Acousence Records / Alexander Gadjiev Plays Liszt & Schumann - Literary Fantasies 2018

Track

01 Liszt 3 Sonetti di Petrarca, S. 270a (1st Version) No. 2 Benedetto sia'l giorno [Sonnet No. 47] / 리스트 3개의 페트라르카 소네트

02 Liszt 3 Sonetti di Petrarca, S. 270a (1st Version) No. 1 Pace non trovo [Sonnet No. 104]

03 Liszt 3 Sonetti di Petrarca, S. 270a (1st Version) No. 3 I' vidi in terra angelici costumi [Sonnet No. 123]

04 Schumann Kreisleriana, Op. 16: I. Ausserst bewegt / 슈만 크라이슬레리아나

05 Schumann Kreisleriana, Op. 16: II. Sehr innig und nicht zu rasch

06 Schumann Kreisleriana, Op. 16: III. Sehr aufgeregt

07 Schumann Kreisleriana, Op. 16: IV. Sehr langsam

08 Schumann Kreisleriana, Op. 16: V. Sehr lebhaft

09 Schumann Kreisleriana, Op. 16: VI. Sehr langsam

10 Schumann Kreisleriana, Op. 16: VII. Sehr rasch

11 Schumann Kreisleriana, Op. 16: VIII. Schnell Und Spielend

12 Liszt Annees de pelerinage II, Italy, S. 161b No. 7 Apres une lecture du Dante, fantasia quasi sonata / 리스트 <단테 소나타>

13 Schumann 3 Fantasiestucke, Op. 111 No. 2 in Ab: Ziemlich langsam / 슈만 3개의 환상곡 작품 111-2

알렉산더 가지예프가 연주하는 리스트와 슈만 피아노 작품집 - 문학에 심취한 환상곡들

Die Romantik ist davon gekennzeichnet, die verschiedensten Grenzen zu überschreiten. Wiederholt geben Titel von Kompositionen bereits Auskunft, wie ihre Schöpfer sich von literarischen Texten, Landschaften oder Kunstwerken inspirieren ließen. Damit ist das Phänomen der Grenzüberschreitungen jedoch keineswegs erschöpft. Viele – natürlich längst nicht alle – Künstler waren Mehrfachbegabungen. Während Franz Liszt nicht nur komponierte, sondern als überragender Klaviervirtuose (und später als Dirigent) in Erscheinung trat, musste Robert Schumann berechtigte Aussichten auf eine Pianistenlaufbahn aufgeben. Dazu besaßen beide eine literarische Begabung. Robert Schumann, dessen Vater Buchhändler und Verleger war, schwankte anfangs sogar, ob er die Musiker- oder die Schriftstellerlaufbahn einschlagen sollte. Später war er Mitbegründer der „Neuen Zeitschrift für Musik“, für die er geistreiche Rezensionen schrieb. Weitaus weniger bekannt ist, dass auch Franz Liszt zahlreiche Essays über Musik und Musiker verfasste. Und will man romantische Musik verstehen, so reicht es nicht, ältere Vorbilder zu erkennen, denn wiederholt werden auch die Grenzen zwischen den verschiedensten Gattungen übersprungen oder verwischt.

“Romanticism” is characterised by crossing all kinds of boundaries. Usually, the titles of compositions give us insight into how their creators were inspired by literature, landscapes or works of art. But mere titles do not exhaust the phenomenon of crossing borders the least. Many – but of course not all – artists have multiple talents. Franz Liszt not only composed, but was also an outstanding piano virtuoso (and later conducted). Robert Schumann had to give up his promising piano career. But both possessed literary talent. Robert Schumann, whose father was a bookseller and publisher, considered at first whether he should pursue a music career or become an author. He was later one of the founders of the “Neue Zeitschrift für Musik”, for which he wrote intellectually stimulating reviews. It is much less known that Franz Liszt also wrote numerous essays on music and musicians. And if one wants to understand Romantic music, then it is not enough to recognise older role models, because the borders between the most diverse genres here are also repeatedly broken or washed away.

