Acousence Records / Alexander Gadjiev Plays Liszt & Schumann - Literary Fantasies 2018

Track

01 Liszt 3 Sonetti di Petrarca, S. 270a (1st Version) No. 2 Benedetto sia'l giorno [Sonnet No. 47] / 리스트 3개의 페트라르카 소네트

02 Liszt 3 Sonetti di Petrarca, S. 270a (1st Version) No. 1 Pace non trovo [Sonnet No. 104]

03 Liszt 3 Sonetti di Petrarca, S. 270a (1st Version) No. 3 I' vidi in terra angelici costumi [Sonnet No. 123]

04 Schumann Kreisleriana, Op. 16: I. Ausserst bewegt / 슈만 크라이슬레리아나

05 Schumann Kreisleriana, Op. 16: II. Sehr innig und nicht zu rasch

06 Schumann Kreisleriana, Op. 16: III. Sehr aufgeregt

07 Schumann Kreisleriana, Op. 16: IV. Sehr langsam

08 Schumann Kreisleriana, Op. 16: V. Sehr lebhaft

09 Schumann Kreisleriana, Op. 16: VI. Sehr langsam

10 Schumann Kreisleriana, Op. 16: VII. Sehr rasch

11 Schumann Kreisleriana, Op. 16: VIII. Schnell Und Spielend

12 Liszt Annees de pelerinage II, Italy, S. 161b No. 7 Apres une lecture du Dante, fantasia quasi sonata / 리스트 <단테 소나타>

13 Schumann 3 Fantasiestucke, Op. 111 No. 2 in Ab: Ziemlich langsam / 슈만 3개의 환상곡 작품 111-2

알렉산더 가지예프가 연주하는 리스트와 슈만 피아노 작품집 - 문학에 심취한 환상곡들

Die Romantik ist davon gekennzeichnet, die verschiedensten Grenzen zu überschreiten. Wiederholt geben Titel von Kompositionen bereits Auskunft, wie ihre Schöpfer sich von literarischen Texten, Landschaften oder Kunstwerken inspirieren ließen. Damit ist das Phänomen der Grenzüberschreitungen jedoch keineswegs erschöpft. Viele – natürlich längst nicht alle – Künstler waren Mehrfachbegabungen. Während Franz Liszt nicht nur komponierte, sondern als überragender Klaviervirtuose (und später als Dirigent) in Erscheinung trat, musste Robert Schumann berechtigte Aussichten auf eine Pianistenlaufbahn aufgeben. Dazu besaßen beide eine literarische Begabung. Robert Schumann, dessen Vater Buchhändler und Verleger war, schwankte anfangs sogar, ob er die Musiker- oder die Schriftstellerlaufbahn einschlagen sollte. Später war er Mitbegründer der „Neuen Zeitschrift für Musik“, für die er geistreiche Rezensionen schrieb. Weitaus weniger bekannt ist, dass auch Franz Liszt zahlreiche Essays über Musik und Musiker verfasste. Und will man romantische Musik verstehen, so reicht es nicht, ältere Vorbilder zu erkennen, denn wiederholt werden auch die Grenzen zwischen den verschiedensten Gattungen übersprungen oder verwischt.

“Romanticism” is characterised by crossing all kinds of boundaries. Usually, the titles of compositions give us insight into how their creators were inspired by literature, landscapes or works of art. But mere titles do not exhaust the phenomenon of crossing borders the least. Many – but of course not all – artists have multiple talents. Franz Liszt not only composed, but was also an outstanding piano virtuoso (and later conducted). Robert Schumann had to give up his promising piano career. But both possessed literary talent. Robert Schumann, whose father was a bookseller and publisher, considered at first whether he should pursue a music career or become an author. He was later one of the founders of the “Neue Zeitschrift für Musik”, for which he wrote intellectually stimulating reviews. It is much less known that Franz Liszt also wrote numerous essays on music and musicians. And if one wants to understand Romantic music, then it is not enough to recognise older role models, because the borders between the most diverse genres here are also repeatedly broken or washed away.

“낭만주의”는 온갖 경계를 넘나드는 것이 특징이다. 대개 작품의 제목은 창작자가 문학, 풍경 또는 예술 작품에서 어떻게 영감을 받았는지에 대한 통찰력(정보)을 (반복적으로) 제공한다. 그러나 이것이 국경을 넘나드는 현상의 끝은 아니다. 물론 전부는 아니지만, 많은 예술가가 다재다능하다. 프란츠 리스트는 작곡했을 뿐만 아니라 뛰어난 피아노 거장(나중에는 지휘자로도)이기도 했다. 로베르트 슈만은 자신의 유망한 피아노 경력을 포기해야 했다. 그러나 둘 다 문학적 재능을 가지고 있었다. 아버지가 서적상이자 출판업자였던 로베르트 슈만은 처음에 음악가로 진로를 정할지 아니면 작가가 되어야 할지 고민했다. 그는 나중에 재치 있는 평론들을 남긴 <음악신보>의 창시자 중 한 명이 되었다. 프란츠 리스트가 음악과 음악가에 관한 수많은 에세이를 썼다는 사실은 훨씬 덜 알려져 있다. 그리고 낭만주의 음악을 이해하고 싶다면 오래된 롤모델을 인식하는 것만으로는 충분하지 않은데, 여기에서 가장 다양한 장르 간의 경계도 반복적으로 건너뛰거나 흐려지기 때문이다.

Das von literarischen Quellen inspirierte Programm des Pianisten Alex Gadjiev enthält zwei Werke aus dem Italien gewidmeten zweiten Band der „Années de Pèlerinage“ von Franz Liszt sowie ein frühes und ein spätes Werk von Robert Schumann.

Alex Gadjiev’s programme, inspired by literary sources, contains two works dedicated to Italy from the second volume of Franz Liszt’s “Années de Pèlerinage” and an early and a late work of Robert Schumann.

문학적 출처에서 영감을 얻은 알렉스 가지예프의 프로그램에는 프란츠 리스트 <순례의 연보> 2권에서 이탈리아에 헌정된 2개의 작품과 함께 로베르트 슈만의 초기 및 후기 작품이 수록되어 있다.

Als Franz Liszt 1834 eine Liebesaffäre mit der verheirateten Gräfin Marie d’Agoult begann, hatte das junge Paar mit erheblichen Widerständen zu kämpfen: Die Frau trennte sich von Mann und Familie, und schon 1835 wurde die erste gemeinsame Tochter, Blandine, geboren. Liszt gab damals Klavierunterricht am Genfer Konservatorium, stach 1837 in Paris seinen Rivalen Sigismund Thalberg aus, verbrachte aber mit der Freundin auch eine unruhige Zeit in Genf, Paris und in Italien. Von beschaulichen „Pilgerjahren“, wie es die Titel von drei Klavierzyklen suggerieren wollen, kann deshalb kaum die Rede sein. Der erste Band der „Années de Pèlerinage“ mit Erinnerungen an die Schweiz war zwar größtenteils schon 1835/36 entworfen worden, wurde aber erst im Jahr 1855 veröffentlicht. 1858 folgte der zweite Band, dessen Zentrum die Italienerlebnisse der Jahre 1838/39 bilden. Der dritte Band der „Années de Pèlerinage“ entstand mit beträchtlichem zeitlichen Abstand und wurde erst 1883 publiziert.

When Franz Liszt began a love affair with the married countess Marie d’Agoult in 1834, the young pair had to endure considerable resistance. The woman separated from her husband and family and their first common daughter, Blandine, was born in 1835. Liszt was teaching piano at the Geneva Conservatory at the time, then supplanted his rival Sigismund Thalberg in Paris in 1837, but also had a turbulent time with his girlfriend in Geneva, Paris and Italy. So tranquil “Years of Pilgrimage”, as the title of three piano cycles suggests, can hardly be the case. The first volume of “Années de Pèlerinage”, a reminiscence of Switzerland, was already in draft form in 1835-36, but was first published in 1855. The second volume appeared in 1858, whose main subject is the Italy he experienced in 1838-39. The third volume of Années de Pèlerinage were composed considerably later and was only published in 1883.

1834년 프란츠 리스트가 기혼의 백작 부인 마리 다구와 연애를 시작했을 때, 젊은 커플은 상당한 저항을 견뎌야 했다. 그녀는 남편 및 가족과 별거하였으며 1935년에는 (리스트의) 첫딸 블랑딘이 태어났다. 리스트는 당시 제네바 음악원에서 피아노를 가르치고 있었고, 1837년 파리에서 라이벌인 지그문트 탈베르크를 능가했지만, 제네바, 파리, 이탈리아에서 여자친구와 함께 안절부절못한(격동의) 시간을 보내기도 했다. 따라서 세 번째 피아노 주기라는 제목에서 알 수 있듯이 평온한 <순례의 연보>에 대한 이야기는 거의 없다. 스위스에 대한 추억이 담긴 <순례의 연보> 1권은 1835~36년에 이미 작곡되었지만, 1855년에 처음 출판되었다. 2권은 1858년에 나왔는데, 그 중심은 그가 1838~39년에 경험한 이탈리아이다. <순례의 연보> 3권은 상당히 나중에 작곡되었으며 1883년에야 출판되었다.

Während Franz Liszt im ersten Band der „Années de Pèlerinage“ tönende Landschaftsschilderungen bot und literarische Betrachtungen anstellte, ließ sich der Musiker im zweiten Band von den Schwesterkünsten Dichtung und Malerei inspirieren. „Sposalizio“ („Vermählung der Maria“) bezieht sich auf ein Bild Raffaels, „Il Pensieroso“ („Der Nachdenkliche“) gibt einer Statue Michelangelos ein tönendes Denkmal. In den übrigen Stücken hat die Verehrung für die italienischen Dichter Petrarca (1304-1374) und Dante (1265-1321) ihren Niederschlag gefunden.

Franz Liszt offers tonal landscapes and literary views in his first volume of “Années de Pèlerinage”, and is inspired by the related arts of poetry and painting. “Sposalizio” (“The Marriage of the Virgin”) refers to a painting by Raffael, and “Il Pensieroso” (“The Thinker”) gives Michelangelo’s statue a tonal monument. In the other pieces, there are homages to the Italian poets Petrarca (1304-1374) and Dante (1265-1321).

프란츠 리스트는 <순례의 연보> 1권에서 경쾌한 풍경 묘사와 문학적 성찰을 제공하는 반면, 2권에서는 시 및 회화와 관련된 예술에서 영감을 받는다. (2권에서) 1번 <혼례>는 라파엘로의 그림 <성모 마리아의 결혼>을 참조하고, 2번 <명상에 잠긴 사람>은 미켈란젤로의 동상에 기념비적인 소리를 제공한다. 다른 곡들에서는 이탈리아 시인 페트라르카(1304~1374)와 단테(1265~1321)에 대한 경의(존경의 표시)를 반영한다.

Aus dem mehr als dreihundert Sonette umfassenden „Canzoniere“ Petrarcas vertonte Franz Liszt drei Stücke. Er schrieb Lieder für Singstimme und Klavier, die außerdem in reiner Klavierfassung vorliegen. Obwohl eine frühe Klavierfassung (1846) bereits ein Jahr vor der Version für Tenorstimme mit Klavierbegleitung (1847) veröffentlicht wurde, ist die Vokalfassung doch die älteste. Es handelt sich um Liebeslieder, bei denen die Sonettform und die italienische Sprache der Vorlagen die Anlehnungen an das deutsche Kunstlied weitgehend aufheben. Vielmehr gibt es rezitativische und ariose Abschnitte, die auch in der Fassung als „Lieder ohne Worte“ in den „Années de Pèlerinage“ erkennbar bleiben.

From the more than three hundred sonnets of Petrarca’s “Canzoniere”, Franz Liszt set three pieces to music. He wrote lieder for voice and piano which were also written in a version for solo piano. Although the earlier piano version (1846) was already published a year before the version for tenor with piano accompaniment (1847), the vocal version was written first. These are love songs where the sonnet form and the Italian language largely do away with any conformity to the German “Lied”. There are recitative and aria sections which can still be recognised in the “Songs without Words” version in “Années de Pèlerinage”.

프란츠 리스트는 페트라르카의 시집 <칸초니에레>의 300편이 넘는 소네트 중에서 세 곡을 음악으로 설정했다. 그는 독주 피아노 버전으로도 쓰인 성악과 피아노를 위한 가곡들을 썼다. 초기 피아노 버전(1846)이 피아노 반주가 포함된 테너 버전(1847)보다 1년 앞서 출판되었지만, 성악 버전이 가장 오래된 것이다. 이 곡들은 소네트 형식이며 이탈리아어가 독일의 가곡 “리트”에 대한 참조를 크게 없앤 사랑 노래이다. 오히려 레치타티보와 아리아 부분이 있는데, <순례의 연보>에서 “무언가” 버전으로 인식될 수 있다.

Der Unterschied von der schwärmerischen Poesie der Liedkompositionen zur Dramatik des folgenden Werks könnte größer nicht sein: Unter dem Eindruck von Dantes „Göttlicher Komödie“, aber auch beeinflusst von Victor Hugos 1836 veröffentlichtem Gedicht „Après une lecture de Dante“ entwarf Liszt 1839 die so genannte „Dante-Sonate“, die mit der Veröffentlichung im zweiten Band der „Années de Pèlerinage“ ihre endgültige Gestalt erhielt. Die Besonderheit der einsätzigen Sonate zeigt sich deutlich im Vergleich zur 1856/57 entstandenen „Dante-Sinfonie“. Als er sein Klavierwerk ausarbeitete, war Liszt ein Klaviervirtuose von höchsten Gnaden, was sich auch in der Virtuosität der Komposition widerspiegelt. Die Gedanken folgen hier nicht so geradlinig wie im Orchesterwerk den Stationen Inferno, Fegefeuer und Paradies, sondern lösen sich episodisch miteinander ab, wobei immer wieder auch die Gestalt des Dichters hineingenommen wird. Dabei ist ein Schwanken zwischen der Unerbittlichkeit des Schicksals und den leise am Firmament auftauchenden Hoffnungszeichen zu bemerken. Der Untertitel „Fantasia quasi Sonata“ ist natürlich eine Umkehrung von Ludwig van Beethovens Bezeichnung „Sonata quasi una Fantasia“ – dem Untertitel der beiden Sonaten op. 27, zu denen auch die „Mondscheinsonate“ gehört. Während Beethoven aber auf die stimmungsmäßige Besonderheit hinwies, betont Liszt sein Vermögen, einen außermusikalischen Sachverhalt mit den Mitteln der Sonatenform darstellen zu können. Damit ist eine wichtige Station auf dem Weg zur „Sinfonischen Dichtung“ erreicht, zunächst jedoch mit den Mitteln von Liszts ureigenem Instrument: dem Klavier. Darüber hinaus ist die „DanteSonate“ eine wichtige Station zu Liszts großer Klaviersonate h-Moll.

The difference between the rapturous poetry of the lied composition to the drama of the following work could not be any greater. Being inspired by Dante’s “Divine Comedy”, but also influenced by Victor Hugo’s poem “After a Reading of Dante”, published in 1836, Liszt composed the so-called “Dante Sonata” in 1839, which took its final form with the publication of the second volume of the “Années de Pèlerinage”. The distinct feature of the one-movement sonata is clear when compared with the “Dante Symphony” of 1856-57. When he composed his piano work, Liszt was a piano virtuoso of the highest level, which is reflected in the virtuosity of the composition. The narrative is not as straightforward as in the orchestral work with its inferno, purgatory and paradise sections, but take over from one another episodically, and the poet’s work is included again and again. The fluctuation between the mercilessness of fate and the quiet firmament of emerging signs of hope can be heard. The subtitle “Fantasia quasi Sonata” is of course the reverse of Ludwig van Beethoven’s marking “Sonata quasi una Fantasia” – the subtitle of both of the op. 27 sonatas, one of which is the Moonlight Sonata. Whereas Beethoven pointed to the emotional features of his piece, Liszt emphasises his ability to depict non-musical content within the context of the sonata form. For him, this is an important step on the way to achieving a “tone poem”, but using the means of Liszt‘s very own instrument: the piano. Also, the “Dante Sonata” paves the way to Liszt’s great piano sonata in B-minor.

리트 구성의 황홀한 시와 다음 작품의 드라마의 차이는 이보다 더 클 수 없다. 단테의 <신곡>에서 영감을 받았을 뿐만 아니라 1836년에 출판된 빅토르 위고의 시 <단테를 읽고>에서도 영향을 받은 리스트는 1839년 <단테 소나타>를 작곡했는데, 이 곡은 <순례의 연보> 2권이 출판되면서 최종 형식을 취했다. 단악장 소나타의 뚜렷한 특징은 1856~57년의 <단테 교향곡>과 비교하면 확연히 드러난다. 피아노 작품을 쓸 때 리스트는 최고 수준의(가장 고귀한) 피아노 거장이었는데, 이는 작곡 기교에도 반영된다. 여기에 나오는 묘사는 관현악 작품처럼 지옥편, 연옥편, 천국편을 따르지 않고, 에피소드 풍으로 서로 이어받으며(일시적으로 서로 번갈아 가며 등장하며), 시인의 작품(모습)이 계속해서 포함된다. 운명의 무자비함(변덕스러움)과 창공에 조용히 나타나는 희망의 징조 사이에는 동요가 있다. 부제 <소나타 풍의 환상곡>은 물론 루트비히 판 베토벤의 작품 27에 있는 소나타(13번과 14번) 중 하나인 14번 <월광 소나타>에 표시한 <환상곡 풍의 소나타>와 반대이다. 베토벤이 자신의 곡에서 감정적 특징(특별한 분위기)을 지적하는 반면, 리스트는 소나타 형식의 맥락 내에서 비음악적 내용을 묘사(소나타 형식의 수단으로 음악 외적인 상황을 표현)하는 자신의 능력을 강조한다. 그에게 이것은 “음시”를 달성하기 위한 중요한 단계이지만, 처음에는 리스트 자신의 악기인 피아노를 사용한다. 또한 <단테 소나타>는 리스트의 위대한 피아노 소나타 B단조로 가는 길을 열어준다.

