 모양이다. 사실 다닐도 알고 보면 2006 베이징 청소년 쇼팽 콩쿠르 3위 입상자 출신이기도 하다. 내가 다닐의 연주에서 좋아하는 것 중 하나는 야누스 같은 모습! 어쩔 땐 마냥 천사 같다가도 악마로 돌변하기도 하고... 푸힛! 자막을 보면서 버그는 바흐를 잘못 표기한 것 아닐까 생각해보기도 했다. 바흐를 벌레로 잘못 들었나? 결국 버그는 바흐로 정정했다. 쇼팽 이후에 바흐를 계속 언급하기도 했으니까. 쇼팽이 좋아했던 작곡가 중 한 명이 바흐이기도 해서 맥락상. 자막을 받아적으면서 난 어쩔 수 없는 러시안 피아노 스쿨의 팬이라는 것을 다시금 깨달았다. 물론 2010년 대회를 지금도 추억한다는 것까지. 둘이 스승과 제자가 아닌, 전문 연주자로서 음악을 맞춰가는 과정을 기대했으나 바바얀의 눈에는 아직도 트리포노프가 어린 제자인가 보다. 리허설 와중에도 지적하고 레슨하는 모습이 엿보인다. 2024년 6월 29일 아스펜 음악제 동영상이 있을까 찾아봤더니 그건 없었다. 쇼팽 콩쿠르에서 뭘 쳤는지 서로 헷갈려 하니 아예 프로그램도 여기에 언급했다.

Baroque Records / Yehudi Menuhin - The Legendary Early Recordings 2023

https://www.youtube.com/watch?v=5JT4k7mkfkY

In listening to these recordings, some of which were made four decades ago, two separate sensations are evoked in me: one, the memory of the child grappling with the intransigent violin and finding an enormous sense of fulfillment and self-expression, of a totality of purpose, challenge and ideal; the other of a continuum such a vacation brings, of being in a certain measure still that same child, only with added dimensions – as a sapling which can only grow into a tree, a plant that cannot alter its basic organism. And I feel an all-pervading gratitude for the simplicity of this truth that underlies all musicians’ lives and compensates for the anguish, the struggle, the despair, the never-ceasing vigilance, bringing a harmony that few other ways of life can offer.

40년 전에 녹음한 것도 있는 이 녹음을 들으면서, 저는 두 가지 다른 기분을 느낍니다. 하나는 완강한 바이올린과 씨름하며 엄청난 성취감과 자기표현, 목적, 도전, 이상의 총체성을 발견하는 아이의 기억입니다. 다른 하나는 그런 휴가가 가져오는 연속성, 어느 정도는 여전히 같은 아이이지만, 단지 차원이 추가된 것입니다. 나무로만 자랄 수 있는 어린나무, 기본 유기체를 바꿀 수 없는 식물처럼요. 그리고 저는 모든 음악가의 삶의 근간이 되는 이 진실의 단순함에 대해 만연한 감사를 느낍니다. 이 진실은 고통, 투쟁, 절망, 끊임없는 경계를 보상하고 다른 삶의 방식에서는 거의 제공할 수 없는 조화를 가져다줍니다.

That is why I am so happy to have my little School, to be able to watch and care for another generation of musical children and thus renewed, to feel the ends joined in a perfect circle.

그래서 저는 제 작은 학교가 있어서 너무 행복하고, 또 다른 세대의 음악을 배우는 어린이들을 지켜보고 돌볼 수 있어서 행복하고, 이렇게 새로워지고, 완벽한 원으로 끝이 연결되는 것을 느낍니다.

Yehudi Menuhin

예후디 메뉴인

It is through the perseverance and dedication of discophiles like Angela Marris in London, and Ronald Russell of Los Angeles, that projects such as this album are possible. Such priceless collections of 78 RPM discs are often the only source of recordings that even the original publishers at times misplace or lose. In this instance, we are sincerely grateful to Mr. Russell for his unsparing time and effort, without which this album would not have been possible.