“낭만주의”는 온갖 경계를 넘나드는 것이 특징이다. 대개 작품의 제목은 창작자가 문학, 풍경 또는 예술 작품에서 어떻게 영감을 받았는지에 대한 통찰력(정보)을 (반복적으로) 제공한다. 그러나 이것이 국경을 넘나드는 현상의 끝은 아니다. 물론 전부는 아니지만, 많은 예술가가 다재다능하다. 프란츠 리스트는 작곡했을 뿐만 아니라 뛰어난 피아노 거장(나중에는 지휘자로도)이기도 했다. 로베르트 슈만은 자신의 유망한 피아노 경력을 포기해야 했다. 그러나 둘 다 문학적 재능을 가지고 있었다. 아버지가 서적상이자 출판업자였던 로베르트 슈만은 처음에 음악가로 진로를 정할지 아니면 작가가 되어야 할지 고민했다. 그는 나중에 재치 있는 평론들을 남긴 <음악신보>의 창시자 중 한 명이 되었다. 프란츠 리스트가 음악과 음악가에 관한 수많은 에세이를 썼다는 사실은 훨씬 덜 알려져 있다. 그리고 낭만주의 음악을 이해하고 싶다면 오래된 롤모델을 인식하는 것만으로는 충분하지 않은데, 여기에서 가장 다양한 장르 간의 경계도 반복적으로 건너뛰거나 흐려지기 때문이다.

Das von literarischen Quellen inspirierte Programm des Pianisten Alex Gadjiev enthält zwei Werke aus dem Italien gewidmeten zweiten Band der „Années de Pèlerinage“ von Franz Liszt sowie ein frühes und ein spätes Werk von Robert Schumann.

Alex Gadjiev’s programme, inspired by literary sources, contains two works dedicated to Italy from the second volume of Franz Liszt’s “Années de Pèlerinage” and an early and a late work of Robert Schumann.

문학적 출처에서 영감을 얻은 알렉스 가지예프의 프로그램에는 프란츠 리스트 <순례의 연보> 2권에서 이탈리아에 헌정된 2개의 작품과 함께 로베르트 슈만의 초기 및 후기 작품이 수록되어 있다.

Als Franz Liszt 1834 eine Liebesaffäre mit der verheirateten Gräfin Marie d’Agoult begann, hatte das junge Paar mit erheblichen Widerständen zu kämpfen: Die Frau trennte sich von Mann und Familie, und schon 1835 wurde die erste gemeinsame Tochter, Blandine, geboren. Liszt gab damals Klavierunterricht am Genfer Konservatorium, stach 1837 in Paris seinen Rivalen Sigismund Thalberg aus, verbrachte aber mit der Freundin auch eine unruhige Zeit in Genf, Paris und in Italien. Von beschaulichen „Pilgerjahren“, wie es die Titel von drei Klavierzyklen suggerieren wollen, kann deshalb kaum die Rede sein. Der erste Band der „Années de Pèlerinage“ mit Erinnerungen an die Schweiz war zwar größtenteils schon 1835/36 entworfen worden, wurde aber erst im Jahr 1855 veröffentlicht. 1858 folgte der zweite Band, dessen Zentrum die Italienerlebnisse der Jahre 1838/39 bilden. Der dritte Band der „Années de Pèlerinage“ entstand mit beträchtlichem zeitlichen Abstand und wurde erst 1883 publiziert.

When Franz Liszt began a love affair with the married countess Marie d’Agoult in 1834, the young pair had to endure considerable resistance. The woman separated from her husband and family and their first common daughter, Blandine, was born in 1835. Liszt was teaching piano at the Geneva Conservatory at the time, then supplanted his rival Sigismund Thalberg in Paris in 1837, but also had a turbulent time with his girlfriend in Geneva, Paris and Italy. So tranquil “Years of Pilgrimage”, as the title of three piano cycles suggests, can hardly be the case. The first volume of “Années de Pèlerinage”, a reminiscence of Switzerland, was already in draft form in 1835-36, but was first published in 1855. The second volume appeared in 1858, whose main subject is the Italy he experienced in 1838-39. The third volume of Années de Pèlerinage were composed considerably later and was only published in 1883.