Mit der fiktiven Gestalt des exzentrisch-genialen Kapellmeisters Johannes Kreisler fühlten sich im 19. Jahrhundert viele Musiker wesensverwandt. E.T.A. Hoffmann (1776-1822) hatte 1814 im ersten Band der „Fantasiestücke in Callots Manier“ eine erste „Kreisleriana“ vorgelegt. Es folgten weitere Kreisler-Stücke, und die Biographie des Kapellmeisters ist 1819 und 1821 von zentraler Bedeutung in dem satirischen Roman „Lebensansichten des Katers Murr“. Zu den Komponisten, die sich mit der literarischen Figur als wirklichem und doch unverstandenem Künstler identifizierten, gehörte neben Robert Schumann auch Johannes Brahms, der Briefe an seine Freunde gelegentlich mit „Johannes Kreisler jun.“ unterschrieb.

Many musicians in the 19th century felt themselves akin to the fictitious character of the eccentric and brilliant conductor Johannes Kreisler. E.T.A. (Ernst Theodor Amadeus) Hoffmann (1776-1822) wrote his first “Kreisleriana” in the first volume of the “Fantasy Pieces in Callot’s Manner” in 1814. Further essays on Kreisler followed and the biography of the conductor of 1819 and 1821 was the main feature of the satirical novel “The Life and Opinions of the Tomcat Murr”. Among those musicians who identified with this literary character, a true but misunderstood artist, were Robert Schumann and Johannes Brahms, who sometimes signed his letters to friends “Johannes Kreisler Jr.”.

19세기의 많은 음악가는 기발하고 독창적인 지휘자 요하네스 크라이슬러의 허구적 성격(가상 인물)과 친밀감을 느꼈다. 에른스트 테오도어 아마데우스 호프만(1776~1822)은 1814년 <칼로 풍의 환상곡> 1권에서 첫 번째 <크레이슬레리아나>를 썼다. 요하네스 크라이슬러에 대한 추가 에세이가 이어졌고 1819년과 1821년 지휘자의 전기는 풍자 소설 <수고양이 무르의 인생관>의 주요 특징이었다. 로베르트 슈만 외에도, 문학적 인물을 실재하면서도 오해받는 예술가로 동일시한 음악가 중에는 가끔 친구들에게 편지에 “요하네스 크라이슬러 2세”로 서명한 요하네스 브람스도 있었다.

Robert Schumann komponierte die acht Klavierfantasien der „Kreisleriana“ op. 16 in zwei Etappen von Mitte März bis Anfang Mai 1838. Die Notiz „im Feuer componirt“ galt nicht nur für die zügige Ausarbeitung, denn Schumann befand sich damals in einer Zeit zwischen Hoffen und Bangen. Noch waren die Hindernisse auf dem Weg zu einer dauerhaften Verbindung mit Clara Wieck nicht überwunden, und erst am 12. September 1840 konnte die Hochzeit stattfinden. Deshalb entfiel auch die ursprünglich geplante Widmung an Clara Wieck, und die „Kreisleriana“ wurden Frédéric Chopin zugeeignet.

Robert Schumann composed the eight piano fantasies of the “Kreisleriana” op. 16 in two phases, from mid-March to the beginning of May of 1838. The marking „composed in fire“ not only refers to his rapid progress on the work, but also reveals that Schumann’s frame of mind, which fluctuated between hope and fear. There were still major obstacles to a marriage with Clara Wieck at that time, which only came to pass on 12 September 1840. This is why the originally planned dedication to Clara Wieck was dropped and the “Kreisleriana” was dedicated to Frédéric Chopin.

로베르트 슈만은 1838년 3월 중순부터 5월 초까지 두 단계에 걸쳐 <크레이슬레리아나>의 8개의 피아노 환상곡을 썼다. “불 속에서 작곡함”이라는 표시는 작품의 급속한 진행을 의미할 뿐만 아니라 희망과 공포 사이를 오가는 슈만의 기분을 드러낸다. 1840년 9월 12일에야 비로소 클라라 비크와 결혼하는 데에는 여전히 큰 장애물이 있었다. 따라서 클라라 비크에 대한 원래의 계획된 헌정이 취소되었으며 <크레이슬레리아나>는 프레데릭 쇼팽에게 헌정되었다.

Neben der fiktiven Künstlerpersönlichkeit Kreislers hat auch Robert Schumanns Liebe zu Clara Wieck die „Kreisleriana“ op. 16 beeinflusst: „Aber, Clara, diese Musik jetzt in mir und welche schönen Melodien immer – denke, seit meinem letzten Brief habe ich wieder ein ganzes Heft neuer Dinge fertig. ‚Kreisleriana’ will ich es nennen, in denen Du und ein Gedanke von Dir die Hauptrolle spielen (...) da wirst Du lächeln so hold, wenn Du Dich wieder findest.“ Während aber somit ein doppeltes Schwanken zwischen Euphorie und Depression festzustellen ist, haben die humoristischen Elemente der Erzählungen kaum Bedeutung für die Komposition.

In addition to the fictitious artist persona of Kreisler, Robert Schumann’s love for Clara Wieck also influenced the “Kreisleriana” op. 16: “But, Clara, I’m overflowing with music and beautiful melodies now – imagine, since my last letter I’ve finished another whole notebook of new pieces. I intend to call it ‘Kreisleriana’. You and one of your ideas play the main role in it […] then you will smile so sweetly when you discover yourself in it.” Although there is a fluctuation between euphoria and depression, the humoristic elements of the narratives have no deeper meaning for the composition.

요하네스 크라이슬러의 허구적(가상의) 예술가의 성격 외에도 로베르트 슈만의 클라라 비크에 대한 사랑은 <크라이슬레리아나>에 영향을 미쳤다. “하지만 클라라, 지금 내 안에는 음악과 아름다운 선율로 넘쳐나고 있어. – 지난 편지 이후로 새로운 곡들로 가득 찬 또 다른 악보를 완성했다고 상상해봐. 이 곡을 ‘크라이슬레리아나’로 부르고 싶어. 당신과 당신의 생각 중 하나가 그 안에서 중요한 역할을 하고 […] 당신은 이 곡 속에서 당신의 모습을 발견하고 따스하게 미소짓게 될 것이다.” 행복감과 우울감 사이에 변동이 있지만, 묘사의 유머러스한 요소들은 작품에 거의 의미가 없다.

Robert Schumanns „Kreisleriana“ bestehen aus acht Fantasiestücken mit unterschiedlicher Ausdehnung, wobei der Wechsel von leidenschaftlich-bewegten und innig-gesangvollen Abschnitten charakteristisch ist. Ganz bewusst wird dabei eine Anlehnung an die Sonatenform gemieden. Der Eindruck des Improvisatorischen kann allerdings nicht darüber hinwegtäuschen, dass Motive und Rhythmen sich zu einem dichten Beziehungsgeflecht verbinden. Hinzuweisen ist auch auf die überlegte Tonartendisposition, denn die langsameren Teile stehen in B-Dur, und die schnellen Sätze verwenden g-Moll und nahe verwandte Tonarten.

Robert Schumann’s “Kreisleriana” is made up of eight fantasy pieces of various lengths. The alternation between passionate/moving and intimate/cantabile sections is characteristic. Conforming to the sonata form is consciously avoided. The improvisatory air cannot belie the fact that the motives and rhythms are bound in a tight mesh of relationships. The carefully considered disposition of the tonality should also be mentioned, since the slower sections are in B-flat major and the fast movements use G minor and closely related keys.

로베르트 슈만의 <크레이슬레리아나>는 길이가 다른 8개의 환상곡으로 구성되어 있다. 열정적으로 움직이는 부분과 친밀하게 노래하는 부분 사이의 교대가 특징이다. 소나타 형식을 따르는 것은 의도적으로 피한다. 그러나 동기와 리듬이 결합하여 촘촘한 관계망을 형성한다는 사실은 즉흥적인 느낌(분위기)을 숨길 수 없다. 느린 부분들은 내림B장조이고 빠른 부분들은 G단조 그리고 밀접하게 관계된 조성들을 사용하기 때문에 신중하게 고려된 조성의 배치도 주목할 가치가 있다.

Während Robert Schumann bis zum Opus 23 ausschließlich Klavierwerke veröffentlichte, bevorzugte er später größere Besetzungen und kehrte nur gelegentlich zum solistischen Tasteninstrument zurück. Ende 1850 war Schumann Städtischer Musikdirektor in Düsseldorf geworden, die Uraufführung der „Rheinischen“ Sinfonie am 6. Februar 1851 wurde zwar mit Beifall aufgenommen, doch die Kritik an Schumanns Konzerten wurde unaufhaltsam lauter. Auf einer Schiffsreise, die von Bonn bis nach Basel, an den Genfer See und nach Chamonix führte, konnte das Ehepaar Schumann Abstand gewinnen. Unmittelbar im Anschluss an die Reise schrieb Robert Schumann vom 13. bis zum 22. August 1851 die drei Fantasiestücke op. 111. Der Titel stand lange Zeit nicht fest. Erst wollte Schumann „Romanzen“ als Überschrift wählen, dann wurde „Clavierstücke“ vorgesehen, zuletzt blieb es bei „Fantasiestücke“. Im Gegensatz zum leidenschaftlichen Eröffnungsstück zeichnet sich das zweite Stück bei einfacher dreiteiliger Liedform durch Schlichtheit und gesangvolle Melodik aus, die nur im Mittelteil einer etwas rascheren Bewegung weicht.

Robert Schumann published piano pieces exclusively until Opus 23, then favoured larger instrumentation and only occasionally returned to the solo keyboard. Schumann became the Municipal Music Director in Düsseldorf at the end of 1850 and the premiere of the “Rheinish” Symphony on 6 February 1851 was applauded, but criticism of Schumann’s concerts grew more pronounced. On a boat tour from Bonn to Basel, then on to Lake Geneva and Chamonix, the Schumanns were able to take a step back from the situation. Immediately after the trip, Robert Schumann wrote the “Three Fantasy Pieces” Op. 111 from 13 to 22 August 1851. The title was uncertain for a long time. Schumann first wanted to call them “Romanzas”, then settled on “Piano Pieces”, but finally reverted to “Fantasy Pieces”. In contrast to the passionate opening piece, the second piece is characterised by its simplicity and cantabile melodies in a simple three part lied form, which only gives way to somewhat faster movement in the middle section.

로베르트 슈만은 작품 23(4개의 밤의 소곡)까지 피아노곡들만 출판했지만, 나중에는 더 큰 기악 편성을 선호했으며 가끔 피아노 독주곡으로 돌아왔다. 슈만은 1850년 말에 뒤셀도르프의 시립 음악 감독이 되었고 1851년 2월 6일 마지막 교향곡 3번 <라인> 초연으로 박수를 받았지만, 슈만의 연주회들에 대한 비판은 더욱 커졌다. 본에서 바젤, 그러고 나서 제네바 호수와 샤모니로 가는 보트 투어에서 슈만은 거리를 둘 수 있었다. 여행 직후 로베르트 슈만은 1851년 8월 13~22일에 3개의 환상곡 작품 111을 썼다. 오랫동안 제목이 정해지지 않았다. 슈만은 처음에 “로망스”로 선택했고, 그다음에는 “피아노 소품>으로 계획했지만, 마침내 <환상곡>으로 정착했다. 열정적인 첫 번째 곡과 달리 두 번째 곡은 단순한 3부 가곡 형식의 소박함과 칸타빌레(노래하듯이) 멜로디가 특징으로, 이는 중간 부분에서 다소 빠른 악장에만 자리를 양보한다.

Michael Tegethoff (Translation: Daniel Costello) / 미하엘 테게토프 글 (다니엘 코스텔로 번역)

Musikalisches Können und mitteleuropäische Kultur: Alexander Gadjiev verdankt ersteres seiner Familie, denn beide Eltern sind Klavierlehrer und Musiker, und letzteres seiner Heimatstadt Gorizia, einer natürlichen Drehscheibe von Völkern, Kulturen und Sprachen. Beide Faktoren hatten einen entscheidenden Einfluss auf seine natürliche Fähigkeit, verschiedene Musikstile und –sprachen nach seinem eigenen Geschmack aufzunehmen, aufzubereiten und zu überarbeiten. Von seinem Vater, einem bekannten russischen Klavierlehrer, erhielt er Unterricht. Bereits mit neun Jahren trat Alexander mit Orchester auf und im Alter von zehn Jahren gab er sein erstes Solokonzert. Sein Abitur schloss er mit siebzehn Jahren mit den besten Noten und Auszeichnungen ab. Beim 30. Premio Venezia, einem Wettbewerb, bei dem nur die begabtesten Nachwuchstalente in Italien zugelassen werden, erspielte er den 1. Platz. Die vielen Konzertabende des Premio Venezia ermöglichten es ihm, an zahlreichen Orten in Italien und im Ausland (London, Paris, Madrid, Dublin) zu konzertieren.

Musical exposure and Central European culture: Alexander Gadjiev owes the first to his family, with both parents being piano teachers and musicians, and the second to Gorizia – his city of origin – a natural crossroads of people, cultures and languages. These factors have both had a determining influence on his natural ability to absorb, process and rework different musical styles and languages to his own taste. Tutored by his father, a well-known Russian teacher, Alexander played a solo concerto for the first time with orchestra at the age of nine, and held his first solo recital aged ten. He was awarded his diploma at the age of seventeen with the highest marks and honours. This allowed him to participate in the Premio Venezia – a competition reserved for the best young talents in Italy – and to win the 30th edition of the award. The numerous recitals of the Premio Venezia allowed him to perform throughout Italy and abroad (London, Paris, Madrid, Dublin).

음악적 능력과 중부 유럽 문화. 알렉산더 가지예프는 부모님 모두 피아노 교육자이자 음악가인 그의 가족에 첫 번째 빚을 지고 있으며, 두 번째는 그의 출신 도시이자 민족, 문화, 언어의 자연스러운 교차로인 고리치아에 빚지고 있다. 두 가지 요소 모두 다양한 음악 스타일과 언어를 자신의 취향에 맞게 흡수, 처리, 재작업하는 그의 타고난 능력에 결정적인 영향을 미쳤다. 러시아의 저명한 교육자인 아버지의 지도를 받은 알렉산더는 9세에 처음으로 오케스트라와 협연했으며 10세에 첫 독주회를 가졌다. 그는 17세에 가장 높은 점수와 영예로 고등학교를 졸업했다. 이를 통해 그는 이탈리아 최고의 영재들만이 참가하는 대회인 제30회 프레미오 베네치아에 참가하여 우승했다. 베네치아 전국피아노콩쿠르의 수많은 독주회에 이어 이탈리아 전역과 해외(런던, 파리, 마드리드, 더블린)에서 연주했다.

Wendepunkt in seiner internationalen Karriere:

Im Dezember 2015 belegte er den 1. Platz beim 9. Internationalen Klavierwettbewerb in Hamamatsu, einem der zehn bedeutendsten Klavierwettbewerbe der Welt. Unter den Jury-Mitgliedern waren neben Martha Argerich auch Akiko Ebi und Sergey Babayan. Seine Auftritte verzauberten ganz Hamamatsu und folglich gewann er ebenso den Zuschauerpreis. Dieser Erfolg öffnete Alexander die Türen zu den renommiertesten Konzertsälen in Japan und zu großen Klavierfestivals, wie dem Chopin-Festival in Duszniki, dem ClaviCologne International Piano Festival in Düsseldorf, dem Piano Festival Rafael Orozco in Cordoba, dem Ljubljana Festival, dem Bologna Festival, dem Settimane Musicali für das Teatro Olimpico in Vicenza, dem Festival Animato de Paris, dem Ravenna Musica und dem Salzburger Kammermusikfestival.

December 2015 marked a turning point in his international career.

At the Ninth Hamamatsu International Piano Competition – one of the ten most prestigious piano competitions in the world – the jury, which included Martha Argerich, Akiko Ebi and Sergey Babayan, among others, awarded him the first prize. His performances enchanted Hamamatsu, and he also won the audience prize. Since then, Alexander has regularly been invited to perform in Japan and at major piano festivals around the world including the “Chopin” Festival in Duszniki, the ClaviCologne International Piano Festival in Düsseldorf, Piano Festival Rafael Orozco in Cordoba, the Ljubljana Festival, Bologna Festival, Settimane Musicali for the Teatro Olimpico in Vicenza, the Festival Animato de Paris, Ravenna Musica, and the Kammermusik Salzburg Festival.

2015년 12월은 그의 국제 경력에서 전환점이 되었다. 세계에서 가장 권위 있는 10대 피아노 콩쿠르 중 하나인 제9회 하마마쓰 국제피아노콩쿠르에서 마르타 아르헤리치, 아키코 에비, 세르게이 바바얀 등이 포함된 심사위원단은 그에게 1등상을 수여했다. 그의 연주는 하마마쓰 전체를 매료시켰으며, 청중상도 받았다. 이후 알렉산더는 일본에서 가장 저명한 콘서트홀들과 두슈니키 쇼팽 페스티벌, 뒤셀도르프의 클라비쾰른 국제피아노페스티벌, 코르도바의 라파엘 오로스코 피아노 페스티벌, 류블랴나 페스티벌, 볼로냐 페스티발, 비첸차의 올림피코 극장을 위한 음악 주간, 파리 아니마토 페스티발, 라벤나 무지카, 잘츠부르크 실내악 페스티벌 등 세계의 주요 피아노 페스티벌에 정기적으로 초청받았다.