런던의 앤젤라 마리스와 로스앤젤레스의 로널드 러셀과 같은 레코드 애호가들의 인내와 헌신 덕분에 이 앨범과 같은 프로젝트가 가능합니다. 78 RPM 디스크의 이처럼 귀중한 컬렉션은 종종 원래 출판사조차도 가끔 잘못 두거나 잃어버리는 유일한 녹음 소스입니다. 이 경우, 우리는 러셀 씨의 아낌없는 시간과 노력에 진심으로 감사드립니다. 그 시간과 노력 없이는 이 앨범이 불가능했을 것입니다.

01 Paganini Violin Concerto No. 2 in b, Op. 7: III. Rondo 'La Campanella'. Andantino - Allegretto moderato (1931) / 파가니니 바이올린 협주곡 2번 3악장 <종>

Hubert Giesen, piano / 후베르트 기젠, 피아노

02 Granados/Kreisler 12 Danzas espanolas No. 5 Andaluza (1939) / 그라나도스 12개의 스페인 무곡 중 5번 <안달루사> (크라이슬러 편곡)

Ferguson Webster, piano / 퍼거슨 웹스터, 피아노

03 Bazzini: La Route des Lutins, Op. 25 (1934) / 바치니 <요정의 춤>

04 Brahms/Joseph Joachim 21 Hungarian Dances, WoO 1 No. 1 in g: Allegro molto (1936) / 브람스 헝가리 무곡 1번 (요제프 요아힘 편곡)

05 Paganini: Moto perpetuo, Op. 11 (1934) / 파가니니 무궁동

Marcel Gazelle, piano / 마르셀 가젤, 피아노

06 Wieniawski Legend, Op. 17 (1938) / 비에니아프스키 전설

L'Orchestre des Concerts Colonne / 콜론 콩세르 오케스트라

Georges Enesco, conductor / 제오르제 에네스쿠 지휘

07 Rimsky-Korsakov/Arthur Hartman: The Tale of Tsar Saltan - Flight of the Bumblebee (1932) / 림스키-코르사코프 오페라 <차르 살탄의 이야기> 중 <호박벌의 비행> (아르투르 하르트만 편곡)

Arthur Balsam, piano / 아르투르 발삼, 피아노

08 Schumann/Kreisler 3 Romanzen, Op. 94 No. 2 in A (1937) / 슈만 3개의 로망스 중 2번 (크라이슬러 편곡)

Ferguson Webster, piano / 퍼거슨 웹스터, 피아노

09 Falla/Kreisler: La vida breve - Danse espagnole No. 1 (1932) / 파야 오페라 <허무한 인생> 중 스페인 무곡 1번 (크라이슬러 편곡)

Arthur Balsam, piano / 아르투르 발삼, 피아노

Our sincere thanks to EMI Limited for their gracious cooperation in arranging the release of this material.

이 자료의 발매를 주선하는 데 호의적으로 협조해 주신 EMI에 진심으로 감사드립니다.

Yehudi Menuhin is one of those rare men who have become a legend in their own lifetime. He made his debut at the age of seven playing the Lalo “Symphonie Espagnol” with the San Francisco Orchestra conducted by Alfred Hertz. That important event was followed by the Bach-Beethoven-Brahms debut in Berlin when he was eleven, on which occasion Albert Einstein embraced the lad, declaring that “now I know there is a God in heave.” Shortly thereafter he made debuts in New York, Paris and London, and his career since then has taken him practically everywhere in the world.

예후디 메뉴인은 평생 전설이 된 드문 사람 중 한 명이다. 그는 7살 때 알프레드 헤르츠가 지휘하는 샌프란시스코 오케스트라와 함께 랄로의 <스페인 교향곡>을 연주하면서 데뷔했다. 이 중요한 사건에 이어 11살 때 베를린에서 바흐-베토벤-브람스 데뷔가 이어졌고, 그때 알베르트 아인슈타인은 그 소년을 껴안으며 “이제 천국에 신이 있다는 것을 깨달았다.”라고 선언했다. 그 직후에는 뉴욕, 파리, 런던에서 데뷔했고, 그 이후로 사실상 전 세계를 여행하게 되었다.