1834년 프란츠 리스트가 기혼의 백작 부인 마리 다구와 연애를 시작했을 때, 젊은 커플은 상당한 저항을 견뎌야 했다. 그녀는 남편 및 가족과 별거하였으며 1935년에는 (리스트의) 첫딸 블랑딘이 태어났다. 리스트는 당시 제네바 음악원에서 피아노를 가르치고 있었고, 1837년 파리에서 라이벌인 지그문트 탈베르크를 능가했지만, 제네바, 파리, 이탈리아에서 여자친구와 함께 안절부절못한(격동의) 시간을 보내기도 했다. 따라서 세 번째 피아노 주기라는 제목에서 알 수 있듯이 평온한 <순례의 연보>에 대한 이야기는 거의 없다. 스위스에 대한 추억이 담긴 <순례의 연보> 1권은 1835~36년에 이미 작곡되었지만, 1855년에 처음 출판되었다. 2권은 1858년에 나왔는데, 그 중심은 그가 1838~39년에 경험한 이탈리아이다. <순례의 연보> 3권은 상당히 나중에 작곡되었으며 1883년에야 출판되었다.

Während Franz Liszt im ersten Band der „Années de Pèlerinage“ tönende Landschaftsschilderungen bot und literarische Betrachtungen anstellte, ließ sich der Musiker im zweiten Band von den Schwesterkünsten Dichtung und Malerei inspirieren. „Sposalizio“ („Vermählung der Maria“) bezieht sich auf ein Bild Raffaels, „Il Pensieroso“ („Der Nachdenkliche“) gibt einer Statue Michelangelos ein tönendes Denkmal. In den übrigen Stücken hat die Verehrung für die italienischen Dichter Petrarca (1304-1374) und Dante (1265-1321) ihren Niederschlag gefunden.

Franz Liszt offers tonal landscapes and literary views in his first volume of “Années de Pèlerinage”, and is inspired by the related arts of poetry and painting. “Sposalizio” (“The Marriage of the Virgin”) refers to a painting by Raffael, and “Il Pensieroso” (“The Thinker”) gives Michelangelo’s statue a tonal monument. In the other pieces, there are homages to the Italian poets Petrarca (1304-1374) and Dante (1265-1321).

프란츠 리스트는 <순례의 연보> 1권에서 경쾌한 풍경 묘사와 문학적 성찰을 제공하는 반면, 2권에서는 시 및 회화와 관련된 예술에서 영감을 받는다. (2권에서) 1번 <혼례>는 라파엘로의 그림 <성모 마리아의 결혼>을 참조하고, 2번 <명상에 잠긴 사람>은 미켈란젤로의 동상에 기념비적인 소리를 제공한다. 다른 곡들에서는 이탈리아 시인 페트라르카(1304~1374)와 단테(1265~1321)에 대한 경의(존경의 표시)를 반영한다.

Aus dem mehr als dreihundert Sonette umfassenden „Canzoniere“ Petrarcas vertonte Franz Liszt drei Stücke. Er schrieb Lieder für Singstimme und Klavier, die außerdem in reiner Klavierfassung vorliegen. Obwohl eine frühe Klavierfassung (1846) bereits ein Jahr vor der Version für Tenorstimme mit Klavierbegleitung (1847) veröffentlicht wurde, ist die Vokalfassung doch die älteste. Es handelt sich um Liebeslieder, bei denen die Sonettform und die italienische Sprache der Vorlagen die Anlehnungen an das deutsche Kunstlied weitgehend aufheben. Vielmehr gibt es rezitativische und ariose Abschnitte, die auch in der Fassung als „Lieder ohne Worte“ in den „Années de Pèlerinage“ erkennbar bleiben.

From the more than three hundred sonnets of Petrarca’s “Canzoniere”, Franz Liszt set three pieces to music. He wrote lieder for voice and piano which were also written in a version for solo piano. Although the earlier piano version (1846) was already published a year before the version for tenor with piano accompaniment (1847), the vocal version was written first. These are love songs where the sonnet form and the Italian language largely do away with any conformity to the German “Lied”. There are recitative and aria sections which can still be recognised in the “Songs without Words” version in “Années de Pèlerinage”.