Alexander hat bereits in einigen der weltweit bedeutendsten Opernhäuser und Konzertsäle musiziert, unter anderem im Teatro La Fenice in Venedig, Teatro Regio in Turin, Teatro Alighieri in Ravenna, Kioi Hall und Bunka Kaikan in Tokio, Kitara Concert Hall in Sapporo, Hyogo Performing Arts Center in Osaka, Salle Cortot in Paris, im Moskauer Konservatorium und danach in Salt Lake City, Istanbul, Barcelona, Rom, Mailand und in zahlreichen anderen Städten, gemeinsam mit weltbekannten Orchestern, wie dem Orchestra di Padova e del Veneto, dem Orchestra Sinfonica del Teatro della Fenice, den I Virtuosi Italiani, dem Tokyo Symphony Orchestra, dem Nagoya Philharmonic Orchestra, dem Kyoto Symphony Orchestra, dem Prague Symphony Orchestra, dem Pomeranian Philharmonic Orchestra, dem Jerusalem Symphony Orchestra und dem Mitteleuropa Orchestra.

Alexander has played in some of the most important opera houses and concert halls such as at Teatro La Fenice in Venice, Teatro Regio in Turin, Teatro Alighieri in Ravenna, Kioi Hall and Bunka Kaikan in Tokyo, Kitara Concert Hall in Sapporo, Hyogo Performing Arts Center in Osaka, Salle Cortot in Paris, the Moscow Conservatory, and then in Salt Lake City, Istanbul, Barcelona, Rome, Milan etc. and with internationally famous orchestras such as Orchestra di Padova e del Veneto, Orchestra Sinfonica del Teatro della Fenice, I Virtuosi Italiani, the Tokyo Symphony Orchestra, the Nagoya Philharmonic Orchestra, the Kyoto Symphony Orchestra, the Prague Symphony Orchestra, the Pomeranian Philharmonic Orchestra, the Jerusalem Symphony Orchestra, and the Mitteleuropa Orchestra.

알렉산더는 베네치아의 라 페니체 극장, 토리노의 왕실 극장, 라벤나의 알리기에리 극장, 도쿄의 기오이 홀, 도쿄문화회관, 삿포로의 기타라 콘서트홀, 오사카의 효고현립예술문화센터, 파리의 코르토 홀, 모스크바 음악원 같은 가장 중요한 오페라 하우스들과 콘서트홀들, 솔트레이크시티, 이스탄불, 바르셀로나, 로마, 밀라노 등지에서 연주했으며 파도바-베네토 오케스트라, 페니체 극장 교향악단, 이 비르투오시 이탈리아니, 도쿄 교향악단, 나고야 필하모닉 오케스트라, 교토 교향악단, 프라하 교향악단, 포메라니안 필하모닉 오케스트라, 예루살렘 교향악단, 중부유럽 오케스트라 같은 국제적으로 유명한 오케스트라들과 협연했다.

Ebenso hat er bereits mit vielen weltweit berühmten Dirigenten musiziert: mit Yuri Temirkanov, Marek Pijarowski, Ken Takaseki, Anton Nanut, Tatsuya Shimono, Tomomi Nishimoto, Christopher Franklin, Marco Guidarini, Olivier Ochanin, En Shao, Ulrich Windfuhr, Giedrė Šlekytė˙, Gianluca Martinenghi, und Tiziano Severini.

He has also worked with some of the most famous conductors around the world including Yuri Temirkanov, Marek Pijarowski, Ken Takaseki, Anton Nanut, Tatsuya Shimono, Tomomi Nishimoto, Christopher Franklin, Marco Guidarini, Olivier Ochanin, En Shao, Ulrich Windfuhr, Giedrė Šlekytė˙, Gianluca Martinenghi, and Tiziano Severini.

그는 유리 테미르카노프, 마레크 피야로프스키, 겐 다카세키, 안톤 나누트, 다쓰야 시모노, 도모미 니시모토, 크리스토퍼 프랭클린, 마르코 귀다리니, 올리비에 오샤닌, 엔 샤오, 울리히 빈트푸어, 기에드레 실레키테, 지안루카 마르티넨기, 티치아노 세베리니 등 세계적으로 유명한 지휘자들과도 함께 일했다.

Er hat CDs für Suonare News und ALM Records Japan aufgenommen und seine Konzerte wurden von Rai Radio3, Rai3, Radio Vaticana, Radio Classica, ORF, RTV Slovenija und Radio Koper mitgeschnitten.

He has recorded for Suonare News, ALM Records Japan, and his concerts were broadcast by Rai Radio3, Rai3, Radio Vaticana, Radio Classica, ORF, RTV Slovenija and Radio Koper.

그는 수오나레 뉴스 및 ALM 레코드 저팬에서 음반을 녹음했으며 그의 연주회들은 Rai 라디오3, Rai3, 라디오 바티카나, 라디오 클라시카, ORF, RTV 슬로베니야, 라디오 코페르에서 중계되었다.

Zurzeit studiert er bei Pavel Gililov am Mozarteum Salzburg und ist Teilnehmer renommierter Meisterkurse, wie der „Eppan Piano Academy“ und der „Verbier Piano Academy“, die beide nur eine Handvoll ausgewählter Pianisten aus aller Welt aufnehmen.

He is currently studying with Pavel Gililov at Mozarteum Salzburg and participating in prestigious masterclasses such as the “Eppan Piano Academy” and “Verbier Piano Academy”, both limited to a very small number of selected pianists from around the world.

그는 현재 잘츠부르크 모차르테움에서 파벨 길릴로프를 사사하고 있으며, 전 세계에서 선택된 소수의 피아니스트만 받아들이는 “에판 피아노 아카데미”와 “베르비에 피아노 아카데미” 등 유명한 마스터클래스에 참가하고 있다.

Stimmen über Alexander Gadjiev:

What people are saying about him:

사람들이 그에 대해 말하는 것들은 다음과 같다.

„Alexander Gadjiev ist meiner Ansicht nach eine der wichtigsten Persönlichkeiten der europäischen Klavierkunst von heute. Er beherrscht das Gleichgewicht zwischen Farbe und Dynamik, Feinheit und Kraft, Kontrolle und Leidenschaft in Vollkommenheit. In Prokofievs spektakulärer Klaviersonate Nr. 7 setzt Gadjiev sich mit seiner überwältigen rhythmischen Energie durch, was an die Pracht sowjetischer Klavierkunst erinnert. Bei der Ballade Nr. 4 zeigt er seine Kenntnisse eines zauberhaften ‚mezza voce‘. Er enthüllt die kulturellen Prophezeiungen des letzten Werks Chopins mit impressionistischem Klang und und selbst den symphonischen Ravel meistert er in atemberaubender Weise.“ - Mario Messinis, Musikkritiker, nachdem Gadjiev den 30. Premio Venezia gewonnen hatte.

“Alexander Gadjiev is, in my opinion, one of the most important figures in modern European pianism. He has a perfect understanding of how to balance timbre and dynamics, subtlety and full-out playing, control and fervour. In Prokofiev‘s spectacular Piano Sonata No. 7, Gadjiev imposes himself with his overwhelming rhythmic energy, evoking the pomp of Soviet pianism. In Ballade No. 4, he is also familiar with the sorcery of ‚mezza voce‘, he uncovers the cultural prophecies of the last Chopin, right down to the impressionist sound, and even symphonic Ravel, in a dizzying upwards path.” - Mario Messinis, music critic, when Gadjiev won the 30th Premio Venezia

“알렉산더 가지예프는 내 생각에 현대 유럽 피아니즘에서 가장 중요한 인물 중 한 명이다. 그는 음색과 역동성, 미묘함과 완전한 연주(섬세함과 힘), 통제과 열정 사이의 균형을 완벽하게 마스터한다. 프로코피에프의 장엄한 피아노 소나타 7번에서 가지예프는 소비에트 피아니즘의 화려함을 불러일으키는 압도적인 리드미컬한 에너지로 자신을 몰아붙인다. 발라드 4번에서 그는 ‘메차 보체’(목소리를 [절반으로] 낮추어서 : 억제하여 약음으로 노래하라는 지시)에 대한 지식을 보여주는데, 쇼팽의 마지막 작품의 문화적 예언을 인상주의적인 사운드와 그가 마스터한 교향적인 라벨까지 숨 막히게 드러낸다.” - 마리오 메시니스, 가지예프가 제30회 프레미오 베네치아에서 우승할 당시의 음악 평론가

„Alexander hat die seltene Fähigkeit, das Publikum mit seinem erzählerischen Stil zu bezaubern. Seine Interpretation von Bach/Busonis Chaconne war einer der Höhepunkte des gesamten Wettbewerbs. Ich war regelrecht hypnotisiert. Gadjiev hat echte Eleganz und Leidenschaft“. - Sergey Babayan, weltbekannter Pianist und Jurymitglied des 9. Internationalen Hamamatsu Klavierwettbewerbs.

“Alexander has the rare ability to hypnotise the public with his narrative ability. His interpretation of Bach/Busoni‘s Chaconne was one of the high points of the entire competition. I was genuinely hypnotised by it. Gadjiev has true elegance and passion”. - Sergey Babayan, internationally famous pianist, when Gadjiev won the Ninth Hamamatsu International Piano Competition

“알렉산더는 스토리텔링 스타일로 청중을 매료시키는 드문 능력을 지니고 있다. 바흐/부조니의 샤콘느 해석은 콩쿠르 전체의 하이라이트 중 하나였다. 나는 완전히 최면에 걸렸다. 가지예프는 진정한 우아함과 열정을 지니고 있다.” - 가지에프가 제9회 하마마쓰 국제피아노콩쿠르에서 우승할 당시의 심사위원이자 세계적으로 유명한 피아니스트 세르게이 바바얀

„Seine Stärke liegt in der Originalität und Kreativität seiner Interpretation. Sie ist traditionell, geht aber weit über die konventionellen Beschränkungen der Musik hinaus.“ - Akiko Ebi, Vorsitzende des 9. Internationalen Hamamatsu Klavierwettbewerbs.

“His strength lies in the originality and creativity of his interpretation. It is based on tradition, but goes well beyond the traditional confines of music.” - Akiko Ebi, President of the Ninth Hamamatsu International Piano Competition

“그의 강점은 해석의 독창성과 창의력에 있다. 전통적이지만 기존의 음악적 한계를 훨씬 뛰어넘는다.” - 제9회 하마마쓰 국제피아노콩쿠르 심사위원장 아키코 에비

어쿠센스 레코드는 독일의 음반사로 교향악 위주이다.

Pro Piano Records / Esther Budiardjo - Godowsky Java Suite 1999

https://namu.wiki/w/%EC%9E%90%EB%B0%94%20%EB%AA%A8%EC%9D%8C%EA%B3%A1

https://www.youtube.com/watch?v=cG0GBHIpwvg&list=PLRxumvUx3zRRdb7XYofjEM5i1ADqYh0lu

https://s9.imslp.org/files/imglnks/usimg/4/4b/IMSLP03691-Godowsky_javasuite.pdf

Java Suite

Phonoramas: Tonal journey for the Pianoforte / 포노라마 - 피아노를 위한 음색 여행

1924~25년 작곡

뉴욕 출판 후 친구 제이 캠벨 필립스(Jay Campbell Phillips)에게 헌정

Preface / 머리말

“Though we travel the world over to find the beatufiul, we must carry it with us, or we find it not.” - Ralph Waldo Emerson

“아름다움을 찾기 위해 전 세계를 돌아다닌다 해도 자신의 것을 지니고 있지 않으면 찾을 수 없다.” - 랠프 월도 에머슨

Having traveled extensively in many lands, some near and familiar, others remote and strange, it occurred to me that a musical portrayal of some of the interesting things I had been privileged to see, a tonal description of the impressions and emotions they had awakened, would interest those who are attracted by adventure and picturesqueness and inspired by their poetic reactions.

가깝고 친숙한 곳부터 멀고 낯선 곳까지 많은 땅을 광범위하게 여행하면서, 볼 수 있어 영광이었던 흥미로웠던 것 중 몇몇 음악적인 초상화와 그 흥미로운 것들이 불러일으킨 인상과 감정에 대한 음색의 묘사가 떠올랐다. 그러한 여행은 모험과 운치에 마음이 끌리는 사람들과 그들의 시적인 반응에 영감을 얻는 사람들의 흥미를 자극하곤 한다.

Who is not at heart a globe-trotter?

내심 세계 여행가가 아닌 사람이 어디 있는가?

Are we not all fascinated by distant countries and strange people?

우리 모두 먼 나라와 낯선 사람들에게 매력을 느끼지 않는 건 아니지 않은가?

And so the thought gradually matured in me to recreate my roaming experiences.

그러자 마음 한 켠에서 나의 유랑 체험을 재현하고자 하는 생각이 점점 또렷해졌다.

This cycle of musical travelogues – tonal journeys – which I have named collectively “Phonoramas,” begins with a series of twelve descriptive scenes in Java. I have prefaced each with a brief elucidation.

전체를 통틀어서 “포노라마”[phono-(소리의)와 panorama(전경, 파노라마)의 합성어. '소리로 찍은 전경'이란 뜻.]라고 스스로 명명한 이 음악 여행기 ― 음색 여행 ― 전집은 자바섬에서 본 일련의 묘사적인 장면 12개로 시작하며, 각각의 곡마다 짧은 설명을 서문으로 남겨놓았다.

The Island of Java, called “The Garden of the East,” with a population of close to forty millions, is the most densely inhabited island in the world. It has a tropical, luxuriant vegetation; marvelous scenery and picturesque inhabitants; huge volcanoes, active and extinct; majestic ruins and imposing monuments of many centuries past.

거의 4천만 인구에 달하는 자바섬은 ‘동양의 정원’이라고도 불리며, 세계에서 가장 밀집도가 높은 섬이다. 무성한 열대 식물, 신기한 경치와 그림 같은 주민들, 거대한 활화산과 사화산, 수 세기 이전의 장엄한 유적과 인상적인 건축물을 볼 수 있다.

The Javanese are a docile people, with quaint customs and old traditions. Possessing an ancient culture, they combine originality with proficiency in various arts. It was, however, the native music of the Javanese, in the heart of Java, at Djokja, and Solo, that made the most profound impression on me.

자바 섬사람들은 유순한 사람들이며 진기한 풍습과 옛 전통을 갖고 있다. 고대 문화를 유지하면서도 예술의 다양한 방면에서 그들 고유의 것이 잘 녹아있는 모습을 볼 수 있다. 그러나 그중에서도 자바 중심부에 있는 족자와 솔로에서 본 자바의 고유 음악이 내게 가장 깊은 인상을 남겼다.

All Javanese music is in duple or quadruple time; triple time does not exist. Its sameness of beat and its monotony of pulsation have a lulling, hypnotizing effect; its poly-rhythms, syncopations, triplet-fingers and manifold passage-patterns help to stimulate interest. Most of Javanese music is based upon the pentatonic scale.

모든 자바 음악은 2박자이거나 4박자이며, 3박자는 존재하지 않는다. 그 음악의 리듬에서 보이는 동일성과 맥(脈)의 단조로움은 어르는 듯하면서 최면에 걸리는 듯한 효과가 있고, 폴리리듬, 당김음, 셋잇단 음형 및 여러 가지 악절 패턴들은 흥미를 한층 더 자극한다. 대부분의 자바 음악은 5음 음계를 바탕으로 짜여있다.

Of the twelve numbers of this suite, all of which are in duple or quadruple time (My twenty-four “Walzermasken” and the thirty numbers of my “Triakontameron” are triple time exclusively.), the first two dances of the “Three Dances,” “In the Kraton” and “A Court Pageant in Solo” are entirely diatonic; “Gamelan,” “Wayang Purwa,” and “Hari Besaar” and “Chattering Monkeys,” though mainly diatonic are not consistently so; “Boro Budur,” “Bromo Volcano,” the third of the “Three Dances,” “The Gardens of Buitenzorg,” “In the Streets of Old Batavia” and “The Ruined Water Castle at Djokja” are considerably more chromatic.

이 모음곡의 12개 곡에 대하여, 모든 곡은 2박자이거나 4박자이며(‘내 왈츠마스크 모음곡 24곡과 트리아콘타메론 모음곡 30곡은 오로지 3박자뿐이다.’), ‘3개의 무곡’ 중 전자 2개, ‘크라톤에서’ 및 ‘솔로에서의 궁전 가장행렬’은 완전히 온음계이다. ‘가믈란’, ‘와양 푸르와’, ‘하리 브사르’ 및 ‘재잘거리는 원숭이들’은 주로 온음계이지만 일관적이진 않다. 나머지 ‘보로부두르’, ‘브로모 화산’, ‘3개의 무곡’ 중 마지막 곡, ‘바위턴조르흐의 식물원’, ‘오래된 바타비아의 거리에서’ 및 ‘족자의 폐허가 된 물의 궁전’은 반음계가 상당히 가미되어있다.