Born in New York in 1916 of Russian parents, Yehudi Menuhin began violin lessons at the age of five in San Francisco with Louis Persinger, an American violinist and pupil of Ysaÿe, who at that time was leader of the Persinger String Quartet and Concertmaster of the San Francisco Orchestra. He next studied with Georges Enesco, a Romanian violinist, in Paris and Sinaia, Romania between 1927 and 1936, with the exception of two years that he spent with the eminent German violinist and musician, Adolf Busch, in Basel.

1916년 러시아의 유대계 부모 사이에서 뉴욕에서 태어난 예후디 메뉴인은 5살 때 샌프란시스코에서 루이스 퍼싱어와 함께 바이올린 레슨을 시작했다. 루이스 퍼싱어는 미국인 바이올리니스트로, 당시 퍼싱어 현악 사중주단의 리더이자 샌프란시스코 오케스트라의 악장이었던 이자이의 제자였다. 이후 1927~1936년에는 파리와 루마니아 시나이아에서 루마니아 바이올리니스트 제오르제 에네스쿠를 사사했으며, 그 외에는 바젤에서 저명한 독일 바이올리니스트이자 음악가인 아돌프 부쉬를 2년 동안 사사했다.

In 1927, following great successes in Berlin, London and other capitals of Europe, Menuhin made a successful New York debut. Shortly thereafter, he began performing with his sister Hephzibah, their first recording in 1932 won the national Prix du Disque in France.

1927년 베를린, 런던 및 유럽의 다른 수도에서 큰 성공을 거둔 후, 메뉴인은 성공적으로 뉴욕 데뷔를 했다. 직후에는 여동생 헵지바와 함께 공연하기 시작했고, 1932년 첫 녹음으로 프랑스에서 “프리 뒤 디스크”를 수상했다.

Continually extending his activities, Menuhin’s concerts became more frequent until, with the advent of World War II, he added hundreds of concerts a year to his usual routine. He travelled alone throughout Europe and the Pacific, playing often two and three times a day for men and women of the Armed Services of all nations under all conditions – in camps, hospitals, ships. Following the war, it was Menuhin who re-opened the Opera House in Paris within a few weeks of the Liberation, and in 1945 he was the first Western musician to be invited to Russia.

메뉴인의 활동은 계속 확대되었고, 2차 세계 대전이 발발하면서 그는 평소의 일상에 연간 수백 건의 콘서트를 추가했다. 그는 유럽과 태평양 전역을 혼자 여행하며, 모든 국가의 군인 남녀를 위해 모든 조건하에 캠프, 병원, 선박에서 하루에 두세 번씩 연주했다. 종전 이후, 메뉴인은 해방 후 몇 주 만에 파리의 오페라 하우스를 다시 열었고, 1945년에는 러시아에 초대된 최초의 서방 음악가가 되었다.

As a result of his war services, Menuhin was awarded honors by many countries of Europe, including the French Legion of Honor and Croix de Lorraine. In the two and half decades since the war, he has received many awards for his great humanitarianism, including the Nehru Peace Award, conferred in 1970. He also holds honorary doctorate degrees from eight British universities, including Oxford, Cambridge, St. Andrews and London.

메뉴인은 전쟁 중의 헌신에 대한 공로로, 프랑스 레지옹 도뇌르 훈장과 크루아 드 로렌을 포함한 유럽 여러 나라에서 영예를 얻었다. 전쟁 이후 25년 동안 위대한 인도주의에 대한 많은 상을 받았는데, 여기에는 1970년에 수여된 네루 평화상이 포함된다. 그는 또한 옥스퍼드, 케임브리지, 세인트앤드루스, 런던을 포함한 영국의 8개 대학교에서 명예박사 학위를 받았다.

In 1962 Menuhin received the Royal Philharmonic Society’s Gold Medal on the occasion of their 150th Anniversary. He was only the fourth violinist ever to be so awarded, the other being Hubay, Ysaÿe and Kreisler.

1962년 메뉴인은 로열 필하모닉 협회 150주년 기념 금메달을 받았다. 그는 역대 4번째로 금메달을 받은 바이올리니스트였으며, 다른 3명으로는 예뇌 후버이, 외젠 이자이, 프리츠 크라이슬러가 있다.