프란츠 리스트는 페트라르카의 시집 <칸초니에레>의 300편이 넘는 소네트 중에서 세 곡을 음악으로 설정했다. 그는 독주 피아노 버전으로도 쓰인 성악과 피아노를 위한 가곡들을 썼다. 초기 피아노 버전(1846)이 피아노 반주가 포함된 테너 버전(1847)보다 1년 앞서 출판되었지만, 성악 버전이 가장 오래된 것이다. 이 곡들은 소네트 형식이며 이탈리아어가 독일의 가곡 “리트”에 대한 참조를 크게 없앤 사랑 노래이다. 오히려 레치타티보와 아리아 부분이 있는데, <순례의 연보>에서 “무언가” 버전으로 인식될 수 있다.

Der Unterschied von der schwärmerischen Poesie der Liedkompositionen zur Dramatik des folgenden Werks könnte größer nicht sein: Unter dem Eindruck von Dantes „Göttlicher Komödie“, aber auch beeinflusst von Victor Hugos 1836 veröffentlichtem Gedicht „Après une lecture de Dante“ entwarf Liszt 1839 die so genannte „Dante-Sonate“, die mit der Veröffentlichung im zweiten Band der „Années de Pèlerinage“ ihre endgültige Gestalt erhielt. Die Besonderheit der einsätzigen Sonate zeigt sich deutlich im Vergleich zur 1856/57 entstandenen „Dante-Sinfonie“. Als er sein Klavierwerk ausarbeitete, war Liszt ein Klaviervirtuose von höchsten Gnaden, was sich auch in der Virtuosität der Komposition widerspiegelt. Die Gedanken folgen hier nicht so geradlinig wie im Orchesterwerk den Stationen Inferno, Fegefeuer und Paradies, sondern lösen sich episodisch miteinander ab, wobei immer wieder auch die Gestalt des Dichters hineingenommen wird. Dabei ist ein Schwanken zwischen der Unerbittlichkeit des Schicksals und den leise am Firmament auftauchenden Hoffnungszeichen zu bemerken. Der Untertitel „Fantasia quasi Sonata“ ist natürlich eine Umkehrung von Ludwig van Beethovens Bezeichnung „Sonata quasi una Fantasia“ – dem Untertitel der beiden Sonaten op. 27, zu denen auch die „Mondscheinsonate“ gehört. Während Beethoven aber auf die stimmungsmäßige Besonderheit hinwies, betont Liszt sein Vermögen, einen außermusikalischen Sachverhalt mit den Mitteln der Sonatenform darstellen zu können. Damit ist eine wichtige Station auf dem Weg zur „Sinfonischen Dichtung“ erreicht, zunächst jedoch mit den Mitteln von Liszts ureigenem Instrument: dem Klavier. Darüber hinaus ist die „DanteSonate“ eine wichtige Station zu Liszts großer Klaviersonate h-Moll.

The difference between the rapturous poetry of the lied composition to the drama of the following work could not be any greater. Being inspired by Dante’s “Divine Comedy”, but also influenced by Victor Hugo’s poem “After a Reading of Dante”, published in 1836, Liszt composed the so-called “Dante Sonata” in 1839, which took its final form with the publication of the second volume of the “Années de Pèlerinage”. The distinct feature of the one-movement sonata is clear when compared with the “Dante Symphony” of 1856-57. When he composed his piano work, Liszt was a piano virtuoso of the highest level, which is reflected in the virtuosity of the composition. The narrative is not as straightforward as in the orchestral work with its inferno, purgatory and paradise sections, but take over from one another episodically, and the poet’s work is included again and again. The fluctuation between the mercilessness of fate and the quiet firmament of emerging signs of hope can be heard. The subtitle “Fantasia quasi Sonata” is of course the reverse of Ludwig van Beethoven’s marking “Sonata quasi una Fantasia” – the subtitle of both of the op. 27 sonatas, one of which is the Moonlight Sonata. Whereas Beethoven pointed to the emotional features of his piece, Liszt emphasises his ability to depict non-musical content within the context of the sonata form. For him, this is an important step on the way to achieving a “tone poem”, but using the means of Liszt‘s very own instrument: the piano. Also, the “Dante Sonata” paves the way to Liszt’s great piano sonata in B-minor.