Although some of the following compositions, or parts thereof, express my impressions in the native music-idiom “as I understood it, I have neither borrowed nor imitated actual Javanese tunes, designs or harmonies in any of the movements excepting the third: Hari Besaar. Here I made use of two fragments of authentic Javanese melodies, one called Krawitan:

본 모음곡 중에서 몇몇 혹은 곡의 일부는 내 개인적인 인상을 내가 이해한 대로, 내가 알고 있는 음악 용어로 표현한 것일 뿐, 제3번 ‘하리 브사르’를 제외한 어느 곡에서도 실제 자바의 곡조, 구상 또는 화음을 차용하거나 모방하지 않았음을 밝힌다. 이하 ‘하리 브사르’에 이용한 실제 자바의 멜로디 중 일부를 소개하고자 한다. 하나는 크라위탄[인도네시아 음악 문서를 보면 알 수 있지만 카라위탄(karawitan)의 오기로 보인다.]이며

the other, Kanjut:

다른 하나는 칸윳이다. (네덜란드령 당시의 철자법이며, 오늘날 철자법으론 kanyut이 맞다.)

I also used two measures from a Javanese Rhapsody for orchestra, composed by Paul Seelig of Bandong, Java, to whom I take pleasure in expressing my indebtedness for valuable information about Javanese music.

이와 더불어 자바 음악에 대해 귀중한 정보를 알려주신 은혜에 대한 감사의 표현으로써 반둥 지역에 사는 파울 셀리흐의 작품 <오케스트라를 위한 자바 광시곡>의 두 마디를 기꺼이 차용했음을 밝힌다.

Leopold Godowsky, New York, May 27th, 1925.

레오폴드 고도프스키, 1925년 5월 27일 뉴욕에서

1부

I. Gamelan / 가믈란

Native music, played by the Javanese on their indigenous instruments, is called “Gamelan”. The Javanese ensemble is a kind of exotic orchestra, consisting mainly of diversely shaped and constructed percussive instruments of metal, wood and bamboo, comprising various kinds and sizes of bells, chimes, gongs, sounding boards, bowls, pans, drums (some barrel-like), tomtoms, native xylophones, sonorous “alang-alang” (zephyr-like, aeolian harp-like) and other unique music implements. The only stringed instrument I could discern was the ancient, guitar-shaped “rebab”, which is held by the leader in a position similar to that of the lute.

가믈란은 자바섬의 토속 악기들로 연주되는 고유 음악이다. 그 음악의 합주단은 이국적인 오케스트라 같으며, 주로 다양한 모양과 구성을 갖춘 금속제, 목제 및 죽제(竹製) 타악기들로 이루어져 있고, 종류와 크기가 다양한 벨, 차임, 징, 공명판, 볼, 팬, 북(맥주통처럼 생긴), 탐탐, 실로폰, 낭랑한 알랑알랑(제피르, 에올리언 하프 같은 것) 등 기타 독특한 음악 도구가 포함되어있다. 내가 알아볼 수 있었던 유일한 현악기는 원시 기타 모양의 르밥이었는데, 합주단의 리더가 연주하며 류트 연주자와 비슷한 역할을 한다.

Both rulers of the two Sultanates of central Java: the Susuhunan of Solo and the Sultan of Djokja, and the two independent princes, Manku Negoro (Mangkunegara) of Solo and Paku Alam of Djokja, have the best, largest and most complete native orchestras (Gamelan). They own old instruments of inestimable value, the enchanting sonority of which is attributable to the mellowing process of time.

중부 자바의 옛 왕국 중 솔로 지역의 군주 수수후난과 왕자 망쿠느가라, 족자 지역의 군주 술탄과 왕자 파쿠알람이 가장 뛰어나고 규모가 큰, 완전체의 전통 오케스트라(가믈란)를 갖고 있었다. 그들은 더없이 귀중한 옛 악기들을 갖고 있었고, 그 고혹적인 울림은 오랜 시간을 거치면서 무르익어온 것이었다.

The sonority of the “Gamelan” is so weird, spectral, fantastic and bewitching, the native music so elusive, vague, shimmering and singular, that on listening to this new world of sound I lost my sense of reality, imagining myself in a realm of enchantment. Nothing seen or experienced in Java conveyed so strongly the mysterious and strange character of the island and its inhabitants.

가믈란의 울림은 참으로 기묘하고 기괴하면서 환상적이고도 황홀했고, 자바 고유의 음악은 너무나도 갈피를 잡을 수 없었고 모호하며 아른거리고 특이했기에, 이 새로운 소리의 세계를 듣고 있노라면 나 자신으로 하여금 현실감을 상실한 채 마법의 나라에 빠진 듯한 착각을 불러일으켰다. 자바에서 보고 경험했던 것 중 섬과 섬 주민들의 불가사의하고 기이한 개성을 이만큼 강렬하게 전달했던 것은 없었다.

The “Gamelan” produces most ethereal pianissimos, particularly entrancing when heard from a distance. It is like a perfume of sound, like a musical breeze. Usually the music, beginning very softly and languidly, becomes faster and louder as the movement progresses, rising, at last, to a barbaric climax.

가믈란은 특히 멀리서 들었을 때 황홀감에 사로잡히게 만드는 천상의 피아니시모를 만들어낸다. 마치 소리의 향기, 음악의 산들바람처럼 다가온다. 보통 매우 부드럽고 노곤하게 시작하는 그 음악은 곡이 진행됨에 따라 점점 빨라지고 소리가 커져, 마침내 야만적인 절정에 도달한다.

In this, the first of the descriptive scenes, I have endeavored to recreate a “Gamelan” sonority – a typically Javanese atmosphere. Except for the one chromatic variation (pages 9-10), which is intentionally Occidental, the movement is almost exclusively diatonic and decidedly Oriental (Far Eastern).

나는 이 묘사적인 장면의 서막에 전형적인 자바 분위기의 가믈란 울림을 재현하기 위해 노고를 아끼지 않았다. 의도적으로 서양 분위기를 내기 위해 도입한 반음계적인 변주(9~10쪽)를 제외하고, 곡은 거의 전적으로 온음계 구성이며 단언컨대 동양(동아시아 지역)적이다.

II. Wayang-Purwa (Puppet Shadow Plays) / 와양 푸르와 (그림자 인형극)

This ancient, characteristically Javanese quasi-historic entertainment, produced on festive occasions, is very popular in Java. It symbolises to the Javanese their past historical greatness; their hopes, aspirations and national solidarity. To the subdued accompaniment of the “Gamelan”, the “Dalang”, - manager, actor, musician, singer, reciter and improvisator, all in one, - recites classic Hindu epics, or modernized and localized versions of them, or other mythical or historical tales and East Indian legends, while grotesque, flat leather puppets throw shadows on a white screen to interpret and illustrate the reciter’s stories. These puppets the “Dalang” manipulates by means of bamboo rods. Wayang-Purwa is somewhat of a combination of “Punch and Judy” and Chinese shadows.

자바의 준연극적인 연출이 특징적인 이 오락거리는 유구한 역사가 있고, 축제 때 선보여지며 매우 대중적이다. 이 인형극은 자바인들의 과거 역사상 중요한 것들, 이를테면 그들의 희망, 염원, 국민의 단결과 같은 것들을 상징적으로 담아낸다. 가믈란의 은은한 반주에 맞춰, 달랑 ― 감독, 배우, 악기, 노래, 낭송 및 즉흥시를 모두 하는 사람 ― 이 고전 힌두의 서사시나 그것의 현대화, 현지화된 버전, 신화나 역사적인 이야기, 동인도의 전설 등을 낭송하고, 이와 함께 괴이하고 납작한 가죽 인형들의 그림자가 흰 화면 너머로 비치며 낭송자의 이야기를 해석하고 보여준다. 이 인형들은 대나무 막대기가 달려있고 달랑은 이것을 이용해서 조종한다. 와양 푸르와는 <펀치와 주디> 인형극과 중국의 그림자극을 합친 것과도 같다.

III. Hari Besaar (The Great Day) / 하리 브사르 (멋진 날)

The Kermess – the Country Fair – is here.

케르메스 ― 지역 축제 ― 가 왔다.

From plantations and hamlets natives flock to the town that is the center of the bright, joyous celebrations, naive, harmless amusements. They throw themselves eagerly into the whirl of festivities, enjoying the excitement and animation.

농장과 촌락에서 주민들이 도시로 몰려와 그야말로 밝고 기쁨이 넘치는 축제의 장이 되며 순진하고 천진난만한 놀이가 펼쳐진다. 그들은 흥분과 활기를 즐기며 잇따른 축제 행사에 열렬히 몸을 던진다.

Actors, musicians, dancers and fakirs contribute to the pleasures of the people and to the picturesqueness of the scene.

배우들, 악사들, 무용수들과 고행자들이 사람들의 기쁨과 그 현장의 운치를 만들어내는 데에 일조한다.

The Great Day – “Hari Besaar!”

멋진 날이다 ― 하리 브사르!

IV. Chattering Monkeys at the Sacred Lake of Wendit / 원딧의 성스러운 호수에서 재잘거리는 원숭이들

The Sacred Lake of Wendit is several miles distant from the attractive little city Malang. In the woods, near the lake, we find ourselves in one of the numerous Simian colonies of Java, among the aborigines of the forest, enjoying an intimate view of their tribal life. On every side are jabbering monkeys, hundreds of them, jumping from tree to tree, running up and down the trunks and branches, while others, nearer the ground, are springing on and off the roofs of the small hotel and the bath houses, snatching bananas from the visitors.

원딧의 성스러운 호수는 매력적인 작은 도시 말랑에서 수 마일 떨어진 곳에 있다. 우리는 호수 근처의 숲에서, 자바의 숲에 사는 원주민인 많은 원숭이 무리 중 한 무리에 끼어있다는 것을 깨닫는다. 그들은 그들의 부족적인 삶을 바라보는 사람들의 친근한 눈빛을 즐기고 있다. 사방팔방이 쫑알대는 원숭이들로 가득하고, 수백 마리의 떼가 이 나무 저 나무로 옮겨 다니거나 나무줄기와 나뭇가지를 오르락내리락하며, 한편으로 길거리에 좀 더 가까이 있는 다른 무리는 간헐적으로 작은 호텔이나 목욕탕 지붕을 뛰어 오르내리며 관광객들의 바나나를 가로채곤 한다.

The scene is full or humor, fun and animation.

그 광경은 익살, 재미 그리고 활기로 가득하다.

2부

V. Boro Budur in Moonlight / 달빛 속의 보로부두르

On a sacred hill, in the heart of Java, some thirty miles from Djokja, stand the colossal ruins of the most imposing and gigantic Buddhist monument in existence, the world-famous temple of Boro Budur, “The Shrine of the Many Buddhas.” No matter how “blasé” the weary traveler may be, he cannot fail to be stirred and bewildered by the stupendous masonry and by the hundreds of sculptured Buddhas, images and bas-reliefs. The amazing dimensions and incredible craftsmanship enrapture the senses; the loftiness of conception, the luxuriance of imagination thrill the beholder.

족자에서 약 30마일(50km) 떨어진 자바 중심부의 성스러운 언덕에, 현존하는 것 중 가장 인상적이고 거대한 불교 기념물의 어마어마한 유적이 우뚝 서 있다. 그것은 바로 ‘수많은 부처의 성지’라 불리며 세계적으로 유명한 보로부두르 사원이다. 피곤해진 여행가가 아무리 싫증이 났다 한들, 거대한 석조와 수백 개의 부처 조각상, 그림, 얕은 양각들에 동요하지 않고 당황하지 않을 수는 없을 것이다. 그 놀라운 규모와 믿기지 않는 솜씨는 오감을 황홀하게 만들며, 그 구상의 고상함, 상상력의 풍부함은 구경꾼으로 하여금 전율을 느끼게 한다.

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In moonlight, Boro Budur is most fantastic. An uncanny, eerie, melancholy mood permeates the whole atmosphere. Deep silence and a sense of strangeness and out-of-the-worldness contribute to the impression of utter desolation and to the feeling of inevitable decay and dissolution of all things earthly, the hopeless struggle of human endeavor against eternity.

보로부두르는 달빛을 받았을 때가 가장 환상적이다. 묘하고 으스스하며 음침한 분위기가 온 공간으로 스며든다. 깊은 침묵과 이상한 기분, 그리고 다른 세계에 있는 듯한 느낌은 그야말로 황량한 인상을 자아내며, 불가피한 쇠퇴와 세속적인 모든 것의 소멸, 불멸을 갈망하는 인류의 절망적인 분투에 대한 허무함을 고무시킨다.

VI. The Bromo Volcano and the Sand Sea at Daybreak / 브로모 화산과 새벽의 모래 바다

Reaching the Sand Sea from Tosari, the most famous mountain resort in Java, we crossed the sea of sand, perhaps the vastest amphitheatre in the world, arriving at the Bromo crater at dawn.

자바의 산악 휴양지로 가장 유명한 토사리에서 모래 바다(당연한 얘기지만 비유적인 표현이다. 브로모 화산 분화구 주변에 모래 언덕이 굉장히 넓게 깔려있다.)에 다다르자, 세계에서 가장 광대할지도 모르는 원형 경기장 같은 광경이 펼쳐졌다. 우리는 그 모래로 된 바다를 건너 새벽에 브로모 화산의 분화구에 도착했다.

A marvelous sunrise enhanced the terrifying hugeness and transcendental grandeur of this awe-inspiring panorama. The boiling, roaring, rumbling subterranean forces, seething and spouting up from abysmal depths, the sulphurous vapors and dense clouds, spreading steadily and menacingly over the horizon, suggested scenes from Dante’s Interno, and brought to realization the fact that cataclysmic activities, everlasting fires in the bowels of the earth, threaten all that is alive.

그 경외심을 불러일으키는 전경은 섬뜩할 정도로 거대하고 초월적으로 장엄한데, 경이로운 일출이 그 분위기를 한층 고조시켰다. 한없이 깊은 곳에서 요동치며 증기를 뿜어대고 팔팔 끓어올라 으르렁거리며 천둥이 치는 듯한 지하 세계의 기세, 지평면으로 서서히 위협적으로 퍼져나가는 유황(지옥불 같은) 증기와 짙은 구름이 단테의 지옥의 한 장면을 연상케 했다. 그리고 그것은 대격변을 일으키는 화산 활동과 땅속에서 끝없이 타오르는 불길이 살아있는 모든 것을 위협한다는 사실을 실감 나게 했다.

The appalling thought of the frailty of all human institutions was overwhelming. Cui Bono?…….

모든 인류 제도의 나약함에 대한 끔찍한 생각은 너무나 압도적이었다. 그게 다 무슨 소용인가?…….

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But the bright sun, shedding its glorious light and dispelling all fear and gloom, changed the feeling of a crushing futility into an ecstatic triumphal ode. The mere consciousness that such elemental powers exist alleviates the pain of living. An overpowering feeling of humility, of compassion and tenderness toward all things alive, a passionate adoration for the unknown source of all consciousness, filled the soul.

그때, 눈 부신 빛을 비추며 모든 공포와 어둠을 불식시키는 밝은 햇빛이 참담한 허무감을 황홀한 개선가로 바꾸어놓았다. 그런 근본적인 힘이 존재한다는 의식만으로도 삶의 고통은 완화되었다. 압도적으로 겸허해지는 감정, 살아있는 모든 것들에 대한 동정 그리고 다정함, 모든 의식에 대한 미지의 근원을 향한 열렬한 숭배가 영혼을 가득 채웠다.

And then we returned…….

그리고 우리는 돌아왔다…….

3부

VII. Three Dances / 3개의 무곡

It is doubtful if there is a people in any part of the world whose innermost feelings are so wholly revealed in their dances as are the Javanese.

자바 사람들처럼 자신의 가장 내밀한 감정을 그들의 춤으로 아주 완전히 다 드러내는 사람들이 세상 어딘가에 또 있을지는 모르겠다.

And whether religious or secular, warlike or peaceful, spiritual or sensuous, these dances are always beautiful.

또한, 종교적이든 세속적이든, 호전적이든 평화적이든, 고상하든 관능적이든 그들의 춤은 항상 아름답다.

The first of the “Three Dances” expresses the languor and melancholy of the Far East; the second, the grace and charm of the Oriental dancers; the third, their poetry and tenderness, translated into an Occidental idiom.

‘3개의 무곡’ 중 첫 번째 곡은 동아시아 지역의 음울함과 비애를, 두 번째 곡은 동양 무용수들의 품위와 매력을, 세 번째 곡은 우아함과 다정함을 각각 서양 음악 양식으로 번역해서 표현한 것이다.

VIII. The Gardens of Buitenzorg / 바위턴조르흐 식물원

Buitenzorg, meaning “Sans Souci” and pronounced Boy-ten-sorg, forty miles from Batavia, is the country capital of Java, where the Coverner-General of the Dutch East Indies has his residence. His spacious palace is situated in a large park which forms part of the most famous Botanical Gardens in the world.

‘무사태평’을 의미하며 ‘바위-턴-소르흐’라 발음[발음기호가 bœy̯.tənzɔrx(뵈위턴조르흐)이므로 사실 이 발음표기도 틀렸다(……). 여담으로 네덜란드어 문서에도 나와 있듯이 œy는 거의 '아위'처럼 발음하는 경향이 있어 실제론 ‘바위턴조르흐’에 가깝게 들린다.]하는 바위턴조르흐(현 보고르)는 자바의 국가 수도인 바타비아(현 자카르타)에서 40마일(64km) 떨어진 곳에 있으며, 네덜란드령 동인도 제도 총독의 저택이 있는 곳이다. 그의 널따란 대저택은 세계에서 가장 유명한 식물원 일부를 구성하는 큰 공원에 있다.