After more than a decade as artistic director and performing artist at the Bath Festival, Menuhin resigned in order to establish (with his friend and colleague, Ian Hunter) a new performing arts festival at Windsor in 1969. The musicians with whom he has collaborated for more than a decade are known as the Menuhin Festival Orchestra, which enjoyed enormous success on its first, limited tour of the eastern United States in 1967, including concerts at Expo ’67 and Philharmonic Hall, Lincoln Center. For the past 15 years he has also been artistic director of another summer festival in Gstaad, Switzerland.

메뉴인은 바트 페스티벌에서 10년 이상 예술 감독과 공연 아티스트로 활동한 후, 1969년 윈저에서 (친구이자 동료인 이언 헌터와 함께) 새로운 공연 예술제를 열기 위해 사임했다. 그가 10년 이상 협연한 음악가들은 메뉴인 페스티벌 오케스트라로 알려져 있으며, 1967년 미국 동부에서 처음으로 한정된 투어를 돌면서 엄청난 성공을 거두었다. 여기에는 엑스포 67(캐나다 건국 100주년을 기념하기 위해 1967년 몬트리올에서 개최된 국제 박람회)과 링컨 센터 필하모닉 홀에서의 콘서트가 포함된다. 그는 지난 15년 동안 스위스 크슈타트에서 열리는 또 다른 여름 축제의 예술 감독이기도 했다.

Menuhin’s interest in the restoration of the art of violin playing led to the founding, in 1963, of the Yehudi Menuhin School at Stoke d’Abernon, Surrey, England, a boarding school for young musical talent.

메뉴인은 바이올린 연주 기법을 회복하고자 1963년 영국 서리주 스토크 대버넌에 젊은 음악 재능을 양성하는 기숙 학교인 예후디 메뉴인 학교를 설립했다.

A true citizen of the world, and one passionately committed to human understanding, Menuhin is as much at home in India as he is in London, Paris, Berlin or his native country. “There is nothing that doesn’t have an influence on my music, since my music is what I am and what I feel, think, do, suffer, enjoy. You can only express what you have lived through yourself. I want to proclaim the fascinating contrasts and unities of all music – Western, Indian, African. We are living in a world bursting all the preconceived ideas of prejudice, vanity, and I hope when the lessons are brought home to the smallest school children all over the world, there will evolve civilizations which will be more compatible with each other.”

진정한 세계 시민이자 인간의 이해에 열정적으로 헌신하는 메뉴인은 런던, 파리, 베를린 또는 모국에서와 마찬가지로 인도에서도 편안하다. “제 음악에 영향을 미치지 않는 것은 없습니다. 제 음악은 제가 있는 그대로이고, 제가 느끼고, 생각하고, 행동하고, 겪고, 즐기는 것이기 때문입니다. 여러분은 자신이 겪은 것만 표현할 수 있습니다. 저는 서양, 인도, 아프리카의 모든 음악에 매혹적인 대조와 통일성을 선포하고 싶습니다. 우리는 편견과 허영심에 대한 선입견을 모두 터뜨리는 세상에 살고 있으며, 전 세계의 가장 작은 학생들을 레슨할 때 서로 더 잘 호환되는 문명이 발전하기를 바랍니다.”

메뉴인은 젊었을 때 천재 소리를 들었다는 바이올리니스트이다. 여동생 헵지바에 대해서는 어떤 연주였는지 생각나진 않지만, 어렸을 때 EBS <세기의 명연주>에서 영상으로 본 적이 있어서 이름을 기억한다. 전설적인 초기 녹음은 1972년 LP로 발매된 것으로 어쩌다 보니 eBay 사이트에서 표지를 구하게 되어 내용을 정리했다. CD로 옮겨졌으나 오래된 녹음이라 음질이 구리다. 아인슈타인이 뭐라고 말한 것인지 더 정확한 뜻을 찾기 위해 검색해보니 예후디란 이름은 유대어로 유대인을 의미한단다. 영어로는 Jude?