리트 구성의 황홀한 시와 다음 작품의 드라마의 차이는 이보다 더 클 수 없다. 단테의 <신곡>에서 영감을 받았을 뿐만 아니라 1836년에 출판된 빅토르 위고의 시 <단테를 읽고>에서도 영향을 받은 리스트는 1839년 <단테 소나타>를 작곡했는데, 이 곡은 <순례의 연보> 2권이 출판되면서 최종 형식을 취했다. 단악장 소나타의 뚜렷한 특징은 1856~57년의 <단테 교향곡>과 비교하면 확연히 드러난다. 피아노 작품을 쓸 때 리스트는 최고 수준의(가장 고귀한) 피아노 거장이었는데, 이는 작곡 기교에도 반영된다. 여기에 나오는 묘사는 관현악 작품처럼 지옥편, 연옥편, 천국편을 따르지 않고, 에피소드 풍으로 서로 이어받으며(일시적으로 서로 번갈아 가며 등장하며), 시인의 작품(모습)이 계속해서 포함된다. 운명의 무자비함(변덕스러움)과 창공에 조용히 나타나는 희망의 징조 사이에는 동요가 있다. 부제 <소나타 풍의 환상곡>은 물론 루트비히 판 베토벤의 작품 27에 있는 소나타(13번과 14번) 중 하나인 14번 <월광 소나타>에 표시한 <환상곡 풍의 소나타>와 반대이다. 베토벤이 자신의 곡에서 감정적 특징(특별한 분위기)을 지적하는 반면, 리스트는 소나타 형식의 맥락 내에서 비음악적 내용을 묘사(소나타 형식의 수단으로 음악 외적인 상황을 표현)하는 자신의 능력을 강조한다. 그에게 이것은 “음시”를 달성하기 위한 중요한 단계이지만, 처음에는 리스트 자신의 악기인 피아노를 사용한다. 또한 <단테 소나타>는 리스트의 위대한 피아노 소나타 B단조로 가는 길을 열어준다.

Mit der fiktiven Gestalt des exzentrisch-genialen Kapellmeisters Johannes Kreisler fühlten sich im 19. Jahrhundert viele Musiker wesensverwandt. E.T.A. Hoffmann (1776-1822) hatte 1814 im ersten Band der „Fantasiestücke in Callots Manier“ eine erste „Kreisleriana“ vorgelegt. Es folgten weitere Kreisler-Stücke, und die Biographie des Kapellmeisters ist 1819 und 1821 von zentraler Bedeutung in dem satirischen Roman „Lebensansichten des Katers Murr“. Zu den Komponisten, die sich mit der literarischen Figur als wirklichem und doch unverstandenem Künstler identifizierten, gehörte neben Robert Schumann auch Johannes Brahms, der Briefe an seine Freunde gelegentlich mit „Johannes Kreisler jun.“ unterschrieb.

Many musicians in the 19th century felt themselves akin to the fictitious character of the eccentric and brilliant conductor Johannes Kreisler. E.T.A. (Ernst Theodor Amadeus) Hoffmann (1776-1822) wrote his first “Kreisleriana” in the first volume of the “Fantasy Pieces in Callot’s Manner” in 1814. Further essays on Kreisler followed and the biography of the conductor of 1819 and 1821 was the main feature of the satirical novel “The Life and Opinions of the Tomcat Murr”. Among those musicians who identified with this literary character, a true but misunderstood artist, were Robert Schumann and Johannes Brahms, who sometimes signed his letters to friends “Johannes Kreisler Jr.”.

19세기의 많은 음악가는 기발하고 독창적인 지휘자 요하네스 크라이슬러의 허구적 성격(가상 인물)과 친밀감을 느꼈다. 에른스트 테오도어 아마데우스 호프만(1776~1822)은 1814년 <칼로 풍의 환상곡> 1권에서 첫 번째 <크레이슬레리아나>를 썼다. 요하네스 크라이슬러에 대한 추가 에세이가 이어졌고 1819년과 1821년 지휘자의 전기는 풍자 소설 <수고양이 무르의 인생관>의 주요 특징이었다. 로베르트 슈만 외에도, 문학적 인물을 실재하면서도 오해받는 예술가로 동일시한 음악가 중에는 가끔 친구들에게 편지에 “요하네스 크라이슬러 2세”로 서명한 요하네스 브람스도 있었다.