The finest collection of tropical trees, plants and flowers is to be found in the gardens of this distant corner of our Earth. The profusion, richness, magnificence and beauty of this strange horticultural world are unparalleled.

열대 목본, 초본, 화초들의 최상급 컬렉션을 우리 지구의 이 먼 외딴 정원에서 찾아볼 수 있다. 이 낯선 원예 세계의 풍부함, 풍성함, 장엄함과 아름다움은 독보적이다.

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The fragrant frangipanis, the white tuberoses (the Malay call them “The Charmers of the Night”) and a bewildering number of other most delicately scented flowers intoxicate the senses.

향기로운 플루메리아, 흰 월하향(말레이 사람들은 ‘밤의 미녀’라고 부른다) 그리고 정신이 혼미해질 정도로 많은 수의 기타 은은한 향기를 내는 꽃들이 감각을 마비시킨다.

The heavily perfumed air awakens an inexpressibly deep and painful yearning for unknown worlds, for inaccessible ideals, for past happenings irrevocably gone – these memories which the ocean of time gradually submerges and finally buries in oblivion......

묵직한 향기로 가득해진 공기가 미지의 세계, 다가갈 수 없는 이상(理想), 돌이킬 수 없이 떠나버린 과거의 사건들 ― 시간의 바다가 점차 잠겨 끝내 망각 속에 묻혀버린 그런 기억들에 대해 형용할 수 없을 정도로 깊고 고통스러운 열망을 불러일으킨다.

Why do certain scents produce unutterable regrets, insatiable longings, indefinable desires?

왜 어떤 향기들은 말로 표현할 수 없는 후회와 만족할 줄 모르는 갈망, 설명하기 힘든 욕망을 만들어내는 것일까?

IX. In the Streets of Old Batavia / 오래된 바타비아의 거리에서

To stroll in the old streets of lower Batavia is an exhilarating experience. As we wander near the seashore, through the crowded bazaars and busy, narrow streets, many of which are intersected by bricked canals lined with weather-beaten buildings in the Dutch style, we meet exotic crowds, consisting mainly of Chinese, Arabs, natives and other Asiatics, interspersed with Europeans, of whom the Dutch form a large majority.

바타비아 저지대의 오래된 거리를 산책하는 것은 신나는 경험이다. 바닷가 근처를 거닐며, 사람들로 붐비는 시장 거리와 번화하고 좁은 골목, 비바람을 견뎌낸 네덜란드식 건물을 따라 벽돌 수로로 가로질러진 수많은 곳을 지나, 이국적인 사람들을 만난다. 그들은 주로 중국인, 아랍인, 자바인과 기타 아시아인들이고 네덜란드인이 대다수를 차지하는 유럽인들이 드문드문 있다.

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A ramble through the hectic Chinese quarter leads us to a quiet and contemplative corner of the Arab settlement. Another turn brings us to the native quarter. And when the bazaars are reached, a kaleidoscopic, multifarious conglomeration of humans bewilders even the most seasoned globe-trotter.

정신없는 중국인 거리를 거닐다 보면 아랍인들의 정착지가 있는 조용하고 명상적인 외딴곳에 도달한다. 또 다른 곳으로 발길을 돌리면 자바인들의 거리가 나타난다. 그리고 시장 거리에 도착하면, 만화경 같고 다채로운 사람들의 복합체가 세계 여행 전문가라 자부하는 사람마저 당혹스럽게 만든다.

4부

X. In the Kraton / 크라톤에서

Surakarta, popularly called Solo, and Djokjakarta, commonly shortened to Djokja, are the most important and interesting native cities in Java.

속칭 솔로라 불리는 수라카르타와 흔히 족자라 불리는 욕야카르타는 자바에서 가장 중요하고 흥미로운 고유의 도시이다.

The greatest ruler – The Susuhunan – resides in Solo, while the next in importance, the Sultan of Djokja, lives in the last named capital. In the heart of each capital is a vast enclosure called the “Kraton”, in which the potentate has his palaces and wherein dwell besides the Sultan, Sultana and princes and princesses, his numerous concubines, slaves and servants, court officials, nobles, musicians, actors, dancers, workmen, tradespeople and many individuals with indefinable occupations. Each “Kraton” has a population of between ten and fifteen thousand, the ensemble constituting a court of huge dimensions.

가장 위대한 군주 수수후난은 솔로 지역에 거주한 한편, 그다음으로 중요한 족자의 술탄은 마지막 유명 수도에서 살았다. 각 수도 중심지에는 크라톤이라 불린 광대한 담이 있는데, 군주는 그곳에 그의 궁전을 짓고 술탄뿐만 아니라 술타나(여자 술탄)와 왕자 및 공주, 수많은 첩, 노예와 하인, 궁정 직원, 귀족, 음악가, 배우, 무용수, 일꾼, 상인 그리고 정의하기 힘든 직업을 가진 많은 사람이 살았다. 각 크라톤에는 10,000~15,000명에 달하는 인구가 있었고, 그 전체가 큰 궁전의 구성원이었다.

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It is evening. Quaint scenes charm our vision. Faint sounds of the entrancing “Gamenal” fill the fragrant air. The seemingly unreal reality casts a hypnoti spell over our consciousness.

저녁이 되었다. 진기한 장면이 우리의 시선을 사로잡는다. 넋을 빼앗는 가믈란의 희미한 소리가 향긋한 공기를 가득 채운다. 겉보기엔 비현실적인 현실이 우리의 의식에 완전히 최면 주문을 걸어 놓는다.

There is poetry in every ebbing moment.

서서히 사그라지는 그 모든 순간에 시적 감흥이 있다.

It is evening in the Orient…….

동양의 저녁이다…….

XI. The Ruined Water Castle at Djokja / 족자의 폐허가 된 물의 궁전

Near the “Kraton” of Djokja, deserted, fallen into decay, stand the mouldy and crumbling remains of the once resplendent Water Palace, with its murmuring fountains and splashing cascades, with its aquatic pranks and air-filling scents of exotic flowers.

족자의 크라톤 근처에는, 한때 찬란했던 물의 궁전이 버려지고 쇠퇴하여 케케묵고 부스러져가는 유적으로 남아있다. 졸졸 흐르는 분수와 사방으로 물이 튀는 작은 폭포, 물장난과 공기를 가득 메우는 이국적인 꽃들의 향기와 함께.

Where once was merriment, there is now the mystery and romance of vanished days, the sadness of evanescent pleasures.

한때는 유쾌했던 곳, 여기는 이제 사라진 나날의 미스터리와 로맨스, 덧없는 쾌락의 슬픔이 되었다.

The fountains and cascades murmur memories of yesterdays – yearning for past joys, mourning for departed love…….

분수와 작은 폭포가 지난날의 기억들을 속삭인다 ― 과거의 기쁨에 대한 동경, 세상을 떠난 연인에 대한 애도를…….

XII. A Court Pageant in Solo / 솔로에서의 궁전 가장행렬

The pomp, bombast and gorgeousness of a royal procession on a festive occasion or court function in either of the two native capitals make a dazzling and grotesque spectacle. The exuberance and abandon of the natives, the force and charm of the native rhythms, challenge description.

두 왕국의 수도 중 한 곳에서 축제 혹은 궁전 행사 때 볼 수 있는 왕실 행진의 장관과 거창함 그리고 현란함은 휘황찬란하면서 기이한 볼거리를 만들어낸다. 자바인들의 윤택함과 자유분방함, 자바 고유 리듬의 힘과 매력이 그 장면의 묘사 욕구를 자극한다.

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The clanging and clashing march opens the event. Strongly emphasized in the middle section (F sharp minor) of this closing composition, is that strain of sadness ever present in the music of the Orient. The hilarious mood is resumed with the “Futago”, which leads back to an intensified version of the barbaric march.

댕댕거리고 쨍그랑거리는 행진이 행사의 시작을 알린다. 이 엔딩곡의 중간 파트(올림 바 단조)에 강렬하게 강조된 것은 동양의 음악에 항상 존재하는 슬픈 선율이다. 신나는 분위기가 “푸가토”(푸가 양식으로 시작하는 파트)와 함께 다시 시작되고, 이내 야만적인 행진의 강화된 버전으로 되돌아간다.

And here these tonal journeys come to an end.

그리고 여기서 이 음색 여행은 끝을 맺는다.

Track

01 Godowsky Java Suite, Part I: Gamelan / 고도프스키 <자바 모음곡> 1부 - 가믈란

02 Godowsky Java Suite, Part I: Wayang-Purwa (Puppet Shadow Plays) / 고도프스키 <자바 모음곡> 1부 – 와양 푸르와 (그림자 인형극)

03 Godowsky Java Suite, Part I: Hari Besaar (The Great Day) / 고도프스키 <자바 모음곡> 1부 - 하리 브사르 (멋진 날)

04 Godowsky Java Suite, Part II: Chattering Monkeys at the Sacred Lake of Wendit / 고도프스키 <자바 모음곡> 2부 - 원딧의 성스러운 호수에서 재잘거리는 원숭이들

05 Godowsky Java Suite, Part II: Boro Budur in Moonlight / 고도프스키 <자바 모음곡> 2부 - 달빛 속의 보로부두르

06 Godowsky Java Suite, Part II: The Bromo Volcano and the Sand Sea at Daybreak / 고도프스키 <자바 모음곡> 2부 - 브로모 화산과 새벽의 모래 바다

07 Godowsky Java Suite, Part III: 3 Dances - I. Moderato / 고도프스키 <자바 모음곡> 3부 - 3개의 무곡 1번 (보통 빠르기로)

08 Godowsky Java Suite, Part III: 3 Dances - II. L'istesso tempo / 고도프스키 <자바 모음곡> 3부 - 3개의 무곡 2번 (앞의 곡과 똑같은 빠르기로)

09 Godowsky Java Suite, Part III: 3 Dances - III. Doppio movimento / 고도프스키 <자바 모음곡> 3부 - 3개의 무곡 3번 (두 배의 빠르기로)

10 Godowsky Java Suite, Part III: The Gardens of Buitenzorg / 고도프스키 <자바 모음곡> 3부 - 바위턴조르흐 식물원

11 Godowsky Java Suite, Part III: In the Streets of Old Batavia / 고도프스키 <자바 모음곡> 3부 - 오래된 바타비아의 거리에서

12 Godowsky Java Suite, Part IV: In the Kraton / 고도프스키 <자바 모음곡> 4부 - 크라톤에서

13 Godowsky Java Suite, Part IV: The Ruined Water Castle at Djokja / 고도프스키 <자바 모음곡> 4부 - 족자의 폐허가 된 물의 궁전

14 Godowsky Java Suite, Part IV: A Court Pageant in Solo / 고도프스키 <자바 모음곡> 4부 - 솔로에서의 궁전 가장행렬

15 Tansman Novelettes No. 3 Exotique (Danse Javanaise) / 탄스만 노벨레테 3번 <이국적인> (자바 춤곡)

16 Tansman: Le tour du monde en miniature No. 9 La flute de bambou dans la foret de Bandoeng (Java) / 탄스만 <소품 세계 일주> 9번 <반둥 숲의 대나무 피리> (자바)

17 Tansman: Le tour du monde en miniature No. 10 Le Gamelang de Bali (Waiang - Theatre d'Ombres) / 탄스만 <소품 세계 일주> 10번 <발리의 가믈란> (와양 - 그림자 인형극)

Balmy air filled with the fragrance of frangipani blossoms; awesome panoramas of smoldering volcanoes, majestic ruins, dense forests and manicured rice paddies; the rich tapestry of color, sound, and movement of teeming cities where the pace of life flows with a slower yet vital non-Western rhythm; an ancient culture where art, religion, story-telling and entertainment merge; glistening, fluid music of gongs and chimes that impart a sense of immediacy and timelessness – this is Java, the birthplace of pianist Esther Budiardjo. Three-quarters of a century ago, the beauties of this exotic land enthralled and inspired another pianist to create a unique sonic travelogue.

플루메리아 꽃향기로 가득 찬 상쾌한 공기. 이글거리는 화산, 장엄한 폐허, 울창한 숲과 잘 ​​손질된 논의 멋진 파노라마. 생명의 속도가 상대적으로 느리지만 생생한 비서구적 리듬으로 흐르는 번화한 도시들의 색채, 소리, 움직임의 풍부한 태피스트리(여러 가지 색실로 그림을 짜 넣은 직물. 또는 그런 직물을 제작하는 기술). 예술, 종교, 이야기 구조, 놀이가 어우러지는 고대 문화. 즉각적이고 시간을 초월한 느낌을 주는 징과 차임의 반짝이는 부드러운 음악. – 이곳은 피아니스트 에스더 부디아르조의 출생지인 자바이다. 75년 전에 이 이국적인 땅의 아름다움에 매료되어 또 다른 피아니스트에게 영감을 준 독특한 소리 여행기가 만들어졌다.

Leopold Godowsky possessed one of history’s most perfect keyboard techniques. Colleagues commented that he “had the knack of doing apparently impossible things with the utmost ease.” For him, bringing out three different rhythms, melodies or gradations of tone with one hand was no problem. His own incredibly different compositions brimmed with contrapuntal complexities and elaborate detail, but they were unfailingly pianistic.

레오폴드 고도프스키는 역사상 가장 완벽한 건반 테크닉 중 하나를 소유했다. 동료들을 그가 “불가능해 보이는 것들을 최대한 쉽게 해내는 재주가 있었다”라고 말한다. 그에게는 한 손으로 세 가지 다른 리듬, 멜로디, 조성의 단계적 변화를 꺼내는 것이 문제가 되지 않았다. 그 자신의 믿을 수 없을 정도로 다른 작품들은 대위법적 복잡성과 정교한 디테일로 가득 차 있지만, 틀림없이 피아노 연주에 적합했다.

Travel became an integral part of Godowsky’s life when the nine-year-old’s recital debut led to a concert tour of Germany and his Polish homeland. His first American tour came five years later during the 1884-85 season. He lived in Paris for four years, then spent the 1890s teaching in New York, Philadelphia, and heading the piano department at the Chicago Conservatory (1895-1900). The new century beckoned with European tours and home bases in Berlin and Vienna. After World War I, he indulged his love for traveling and performing on a grand scale by touring Europe, South America and Asia.

여행은 9세의 리사이틀 데뷔가 독일과 그의 폴란드 고향의 콘서트 투어로 이어졌을 때 고도프스키의 삶에 없어서는 안 될 부분이 되었다. 그의 첫 미국 투어는 5년 후인 1884~85 시즌에 이루어졌다. 그는 4년 동안 파리에서 살았고, 1890년대에 필라델피아와 뉴욕에서 가르쳤으며, 1895~1900년에는 시카고 음악원 피아노과를 이끌었다. 새로운 세기는 베를린과 비엔나의 유럽 투어와 본거지로 손짓했다. 1차 세계대전 이후에는 유럽, 남아메리카, 아시아를 순회하며 대규모 공연과 여행에 대한 애정을 드러냈다.

In the mid-1920s, Godowsky created his “Java Suite” – a mosaic of twelve finely wrought keyboard miniatures which encapsulated impressions of interesting things he had seen and emotions they awakened. Approaching the work, the performer confronts an ocean of notes and a sea of expression marks, pedal indications and fingerings, intended to convey the subtleties of Javanese scenes and the ethereal pianissimos of the bewitching “Gamelan”, portrayed in the opening piece and lurking throughout the score.

1920년대 중반에 고도프스키는 자신이 본 흥미로운 것들과 그것들이 깨우친 감정에 대한 인상을 요약한 12개의 정교하게 제작된 키보드 미니어처의 모자이크인 <자바 모음곡>을 만들었다. 작품에 다가가면 연주자는 시작 부분에 묘사되고 악보 전체에 숨어 있는 자바의 풍경들의 세부 요소들과 황홀감에 사로잡히게 만드는 <가믈란>의 천상의 피아니시모를 전달하기 위한 음들의 대양, 표현 표시와 페달 표시와 운지법의 바다와 마주한다.

It is impossible to move about Java without hearing the elusive, shimmering music of the gamelan, an orchestra consisting mainly of percussion instruments. Long-note melodies of large, more sonorous gongs and bonangs underpin the faster-tempo of clinking tunes from small xylophone-like genders. From leisurely beginnings to barbaric climaxes and clanging chords of 2nds and 9ths, the piano perfectly renders the ever-changing liquid melodies and the lulling sameness of duple and quadruple beats of this hypnotically sinuous music.

주로 타악기로 구성된 오케스트라인 가믈란의 모호한 아른거리는 음악을 듣지 않고는 자바를 돌아다닐 수 없다. 더 크게 울려 퍼지는 징과 보낭의 긴 음 멜로디는 작은 실로폰 같은 겐더가 짤랑거리는 곡들의 빠른 템포를 뒷받침한다. 매우 부드럽고 노곤하게 시작하여 곡이 진행됨에 따라 점점 빨라지고 소리가 커져, 마침내 야만적인 절정에 도달하며 2도와 9도의 덜컹거리는 화음들에 이르기까지, 피아노는 끊임없이 변하는 유려한 멜로디와 이 최면을 거는 듯한 물결 모양의 음악의 2중 및 4중 박자의 잔잔한 동일성을 완벽하게 표현한다.

One of the most popular and sophisticated arts in Java, “Wayang-Purwa” (Puppet Shadow Plays) boasts roots in ancient beliefs that shadows are manifestations of ancestral spirits. Producer, ventriloquist, conductor, puppeteer, historian, comedian, story-teller and master of improvisation, the “dalang” manipulates flat leather puppets from behind a white screen, provides the voices for all characters, and injects humor and social commentary into a phantasmagoric world of Hindu epics and mythical tales.

자바에서 가장 인기 있고 정교한 예술 중 하나인 <와양 푸르와>(그림자 인형극)는 그림자가 조상의 영혼을 나타내는 것이라는 고대 신앙에 뿌리를 두고 있다. 제작자, 복화술사, 지휘자, 인형극 공연자, 역사가, 희극인, 이야기꾼이자 즉흥 연주의 대가인 “달랑”은 하얀 스크린 뒤에서 평평한 가죽 인형을 조종하고, 모든 캐릭터에 목소리를 제공하며, 힌두교 서사시와 신화 이야기의 주마등 같은 세계에 유머와 사회적 논평을 주입한다.

Fragments of “Krawitan” and “Kanjut,” the only two authentic Javanese melodies Godowsky employs in the Suite, pervade “Hari Besaar” (The Great Day) – a chronicle of villagers and farmers who come to town to celebrate the joys and amusements of the greatly anticipated Country Fair.

“크라위탄”(자바의 전통 예술 음악 및 그 공연 양식인 “카라위탄”의 오기로 추측)과 “칸윳”의 단편, 고도프스키가 <자바 모음곡>에서 사용하는 유일한 두 가지 정통 자바 선율은 <하리 브사르>(멋진 날)에 퍼져 있는데, 매우 기대되는 지역 축제의 기쁨과 즐거움을 축하하기 위해 마을에 오는 마을 사람들과 농부들의 연대기이다.

Leaping dyads and animated arpeggios bring to life the “Chattering Monkeys at the Sacred Lake of Wendit” – a perpetual-motion scherzo which cleverly mimics hundreds of jabbering monkeys, jumping from tree to tree and snatching bananas from visitors. In utter contrast, “Boro Budur in Moonlight” quietly conjures up colossal masonry, intricate carvings, an uncanny otherworldliness and the eerie melancholy of a nighttime silence which cloaks the lofty ruins of one of Java’s most splendid monuments, built four centuries in advance of Europe’s great cathedrals.

도약하는 다이어드(2개의 음의 조합)와 활기찬 아르페지오는 <원딧의 성스러운 호수에서 재잘거리는 원숭이들>에 생명을 불어넣는데, 수백 마리의 재잘거리는 원숭이들이 나무에서 나무로 뛰어오르고 방문객들에게서 바나나를 낚아채는 것을 영리하게 흉내 내는 무궁동 스케르초이다. 대조적으로 <달빛 속의 보로부두르>는 유럽의 위대한 대성당들보다도 400년 앞서 건설된, 자바에서 가장 멋진 기념물 중 하나의 우뚝 솟은 폐허를 덮고 있는 거대한 석조물, 복잡한 조각, 기이한 비현실성, 섬뜩하게 우울한 밤의 침묵을 조용히 불러낸다.

Elemental basslines and lush Romantic textures express a thoroughly Western reaction to the intensely personal experience of beholding the ominous mass, transcendental grandeur and sweep of “The Bromo Volcano and the Sand Sea at Daybreak”. Godowsky remarks: “The boiling, rumbling subterranean forces, seething and spouting up from abysmal depths, the sulfurous vapors and dense clouds, suggest scenes from Dante’s Inferno. One realized that cataclysmic activities, everlasting fires in the bowels of the earth, threaten all that is alive. An overpowering feeling of humility, of compassion toward all things alive, filled the soul.”

기본적인 베이스라인과 풍부한 낭만적인 질감은 <브로모 화산과 새벽의 모래 바다>의 불길한 덩어리, 초월적인 웅장함과 싹쓸이를 바라보는 강렬한 개인적 경험에 대한 철저한 서구적 반응을 표현한다. 고도프스키는 다음과 같이 말한다. “한없이 깊은 곳에서 요동치며 증기를 뿜어대고 팔팔 끓어올라 으르렁거리며 천둥이 치는 듯한 지하 세계의 기세, 지평면으로 서서히 위협적으로 퍼져나가는 유황 증기, 짙은 구름이 단테의 지옥의 한 장면을 연상케 했다. 그것은 대격변을 일으키는 화산 활동과 땅속에서 끝없이 타오르는 불길이 살아있는 모든 것을 위협한다는 사실을 실감 나게 했다. 모든 인류 제도의 나약함에 대한 끔찍한 생각은 너무나 압도적이었다.”

The composer notes that in the “Three Dances” which follow, “the first expresses the languor and melancholy of the Far East; the second, the grace and charm of the Oriental dancers; the third, their poetry and tenderness, translated into Occidental terms.” Then, decadent chromatic waves and stratospheric silvery dissonances limn the frangipani-scented air which intoxicates the senses and awakens indefinable longings at Kebun Raya. Flaming borders of canna lilies, giant water lily pads, and Eden-like orchid clusters thrive here in the world-famous “Gardens of Buitenzorg”.

작곡가는 이어지는 <3개의 무곡>에서 다음과 같이 말한다. “첫 번째 곡은 동아시아의 음울함과 비애를, 두 번째 곡은 동양 무용수들의 품위와 매력을, 세 번째 곡은 우아함과 다정함을 각각 서양 음악 양식으로 번역해서 표현한 것이다.” 그런 다음 퇴폐적인 반음계의 파도와 성층권의 은빛 불협화음이 <보고르 식물원>에서 감각을 마비시키고 형용할 수 없는 열망을 불러일으키는 플루메리아 향기를 묘사한다. 여기 세계적으로 유명한 <바위턴조르흐 식물원>에서 칸나 백합, 거대한 수련잎, 에덴동산 같은 난초 군락이 번성한다.

Boisterous bazaars, exotic crowds, and a bewildering melange of humanity jostle their way across the keyboard “In the Streets of Old Batavia”. A stroll through secluded sunlit backstreets of the former Dutch East Indies capital (now Jakarta) provides a respite at movement’s center.

시끌벅적한 시장, 이국적인 군중, 당황할 정도로 인간미가 뒤섞여 <오래된 바타비아의 거리에서>는 건반을 가로질러 간다. 이전 네덜란드령 동인도 제도의 수도(현 자카르타)의 햇빛이 비치는 한적한 뒷골목을 거닐다 보면 이 악장의 중심에서 휴식을 취할 수 있다.

An even more unhurried world of grace and delicacy lies hidden behind massive walls “In the Kraton”, the palace compound of the Sultan of Djokja (Jogjakarta). Thousands dwell within the vast enclosure – court officials, nobles, musicians, dancers, servants, tradespeople. The pianist’s fingers coax from the keys faint gamelan sounds slipping over the white-washed compound walls, mingling with the perfumed air of evening in the Orient. For a brief moment, one draws closer to this aristocratic enclave.

더 서두르지 않은 우아함과 섬세함의 세계는 족자(족자카르타)의 술탄이 살았던 내부의 궁전인 <크라톤에서>라는 거대한 벽 뒤에 숨겨져 있다. 궁정 관리, 귀족, 음악가, 무용수, 하인, 상인 등 수천 명의 사람이 광대한 담 안에 거주하고 있다. 피아니스트의 손가락이 건반에서 나오는 희미한 가믈란 소리가 동양의 저녁의 향긋한 공기를 가득 채우며 하얗게 칠한 내부의 벽 위로 미끄러지듯 흘러나온다. 잠시 이 귀족의 거주지에 더 가까이 다가간다.

“The Ruined Water Castle at Djokja” unfolds as a languid Indonesian “Jeu d’eau”. Its murmuring phrases touch the mystery and romance of days of yore, which hover over the ruins of an aquatic paradise once filled with splashing fountains and cascades. Godowsky’s tonal journey to Java concludes with the pomp and clanging march strains of “A Court Pageant in Solo” (Surakarta).

<족자의 폐허가 된 물의 궁전>은 음울한 인도네시아의 “물의 유희”로 펼쳐진다. 속삭이는 프레이즈들은 한때 튀는 분수와 폭포로 가득했던 수중 낙원의 폐허 위를 맴도는 옛날의 신비와 낭만을 만난다. 자바에 대한 고도프스키의 음색 여행은 <솔로에서의 궁전 가장행렬>의 화려하고 요란한 행진으로 끝난다.

Another Polish-born musician, Alexandre Tansman, was likewise taken with the attractions of Indonesia. A former student of law and philosophy at Warsaw University, the prize-winning pianist lived most of his life in Paris and hobnobbed with the likes of Ravel, Milhaud and Honegger. He made his first tour as a pianist in 1927 with the Boston Symphony under Koussevitzky. During World War II, he settled in Hollywood for a few years, where he wrote film music. It was during the 1932-33 season that Tansman toured the Far East. The three pieces heard herein from his “Novelettes” and “Le tour de monde en miniature” were doubtless inspired by this experience.

또 다른 폴란드 출신의 음악가인 알렉상드르 탄스만도 인도네시아의 매력에 푹 빠졌다. 바르샤바 대학교에서 법학 및 철학을 전공하고 입상에 빛나는 피아니스트는 평생을 파리에서 보냈으며 라벨, 미요, 오네게르 같은 사람들과 취미 생활을 했다. 그는 1027년 세르게이 쿠세비츠키의 지휘로 보스턴 심포니와 함께 피아니스트로서 첫 투어를 가졌다. 2차 세계대전 중에는 몇 년 동안 할리우드에 정착하여 영화 음악을 작곡했다. 탄스만이 동아시아를 여행한 시기는 1932~33 시즌이었다. 여기에 나오는 3개의 곡인 <노벨레테> 및 <소품 세계 일주>는 의심할 여지 없이 이 경험에서 영감을 얻은 것들이다.

Tansman’s look at Indonesia focuses on the music itself rather than impressions or portraits in sound. The fleeting “Bamboo Flute in the Forest of Bandoeng” is framed by evocations of the two main gamelan styles of the islands. “Exotique” (Danse Javanaise) emphasizes the sectional quality of gamelan music, offers a moment of improvisation, and elicits the purity of line and generally sedate tendencies of traditional Javanese fare. To close, “Le Gamelang de Bali” delineates the boisterous brilliance of the Balinese sound, challenging the pianist with quicksilvered, seemingly repeated phrases that abound with subtle variations.

탄스만의 인도네시아에 대한 시선은 인상이나 소리의 묘사보다는 음악 자체에 초점을 맞춘다. 덧없는 <반둥 숲의 대나무 피리>는 섬의 두 가지 주요 가믈란 스타일을 불러일으키는 틀이다. <이국적인>(자바 춤곡)은 가믈란 음악의 부분적인 성격을 강조하고, 즉흥적인 순간을 제공하며, 선율의 순수성과 일반적으로 차분한 경향의 전통적인 자바 운임을 끌어낸다. 끝으로 <발리의 가믈란>은 발리 사운드의 거친 화려함을 묘사하며 미묘한 변주들로 풍부한, 겉보기에 반복되는 변덕스러운 프레이즈들로 피아니스트에게 도전한다.

Kathy Henkel / 캐시 헨켈 글

Pianist Esther Budiardjo has received considerable acclaim from many of America’s most respected critics. Richard Dyer of “The Boston Globe”, who selected her Boston debut recital as “The Best of 1997” wrote, “Her playing summoned laughter and tears; made the mind work, the spirit soar.” Of Esther Budiardjo’s New York debut performance in Lincoln Center, Harris Goldsmith of “American Record Guide” noted, “Her masterly account had a mature grandeur that placed it on the level of some of the greatest pianist in memory.”

피아니스트 에스더 부디아르조는 미국에서 가장 존경받는 많은 평론가로부터 극찬을 받았다. <보스턴 글로브>는 그녀의 보스턴 데뷔 독주회를 “1997년 올해의 최고”로 선정했으며, 다음과 같이 썼다. “그녀의 연주는 웃음과 눈물을 불러일으켰다. 마음이 움직이게 하고 영혼이 솟아오르게 했다.” <아메리칸 레코드 가이드>의 해리스 골드스미스는 에스터 부디아르조의 링컨 센터에서의 뉴욕 데뷔 연주에 대해 다음과 같이 말했다. “그녀의 뛰어난 연주는 기억에 남는 가장 위대한 몇몇 피아니스트의 수준에 오르는 성숙한 위엄을 가지고 있다.”

In addition to winning first prize at the 1996 William Kapell International Piano Competition in Maryland, she was awarded top prizes at the 1998 Palm Beach Invitational International Piano Competition in Florida, and the 1993 Stravinsky Awards International Piano Competition in Illinois.

1996년 메릴랜드에서 열린 제23회 윌리엄 카펠 국제피아노콩쿠르 1위 외에 1998년 플로리다에서 열린 제14회 팜비치 입상자 초청 국제피아노콩쿠르 공동 1위, 1993년 일리노이에서 열린 스트라빈스키 어워드 국제피아노콩쿠르 3위에 입상하였다.

Born in Jakarta, Indonesia, Esther Budiardjo now resides in the Boston area, where she is currently completing her Doctoral work at the New England Conservatory of Music. At said conservatory did she also receive her Bachelor’s an Master’s degrees with distinction in Performance and was recipient of the Presidential Scholar Award. Her principal teachers have been Wha Kyung Byun, Russell Sherman and Lev Vlasenko.

1972년 9월 24일 인도네시아 자카르타에서 출생한 에스더 부디아르조는 현재 보스턴 지역에 거주하며 뉴잉글랜드 음악원에서 박사 과정을 밟고 있다. 그녀는 해당 음악원 연주자 과정에서 우등 학사 및 석사 학위도 받았으며, 총장 장학금 수상자였다. 그녀는 변화경, 러셀 셔먼, 레프 블라센코를 사사했다.

For Pro Piano Records, Miss Budiardjo has previously released an all Mendelssohn CD (PPR 224524) which received unwavering international acclaim from critics and fans alike.

프로 피아노 레코드에서 부디아르조는 이전에 비평가와 팬 모두로부터 확고한 국제적 찬사를 받은 멘델스존 전집 음반을 발매했다.

이 음반은 계속 mp3 파일로 고도프스키 음원만 가지고 있었는데(당나귀에서 받은 것으로 기억) 나한테 알려지지 않은 작곡가들이 수록된 희귀한 음반들을 소개해주시는 고마우신 네덜란드 분에게서 고음질로 탄스만까지 얻었다. 아무래도 인도네시아 피아니스트라 그런지 자국을 소재로 한 레퍼토리를 선택했다. 보통 자국의 작곡가라든지 자국을 소재로 한 레퍼토리를 고르는 경우가 흔하다. 작품 설명은 악보의 영어 원문과 함께 나무위키에 나온 번역본을 발췌했다. 자바 모음곡에서 기억에 남는 곡이 있다면 <뷔텐조르크의 정원>이라고도 하는 10번 트랙! 가믈란에서 차용했던 드뷔시가 떠오르기도 했다. 뭔가 몽환적인 분위기를 자아내면서 모호한 느낌이랄까?

Label / Pro Piano Records

https://www.youtube.com/channel/UCyfMQk7eJ5YxidmJXQbhVgQ/playlists

프로 피아노 레코드는 1993년 창설된 음반사로 뉴욕에 기반을 두고 있다.

Esther Budiardjo / 에스더 부디아르조

Chitose Okashiro / 치토세 오카시로

Vladimir Viardo / 블라디미르 비아르도

Sergei Babayan / 세르게이 바바얀

Ju-Ying Song / 주잉 송

Vardo Rumessen / 바르도 루메센

Katia Skanavi / 카티아 스카나비

Miwa Onodera / 미와 오노데라

Sara Davis Buechner / 사라 데이비스 뷔흐너

Laure Favre-Kahn / 로르 파브르-칸

Yukiko Kamei, violin / 유키코 가메이, 바이올린

Katia Skanavi / 카티아 스카나비

Michel Block / 미셸 블록

Ghyneth Chen / 귀네스 첸

Per Tengstrand / 페르 텡스트란드

Adam Aleksander / 아담 알렉산데르

Anton Kuerti / 안톤 쿠에르티

Chizuko Amaike / 치즈코 아마이케

Edward Aldwell / 에드워드 앨드웰

Jerome Lowenthal / 제롬 로웬탈

Oxana Yablonskaya / 옥사나 야블론스카야

Claire Huangci & Alexei Volodin - Live at the Elbphilharmonie Hamburg (20 August 2020)

https://www.youtube.com/watch?v=vFE7JNHi1Vo

2020년 8월 20일 함부르크 엘프필하모니 콘서트

Claire Huangci / 클레어 후앙치

Alexei Volodin / 알렉세이 볼로딘

Program

Mozart Sonata for 2 pianos in D, KV 375a / 모차르트 2대의 피아노를 위한 소나타

I. Allegro con spirito

II. Andante

III. Allegro molto

... Alexei Volodin, 1st piano / 알렉세이 볼로딘, 제1피아노

... Claire Huangci, 2nd piano / 클레어 후앙치, 제2피아노

Rachmaninov Suite No. 1 (Fantasia) for 2 pianos in g, Op. 5 / 라흐마니노프 2대의 피아노를 위한 모음곡 1번 <판타지아>

I. Barcarolle. Allegretto / 뱃노래

II. Oh Night, Oh Love. Adagio sostenuto / 사랑의 밤

III. Tears. Largo di molto / 눈물

IV. Easter. Allegro maestoso / 러시아의 부활절

... Claire Huangci, 1st piano / 클레어 후앙치, 제1피아노

... Alexei Volodin, 2nd piano / 알렉세이 볼로딘, 제2피아노

Intermission

Rachmaninov Suite No. 2 for 2 pianos in c, Op. 17 / 라흐마니노프 2대의 피아노를 위한 모음곡 2번

I. Introduction. Alla marcia / 서주

II. Waltz. Presto / 왈츠

III. Romance. Andantino / 로망스

IV. Tarantella. Presto / 타란텔라

... Claire Huangci, 1st piano / 클레어 후앙치, 제1피아노

... Alexei Volodin, 2nd piano / 알렉세이 볼로딘, 제2피아노

Ravel: La Valse - Poème chorégraphique / 라벨 <라 발스>

... Alexei Volodin, 1st piano / 알렉세이 볼로딘, 제1피아노

... Claire Huangci, 2nd piano / 클레어 후앙치, 제2피아노

유튜브에서도 전체를 볼 수 있다. 볼로딘은 종이로 된 아날로그 악보를 보고 후앙치는 디지털로 된 아이패드를 본다. 기존에 받았던 동영상에 버퍼링이 있어서 결국 유튜브에서 받았다.

Denis Kozhukhin - Live at Tsinandali Festival (21 September 2019)

https://www.youtube.com/watch?v=ZmD0rC-tV9E

데니스 코주힌 - 2019년 9월 21일 치난달리 페스티벌

Chamber Music Hall in Tsinandali / 치난달리 챔버 뮤직 홀

Program

Mendelssohn-Bartholdy Songs Without Words / 멘델스존 무언가 발췌

Book 1, Op. 19 No. 1 in E: Andante con moto

Book 1, Op. 19 No. 3 in A: Molto allegro e vivace

Book 2, Op. 30 No. 6 'Venetianisches Gondellied' (Venetian Boat Song) in f#: Allegretto tranquillo / 베네치아의 뱃노래

Book 3, Op. 38 No. 6 'Duetto' in Ab: Andante con moto / 듀엣

Book 5, Op. 62 No. 3 'Trauermarsch' (Funeral March) in e: Andante maestoso / 장송 행진곡

Book 6, Op. 67 No. 2 in f#: Allegro leggiero

Book 6, Op. 67 No. 4 'Spinnerlied' (Spinning Song) in C: Presto / 실 잣는 노래

Book 8, Op. 102 No. 3 in C: Presto

Grieg Lyric Pieces / 그리그 서정소곡집 발췌

Book 1, Op. 12 No. 1 Arietta / 아리에타

Book 1, Op. 12 No. 2 Vals (Waltz) / 왈츠

Book 1, Op. 12 No. 4 Alfedans (Elves' Dance) / 요정의 춤

Book 2, Op. 38 No. 4 Halling (Norwegian Dance) / 노르웨이 춤곡

Book 3, Op. 43 No. 1 Sommerfugl (Butterfly) / 나비

Book 3, Op. 43 No. 4 Liten fugl (Little Bird) / 작은 새

Book 3, Op. 43 No. 6 Til våren (To Spring) / 봄에게

Book 5, Op. 54 No. 5 Scherzo / 스케르초

Book 5, Op. 54 No. 4 Notturno / 녹턴

Book 5, Op. 54 No. 3 Trolltog (March of the Dwarfs) / 난쟁이들의 행진

Gershwin Rhapsody in Blue / 거슈윈 <랩소디 인 블루>

Encores

Gluck/Sgambati Meodie from "Orfeo ed Euridice" / 글루크 <오르페오와 에우리디케> 중 멜로디 (스감바티 편곡)

Bach/Busoni Chorale Prélude No. 5 "Ich ruf' zu dir, Herr Jesu Christ", BWV 639 / 바흐 코랄 전주곡 5번 <나는 당신을 부릅니다, 예수 크리스트여> (부조니 편곡)

Bach/Siloti Prelude in b, BWV 855a / 바흐 전주곡 (질로티 편곡)

유튜브에서도 전체를 볼 수 있다. 코주힌의 연주가 딱히 내 취향이 아니라서 그런지 다른 연주자들의 해석과는 많이 다르게 느껴진다.

Mercury / Frederick Fennell & Eastman-Rochester 'Pops' Orchestra - The Music of Leroy Anderson 2005

Track

01 Belle of the Ball / 무도회의 여왕

02 Horse & Buggy / 말과 마차

03 The Waltzing Cat / 왈츠를 추는 고양이

04 Blue Tango / 우울한 탱고

05 Summer Skies / 여름날의 하늘

06 Song of the Bells / 종의 노래

07 The Typewriter / 타자기

08 The Syncopated Clock / 고장 난 시계

09 The Girl in Satin / 공단옷 입은 소녀

10 China Doll / 중국 인형

11 Saraband / 사라방드

12 Fiddle-Faddle / 실없는 짓거리

13 Sleigh Ride / 썰매 타기

14 Serenata / 세레나타

15 Promenade / 산책

16 Chicken Reel / 비틀비틀 병아리걸음

17 The Phantom Regiment / 도깨비 연대

18 Jazz Legato / 재즈 레가토

19 Jazz Pizzicato / 재즈 피치카토

20 Plink, Plank, Plunk! / 플링크, 플랭크, 플렁크!

21 The Bluebells of Scotland / 스코틀랜드의 푸른 종

22 The First Day of Spring / 봄의 첫날

23 Song of Jupiter / 주피터의 노래

Frederick Fennell conducts Music of Leroy Anderson

That Leroy Anderson (1908-1975) made his unique musical bed and lay in it so conspicuously well affords defensible proof, once more, for the logic that light symphonic music is in its own way as sought after and personal an expression of the taste of the times that engender it as are the elegant musical counterpanes embroidered for those same times by more earnest composers. To express accurately this always-changing taste is praiseworthy; to do so with true stylistic clarity and forthrightness is better and rarer.

르로이 앤더슨(1908~1975)이 자신의 독특한 음악적 침대를 만들고 그 위에 눈에 띄게 잘 눕혔다는 것은 변호할 수 있는 증거를 다시 한번 제공하는데, 가벼운 교향악은 그 자체로 추구하는 바이며, 더 진지한 작곡가들이 같은 시대를 위해 수놓은 우아한 음악적 침대보와 마찬가지로 그것을 낳는 시대의 취향을 개성적으로 표현한 것이라는 논리 때문이다. 시시각각 변하는 이 취향을 정확하게 표현하는 것은 칭찬할 만한데, 진정한 양식의 분명함과 솔직함으로 그렇게 하는 것이 더 좋으면서도 드물다.

There are many evidences of the individuality of Anderson’s work: his apparently effortless way with melodies and syncopated rhythms, for instance; his imaginative use of percussion instruments and his broadly humorous experiments with sound effects; the remarkable ease of his music forms; and, less positively, the indifferent success of his many imitators, whose last thought, probably, is sincere flattery, and whose first thought, certainly, is the garnering of a share of Anderson’s wide and loyal following. This following was loyal since the first of his pieces began to be played, and it grew increasingly wide with every new publication. The reasons for such good-humored appreciation are as many as the kinds of listeners who enjoy him. Children like the wryly explicit portrait of a cat’s monstrously vocal encounter with the neighborhood dogs; the trained musical ear may prefer the subtler incongruity of a stately saraband’s being interrupted at intervals by an impudently jazzy rhythmic figure. The shower singer is provided with an easily remembered melody; the parade enthusiast recognizes a good brisk tempo when he hears one. The sentimental soul recalls with pleasure the days of horse and buggy; while the office worker is soothed by the efficient sound of a typewriter as an obbligato “musical” instrument. The tango dancer has his tango; the waltzer, his waltz ... there is something personal for everyone.

앤더슨이 쓴 작품의 개성에 대한 많은 증거가 있다. 예를 들면 멜로디와 당김음 리듬을 사용하는 그의 겉보기에 수월해 보이는 방식, 타악기의 상상력 넘치는 사용과 음향 효과에 대한 폭넓은 유머러스한 실험, 그의 음악 형식들의 놀라운 편안함, 그리고 덜 긍정적으로, 그의 많은 모방자의 무관심한 성공은 아마도 그들의 마지막 생각은 진심 어린 아첨이며 앤더슨의 첫 번째 생각은 확실히 그의 광범위하고 충성스러운 추종자들의 몫을 확보하는 것이다. 이 추종자는 그의 작품 중 첫 곡이 연주되기 시작했을 때부터 충성스러웠으며, 새로운 출판물이 나올 때마다 그 폭이 점점 넓어졌다. 좋은 유머로 감상하는 이유는 그를 즐기는 청취자의 종류만큼이나 많다. 아이들은 고양이가 이웃 개들과 괴물같이 소리 내는 모습을 쓴 듯한 노골적인 초상화를 좋아하는데, 훈련된 음악적 귀는 위엄 있는 사라방드의 더 미묘한 부조화가 뻔뻔스럽게 재즈 같은 리드미컬한 형태에 의해 중단되는 것을 선호할 수 있다. 샤워 가수는 쉽게 기억할 수 있는 멜로디로 제공되는데, 행진을 좋아하는 사람은 좋은 빠른 템포를 들을 때 이를 알아차린다. 감상적인 영혼은 말과 마차의 시대를 즐겁게 회상하는 반면, 사무직 직원은 의무적인 “음악적” 도구로 타자기의 효율적인 소리에 마음이 진정된다. 탱고 무용수는 자신의 탱고를 가지고 있는데, 왈츠 무용수, 그의 왈츠 ... 모든 사람에게는 개인적인 것이 있다.

The twenty-three of Anderson’s amiable and inventive pieces on this SACD exhibit the pervading stylistic tendencies of the composer, and at the same time they point up the canny ingeniousness which enables each work to maintain an independence of its own.

이 SACD에 수록된 앤더슨의 다정하면서도 독창적인 23개의 곡은 작곡가에게 스며든 양식의 경향을 보여줌과 동시에 각 작품이 고유한 독립성을 유지할 수 있도록 하는 기발한 독창성을 강조한다.

“Belle of the Ball” is a brilliant fast waltz which re-creates the atmosphere of the Viennese grand ballroom. The sophisticated lilt of the main theme is complemented by a closely related section accented by the tinkling sound of bells, and both motifs are ebulliently combined in the abandon of a breathless coda.

<무도회의 여왕>은 비엔나 그랜드 볼룸의 분위기를 재현한 화려한 빠른 왈츠이다. 메인 테마의 세련된 리듬은 종소리로 강조된 밀접하게 관련된 섹션으로 보완되며, 두 모티프는 숨 막히는 코다의 포기에서 활기차게 결합된다.

In “Horse and Buggy” we are shown an elaborate vignette of the courting vehicle so popular at the beginning of the century. After a short introduction, the dawdling horse is aroused to a trot with a single crack of the whip, and its tuneful careering is punctuated with the brisk clip-clop of hooves until a romantic view distracts its driver and his lady and affords the horse a chance to resume its leisurely gait, while the French horn plays a theme reminiscent, possibly, of Rachmaninoff. After a genteelly abbreviated interlude, another whip crack starts the obedient horse on its homeward route, and a mild whinny announces, at the conclusion, that the destination has been reached.

<말과 마차>에서 우리는 세기 초에 매우 인기가 있었던 결혼할 것 같은 차량의 정교한 삽화로 증명된다. 짧은 도입부 이후, 멍하니 있는 말은 채찍을 한 번 톡톡 치면 속력을 내고, 낭만적인 전망이 마부와 부인의 주의를 산만하게 하고 말이 여유롭게 걸음을 재개할 기회를 줄 때까지 말발굽의 따가닥따가닥 소리와 함께 경쾌한 경력을 마무리하며, 반면에 프렌치 호른은 어쩌면 라흐마니노프를 연상시키는 주제를 연주한다. 부드럽게 축약된 간주 이후, 또 다른 채찍 소리가 순종적인 말이 집으로 돌아가는 길을 시작하게 하고, 부드럽게 히힝 우는 소리가 마지막에 목적지 도착을 알린다.

Another domesticated associate of mankind, this time a rather giddy feline, is the subject of “The Waltzing Cat”. Lifting its incredible voice in repellent song, the cat capers through an entrancing dance – now slow, now fast – full of impressive “ritardandos” and fetching pauses which allow him to keep an eye out for unwanted canine spectators. Just as the waltz reaches its climactic moment, there is indeed heard the clamor of dogs in full cry; and the cat, outnumbered and outraged, pierces the air with an ominous snarl and departs, “prestissimo”.

이번에는 다소 현기증이 나는 고양이와 같이 길들여진 또 다른 인류 집단으로 <왈츠를 추는 고양이>의 주제이다. 혐오스러운 노래로 놀라운 목소리를 내면서 고양이는 황홀한 춤을 추면서 뛰어다니는데 – 이제 천천히, 이제 빠르게 – 인상적인 “리타르단도”(점점 느리게)로 가득 차 있으며 원치 않는 개 무리를 주시할 수 있도록 잠시 멈추게 한다. 왈츠가 절정에 이르렀을 때 개들이 짖는 소리가 들리며, 수적인 열세에 몰려 화가 난 고양이는 불길한 으르렁 소리를 내고 적막을 깨면서 “프레스티시모”(아주 빠르게)로 벗어난다.

“Blue Tango” is a characteristic example of Anderson’s use of classic dance forms in a manner which is immediately and unmistakably his own. This setting is richly orchestrated and luxuriantly melodic; the addition of a silvery rhythmical counterpoint gives a final sheen.

<우울한 탱고>는 앤더슨이 즉시 그리고 틀림없이 자신만의 방식으로 고전 무용 형식을 사용하는 특징적인 예이다. 이 설정은 풍부한 관현악 편성으로 풍성한 선율인데, 낭랑한 리드미컬한 대위법을 추가하면 마침내 빛난다.

“Summer Skies” is a kind of modern pastorale. Glistening strings unite in a suave triplet-meter theme which is lent additional charm by chromatic ornaments in the woodwinds. Anderson’s willingness to let his melody take its own course without obvious attempts to elaborate meaninglessly is well illustrated here, and the piece ends with the quiet flow of its beginning.

<여름날의 하늘>은 일종의 현대 목가이다. 반짝이는 현악기들은 목관악기의 반음계 장식으로 추가적인 매력을 더해주는 부드러운 3박자 주제로 결합된다. 무의미하게 정교화하려는 명백한 시도 없이 자신의 멜로디가 저절로 흘러가도록 내버려 두려는 앤더슨의 의지가 여기에 잘 나타나 있으며, 이 곡은 시작의 조용한 흐름으로 끝난다.

The “Song of the Bells”, another whirling, infectious fast waltz, is highlighted by the sonorous addition of orchestral bells and chime. In the first appearance of the chief theme, in fact, the chimes play the solo part, supported by violins. Soon the woodwinds assume the melody, to be followed by a kind of duet between chimes and bells, surely a unique experiment and just as surely an effective one. Following another exposition of the main theme, a brilliant and vividly hued coda brings the dance to an end.

또 하나의 빙빙 도는 전염성 있는 빠른 왈츠인 <종의 노래>는 오케스트라의 종과 차임이 더해져 더욱 돋보인다. 메인 테마의 첫 등장에서 실제로 차임은 바이올린들에 의해 지원되는 독주 파트를 연주한다. 곧 목관악기가 멜로디를 가정하고 차임과 종 사이에서 일종의 듀엣이 뒤따를 것으로 여겨지는데, 확실히 독특한 실험이며 확실히 효과적인 것이다. 메인 테마의 또 다른 제시부에 이어 현란하고 생동감 넘치는 코다가 춤을 끝맺는다.

A typewriter was actually used in the recording of “The Typewriter”, and Frederick Fennell himself addressed both hands to the keyboard, a bobbing head to the orchestra, and his subconscious to the score, which he had memorized – with special attention to his “solo” passages. At the end of the session, Dr. Fennell was exhausted but satisfied, and the typewriter was returned to its original desk, as good as ever in spite of the probability of more carriage returns in one afternoon than in the course of its entire history as a non-musical office machine.

타자기는 실제로 <타자기>의 녹음에 사용되었으며, 프레더릭 페넬 자신은 양손을 건반에 놓고, 오케스트라에 고개를 까딱거리며, “독주” 소절에 특별한 주의를 기울이면서 그가 외운 악보에 대한 잠재의식에 몰두했다. 세션이 끝날 무렵, 페넬 박사는 지쳤으나 만족스러웠고, 타자기는 원래 책상으로 돌아왔는데, 음악이 아닌 사무용 기계로서의 전체 역사 과정에서보다는 어느 날 오후에 더 많은 복귀의 가능성에도 불구하고 그 어느 때보다 좋다.

The timepiece pictured in “The Syncopated Clock” seems almost to develop a tentative but winning personality as he strives to emulate the elementary syncopation of the obviously more learned violin. Just as he gets it right at last, his preceptor wanders off, and the music is dominated by the more niggardly psyche of a common alarm clock. Soon the violin returns and student’s rhythmic attempts begin afresh. He has no sooner succeeded once more in matching the syncopation of the strings than, it is sad to report, his mainspring flies into pieces, and time – for him – stops forever.

<고장 난 시계>에 묘사된 시계는 확실히 더 많이 배운 바이올린의 기본 당김음을 모방하기 위해 노력하면서 잠정적이지만 성공적인 개성을 거의 발전시키는 것처럼 보인다. 그가 마침내 제대로 이해했을 때, 그의 교사는 방황하며, 음악은 일반적인 알람 시계의 더 인색한 정신에 의해 지배된다. 곧 바이올린이 돌아오고 학생의 리드미컬한 시도가 새롭게 시작된다. 그가 다시 한번 현악기들의 당김음을 맞추는 데에 성공하자마자 안타깝게도 그의 큰 태엽이 산산조각이 나고 시간은 – 그를 위해 – 영원히 멈춘다.

Castanets, Latin rhythms, and a seductive manner distinguish “The Girl in Satin” as she executes a warm-blooded tango. The mood, growing more and more “appassionato”, is reflected in the increasing richness of the orchestral sweep. Once again, the composer shows his adroitness in the managing of two themes conjointly, and the coda displays an unobtrusive but skillful handling of dissonance to great atmospheric effect.

캐스터네츠, 라틴 리듬, 매혹적인 매너는 그녀가 따뜻한 피가 흐르는 탱고를 추듯이 <공단옷 입은 소녀>를 구별 짓는다. 점점 더 “아파시오나토”(열정적으로)로 커지는 분위기는 점점 더 풍부해지는 오케스트라가 휩쓰는 것에 반영된다. 다시 한번, 작곡가는 2개의 주제를 동시에 관리하는 데에 능숙함을 보여주며, 코다는 큰 분위기 효과에 대해 눈에 띄지 않으나 능숙하게 불협화음을 처리한다.

The theme of the “China Doll” is of special interest. It appears first in a rather plaintive fashion, played by the solo oboe; next the violins and flutes combine with the oboe to give it more assertion; then the entire woodwind choir takes up, this time forcing it into a jaunty syncopation of the original statement. Finally the solo oboe plays it once more, and the accompanying “wa-wa”’s reminds us that bedtime for tired little girls and their playthings has come.

<중국 인형>의 주제는 특히 흥미롭다. 오보에 독주가 연주하는 다소 애처로운 방식으로 처음에 나타나고, 다음으로 바이올린과 플루트가 오보에와 결합하여 더 많은 주장을 하며, 그런 다음 목관악기 전체의 합창단이 이어지며, 이번에는 원래 상태의 경쾌한 당김음으로 이어진다. 마지막으로 오보에 독주가 다시 한번 연주하며, “와우와우 페달” 반주는 우리에게 피곤한 소녀들과 장난감이 잘 시간이 왔다는 것을 상기시킨다.

One of the most cleverly written works of this explorative composer is the “Saraband” that follows. The sedate tempo, the elegant ornaments, the traditional form of the antique saraband are all here in a dignified array. To them has been added the piquancy of impish counterpoints, frankly jazzy interpolations, and unctuous orchestral colorings. The result – much better entertainment than mere parody – is well-achieved satire.

이 탐구적인 작곡가의 가장 영리하게 쓰인 작품 중 하나는 뒤따르는 <사라방드>이다. 차분한 템포, 우아한 장식음, 고대 사라방드의 전통적인 형식이 모두 여기에 위엄 있게 배치되어 있다. 그것들에 장난스러운 대위법, 솔직히 재즈적인 삽입, 유려하지 않은 오케스트라 색채의 묘미가 더해졌다. 그 결과 단순한 패러디보다 훨씬 더 나은 오락물로 잘 만들어진 풍자가 탄생했다.

“Fiddle-Faddle” is modeled on the classical bravura display piece for solo violin, the “moto perpetuo”, and utilizes such devices customary to that genre piece as the rapid and constant tempo, the alternation repetition of short virtuosic sections. Since this is a freely paraphrased example, however, such an innovation as a fragmented “tap dance accompaniment” diversion is not only admitted but admired briefly before the violins enter again in fanciful roulades above the original melodic pattern. This melody attenuates into staccato mutterings before a swaggering recapitulation brings the piece to a brilliant conclusion.

<실없는 짓거리>는 바이올린 독주를 위한 고전적인 고도의 예술적 기교의 곡인 “무궁동”을 모델로 하며 빠르고 지속적인 템포, 짧은 기교가 나오는 섹션의 교대 반복과 같은 장르의 곡에 관례적인 장치를 활용한다. 그러나 이것은 자유롭게 다른 것으로 바꾸어 표현한 예이기 때문에 조각난 "탭 댄스 반주" 전환과 같은 혁신이 허용될 뿐만 아니라 바이올린이 원래의 멜로디 패턴 위에 공상적인 룰라드(장식음으로서 삽입된 신속한 연속음)로 다시 들어가기 전에 잠시 감탄한다. 이 멜로디는 중얼거리는 스타카토로 약해지고 으스대는 재현부는 곡을 화려하게 마무리한다.

Next come the whirling measures of Anderson’s very popular “Sleigh Ride”, conveying a vivid picture of a crisp winter day on a snowy country road, complete with trotting horse, whip, and sleigh bells.

다음으로 앤더슨의 매우 인기 있는 <썰매 타기>의 빙그르르 도는 마디들이 나오며, 달리는 말, 채찍, 썰매의 종들로 완성되어 눈 덮인 시골길에서 상쾌한 겨울날의 생생한 그림을 전달한다.

To the accompaniment of castanets comes the throbbing rhythm of a Spanish dance. It develops into a very pretty and lyrical middle section which undoubtedly inspired the title of “Serenata”.

캐스터네츠의 반주에 스페인 춤의 고동치는 리듬이 따라온다. 의심할 여지 없이 <세레나타>라는 제목에 영감을 준 매우 예쁘고 서정적인 중간 섹션으로 발전한다.

“Promenade” contrasts a brisk walking theme, first heard on solo trumpet, with a flowing middle theme carried by the strings. The piece was written in 1944, while Capt. Anderson was stationed at the Pentagon. He conducted its first performance that year at an “Army Night” concert given in Boston.

<산책>은 트럼펫 독주에서 처음 들리는 활기차게 걷는 주제와 현악기가 전달하는 거침없이 이어지는 중간 주제와 대조된다. 이 곡은 앤더슨 대위가 펜타곤에 주둔하고 있을 때 쓰였다. 그는 그해 보스턴에서 열린 <육군의 밤> 콘서트에서 첫 공연을 지휘했다.

“Chicken Reel” is a perfect example of Anderson’s special gifts. Painting a merry “turkey-in-the-straw” picture of a farm, it makes especially effective use of both syncopation and augmentation (the doubling of the value of the notes). It also contains one of the composer’s signature devices, the incorporation of a non-musical sound. In this case, it’s the cock-a-doodle-doo at the end, performed here by no less a virtuoso than Gervase de Peyer, first clarinetist of the London Symphony Orchestra.

<비틀비틀 병아리걸음>은 앤더슨의 특별한 재능의 완벽한 예이다. 농장의 유쾌한 <짚 속의 칠면조> 그림을 그리면 당김음과 확대(음표의 길이를 두 배로 늘리는 것)를 특히 효과적으로 사용한다. 작곡가의 특징을 나타내는 장치 중 하나인 비음악적 소리도 포함되어 있다. 이 경우에는 런던 심포니 오케스트라의 제1클라리넷 주자인 저베이스 드 파이어 못지않은 거장이 여기에서 연주하는 마지막 부분의 꼬끼오(수탉 울음소리)이다.

Although Anderson insists that Kipling had nothing to do with it, “The Phantom Regiment” certainly does its bit to conjure up the ghostly spirit of colonial England. The stately work is touchingly evocative of all the regiments that ever set foot into the valley of death; though the upper lip is kept musically stiff, there is a wisp of wistfulness in the melody that gives it a rare emotional quality.

앤더슨은 키플링이 <도깨비 연대>와 아무 관련이 없다고 주장하지만, 그것은 확실히 식민지 영국의 유령 같은 정신을 불러일으키려고 한다. 장엄한 작품은 죽음의 계곡에 발을 디딘 모든 연대를 감동적으로 연상시키는데, 윗입술은 음악적으로 뻣뻣하게 유지되지만, 멜로디에는 드문 감정적 특성을 제공하는 약간의 아쉬움이 있다.

“Jazz Legato” and “Jazz Pizzicato” are companion pieces that have the distinction of being the first of Anderson’s compositions to be written and recorded. Already highly regarded as an arranger, he wrote “Jazz Pizzicato” in 1937 as an encore piece for the Boston “Pops” Orchestra. It turned out to be an immediate success. When it was to be recorded two years later, however, its brief length proved to be a bit too skimpy for one side of the then-common 78-rpm record, and the composer was forced to create a “Jazz Legato” of approximately the same length to fill out the space. These contrasting but companionable works have been almost inseparable ever since.

<재즈 레가토>와 <재즈 피치카토>는 앤더슨이 작곡하고 녹음한 첫 번째라는 특징을 지닌 동반자 곡들이다. 이미 편곡가로 높은 평가를 받는 그는 1937년 보스턴 “팝스” 오케스트라의 앙코르곡으로 <재즈 피치카토>를 썼다. 그것은 즉각적인 성공으로 판명되었다. 그러나 2년 후 녹음되었을 때 그 짧은 길이는 당시 일반적이었던 78rpm 레코드의 한 면에 비해 너무 빈약한 것으로 판명되었고, 작곡가는 공간을 채우기 위해 대략 같은 길이의 <재즈 레가토>를 만들어야 했다. 이 대조적이지만 친근한 작품들은 그 이후로 거의 분리할 수 없는 관계가 되었다.

“Plink Plank Plunk” is, like “Jazz Pizzicato”, played by the string section plucking the strings rather than by using the bow. The perky number, which was written in 1951, has been one of the composer’s most frequently performed works ever since.

<플링크, 플랭크, 플렁크!>는 <재즈 피치카토>와 마찬가지로 활을 사용하지 않고 현을 뜯는 현악 세션에서 연주된다. 1951년에 작곡된 활기찬 넘버는 그 이후로 작곡가가 가장 자주 연주하는 작품 중 하나이다.

“The Bluebells of Scotland” is part of Anderson’s “Scottish Suite”. The familiar air takes on new freshness as a result of the composer’s remarkable use of tonal color, sense of humor (the bells and chimes to suggest the flower), and arranging skill (the canon form is employed with striking effectiveness).

<스코틀랜드의 푸른 종>은 앤더슨의 <스코틀랜드 모음곡> 중 3악장이다. 친숙한 노래는 작곡가의 뛰어난 음색 사용, 유머 감각(꽃을 암시하는 종과 차임), 편곡 솜씨(놀라운 솜씨로 카논 형식 사용)의 결과로 새로운 신선함을 얻는다.

The happy expectation of the joys of spring is captured perfectly in “The First Day of Spring”. Be that as it may, however, the melody was created “before” it was given the title, which had originally been intended for a waltz. But the lush strings and the pastoral oboe gave the unnamed piece an even more springlike sound, and the switched title proved to be even more appropriate.

봄의 기쁨에 대한 행복한 기대는 <봄의 첫날>에 완벽하게 담겨 있다. 하지만 그 멜로디는 원래 왈츠를 위한 제목이 붙기 “전에” 만들어졌다. 그러나 멋진 현악기들과 목가적인 오보에가 이름 없는 곡에 훨씬 더 봄 같은 소리를 선사했으며, 바뀐 제목이 훨씬 더 적절하다는 것이 증명되었다.

The “Song of Jupiter” received its first recording in this collection. Anderson considered Jupiter’s aria, “Where’er you walk,” from Handel’s opera “Semele”, to be one of the composer’s most beautiful but least familiar creations. His inspired arrangement of this affecting piece features a trumpet solo first heard “singing” the aria.

<주피터의 노래>는 이 컬렉션에서 처음 녹음된 것이다. 앤더슨은 헨델의 오페라 <세멜레>에 나오는 주피터의 아리아 <그대가 걷는 곳마다>를 작곡가의 가장 아름답지만 가장 친숙하지 않은 작품 중 하나로 간주했다. 이 영향을 주는 곡에 대해 그의 영감을 받은 편곡은 아리아를 “노래하는” 처음 듣는 트럼펫 독주를 특징으로 한다.

To these compositions Leroy Anderson brought innate musical fecundity and a carefully trained craftsmanship that was a product of his years at Harvard University, from which he was graduated with honors in 1929. Not only his proximity to this institution – he was born in Cambridge, Massachusetts – dictated his choice of schools; at Harvard he was able to study with such eminent men as Walter Piston, Walter Spalding, and Edward Ballantine. Even with this impressive background, Anderson spent another four years in preparation for a career in languages before he finally decided to make music the source of his livelihood. Up until the end of his career, he was one of the most successful and knowledgeable practitioners in the happy art of writing truly “popular” music.

르로이 앤더슨은 이러한 작품들에 타고난 음악적 다산성과 신중하게 훈련된 장인 정신을 가져왔는데, 이것은 1929년에 우등으로 졸업한 하버드 대학교에서 보낸 그의 세월의 산물이었다. 이 기관과의 근접성만이 – 매사추세츠 주 케임브리지에서 출생하여 – 그의 학교 선택에 영향을 미쳤는데, 하버드에서 그는 월터 피스턴, 월터 스팰딩, 에드워드 밸런타인 같은 저명한 사람들과 함께 공부할 수 있었다. 이러한 인상적인 배경에도 불구하고 앤더슨은 음악을 생계의 원천으로 삼으려고 하기 전에 언어 분야에서 경력을 쌓기 위해 4년을 더 보냈다. 그의 경력이 끝날 때까지 그는 진정으로 “대중적인” 음악을 쓰는 행복한 예술 분야에서 가장 성공적이고 지식이 풍부한 현역 중 한 명이었다.

Adapted from notes by Clair W. Van Ausdall, Alfred E. Simon (tracks 13 and 14), and Stanley Green (15-23)

클레어 W. 판 아우스달과 알프레드 E. 사이먼 (13~14번 트랙) 및 스탠리 그린(15~23번 트랙) 글

About Frederick Fennell

Long recognized as a pre-eminent conductor of the finest wind and percussion music, Frederick Fennell was no stranger to the symphonic “pops” repertory. For years he was an annual guest conductor of the Boston “Pops,” where his performances were characterized, in the words of a newspaper reviewer, “by a rare combination of wit, vivaciousness, and musical sensitivity.”

최고의 관악기와 타악기 음악 공연의 저명한 지휘자로 오랫동안 인정받은 프레더릭 페넬은 교향악 “팝스” 레퍼토리에 익숙했다. 수년 동안 그는 보스턴 “팝스”의 연례 객원 지휘자였는데, 신문 평론가의 말에 따르면 그의 공연은 “재치, 발랄함, 음악적 감수성의 보기 드문 조합”으로 특징지어졌다.

In 1952 Frederick Fennell organized the Eastman Symphonic Wind Ensemble in Rochester, New York, and until his departure in 1962 he unceasingly dedicated himself to the exploration of musical works originally scored for winds and brasses, and to the stimulating of interest on the part of contemporary composers in writing works for his particular instrumentation.

1952년 프레더릭 페넬은 뉴욕 로체스터에서 이스트만 심포닉 윈드 앙상블을 조직했으며, 1962년 떠날 때까지 원래 목관악기와 금관악기를 위해 작곡된 음악 작품들을 탐구하고 특정 기악 편성에 대한 작품들을 쓰는 것에 대한 동시대 연주자들의 관심을 불러일으키는 데 끊임없이 헌신했다.

Less than a year after its establishment, the Eastman Symphonic Wind Ensemble made its first appearance on Mercury Living Presence recordings, and the ensemble produced a series of discs that have won critical acclaim everywhere. In such recordings as Holst’s Suites and Sousa’s Marches, Dr. Fennell demonstrated that his musical tastes are refreshingly broad. Yet another facet of this conductor’s versatile talent was revealed in this full symphony-orchestra recording of music by Leroy Anderson.

설립된 지 1년이 채 되지 않아 이스트만 심포닉 윈드 앙상블은 머큐리 LP 녹음에 처음 등장했으며, 이 앙상블은 모든 곳에서 비평가들의 찬사를 받은 일련의 디스크를 제작했다. 홀스트의 모음곡 및 수자의 행진곡 같은 녹음에서 페넬 박사는 그의 음악적 취향이 신선할 정도로 광범위하다는 것을 보여주었다. 그러나 이 지휘자의 다재다능한 재능의 또 다른 측면은 르로이 앤더슨이 작곡한 전체 심포니-오케스트라 음악 녹음에서 드러났다.

About This Recording

The “élan” of Anderon’s orchestrations, and his frequent use of unusual sound effects, make these pieces especially effective and exciting when they are recorded stereophonically with Mercury’s Living Presence lifelike imaging and full dynamic range. In the several waltzes, for instance, the melodic line is often given to the violins in their beautifully shining upper register; in some of the quicker pieces the brightness and crispness of the entire woodwind section is called for. Most of the sound effects – wind whistles, woodblocks representing clocks, and the like – originate in the percussion section, rear stage right, but the typewriter, in the piece named after it, was placed on a stand directly to the right of the conductor’s podium in order that it might successfully dominate the music in spirit and sound. Thus, the exciting dimensions of depth and direction are shown most impressively on this disc.

앤더슨의 관현악 편곡의 “엘랑”(약동)과 특이한 음향 효과의 빈번한 사용은 이러한 곡을 머큐리 LP의 생생한 영상화 및 전체 다이내믹 범위로 입체적인 음향의 녹음에서 특히 효과적이고 흥미진진하게 만든다. 예를 들면 여러 왈츠에서 멜로디 라인은 종종 아름답게 빛나는 고음역에서 바이올린에 주어지는데, 더 빠른 곡 중 일부에서는 전체 목관악기 섹션의 밝기와 상쾌함이 요구된다. 대부분의 음향 효과(바람 새는 소리, 시계를 나타내는 우드블록 등)는 무대 뒤 오른쪽의 타악기 부분에서 유래했지만, 그 이름을 따서 명명된 곡에서 타자기는 정신과 소리로 음악을 성공적으로 지배할 수 있도록 지휘자 연단의 바로 오른쪽 스탠드에 놓여 있었다. 따라서 깊이와 방향의 흥미로운 차원이 이 디스크에서 가장 인상적으로 표시된다.