Robert Schumann komponierte die acht Klavierfantasien der „Kreisleriana“ op. 16 in zwei Etappen von Mitte März bis Anfang Mai 1838. Die Notiz „im Feuer componirt“ galt nicht nur für die zügige Ausarbeitung, denn Schumann befand sich damals in einer Zeit zwischen Hoffen und Bangen. Noch waren die Hindernisse auf dem Weg zu einer dauerhaften Verbindung mit Clara Wieck nicht überwunden, und erst am 12. September 1840 konnte die Hochzeit stattfinden. Deshalb entfiel auch die ursprünglich geplante Widmung an Clara Wieck, und die „Kreisleriana“ wurden Frédéric Chopin zugeeignet.

Robert Schumann composed the eight piano fantasies of the “Kreisleriana” op. 16 in two phases, from mid-March to the beginning of May of 1838. The marking „composed in fire“ not only refers to his rapid progress on the work, but also reveals that Schumann’s frame of mind, which fluctuated between hope and fear. There were still major obstacles to a marriage with Clara Wieck at that time, which only came to pass on 12 September 1840. This is why the originally planned dedication to Clara Wieck was dropped and the “Kreisleriana” was dedicated to Frédéric Chopin.

로베르트 슈만은 1838년 3월 중순부터 5월 초까지 두 단계에 걸쳐 <크레이슬레리아나>의 8개의 피아노 환상곡을 썼다. “불 속에서 작곡함”이라는 표시는 작품의 급속한 진행을 의미할 뿐만 아니라 희망과 공포 사이를 오가는 슈만의 기분을 드러낸다. 1840년 9월 12일에야 비로소 클라라 비크와 결혼하는 데에는 여전히 큰 장애물이 있었다. 따라서 클라라 비크에 대한 원래의 계획된 헌정이 취소되었으며 <크레이슬레리아나>는 프레데릭 쇼팽에게 헌정되었다.

Neben der fiktiven Künstlerpersönlichkeit Kreislers hat auch Robert Schumanns Liebe zu Clara Wieck die „Kreisleriana“ op. 16 beeinflusst: „Aber, Clara, diese Musik jetzt in mir und welche schönen Melodien immer – denke, seit meinem letzten Brief habe ich wieder ein ganzes Heft neuer Dinge fertig. ‚Kreisleriana’ will ich es nennen, in denen Du und ein Gedanke von Dir die Hauptrolle spielen (...) da wirst Du lächeln so hold, wenn Du Dich wieder findest.“ Während aber somit ein doppeltes Schwanken zwischen Euphorie und Depression festzustellen ist, haben die humoristischen Elemente der Erzählungen kaum Bedeutung für die Komposition.

In addition to the fictitious artist persona of Kreisler, Robert Schumann’s love for Clara Wieck also influenced the “Kreisleriana” op. 16: “But, Clara, I’m overflowing with music and beautiful melodies now – imagine, since my last letter I’ve finished another whole notebook of new pieces. I intend to call it ‘Kreisleriana’. You and one of your ideas play the main role in it […] then you will smile so sweetly when you discover yourself in it.” Although there is a fluctuation between euphoria and depression, the humoristic elements of the narratives have no deeper meaning for the composition.

요하네스 크라이슬러의 허구적(가상의) 예술가의 성격 외에도 로베르트 슈만의 클라라 비크에 대한 사랑은 <크라이슬레리아나>에 영향을 미쳤다. “하지만 클라라, 지금 내 안에는 음악과 아름다운 선율로 넘쳐나고 있어. – 지난 편지 이후로 새로운 곡들로 가득 찬 또 다른 악보를 완성했다고 상상해봐. 이 곡을 ‘크라이슬레리아나’로 부르고 싶어. 당신과 당신의 생각 중 하나가 그 안에서 중요한 역할을 하고 […] 당신은 이 곡 속에서 당신의 모습을 발견하고 따스하게 미소짓게 될 것이다.” 행복감과 우울감 사이에 변동이 있지만, 묘사의 유머러스한 요소들은 작품에 거의 의미가 없다.

Robert Schumanns „Kreisleriana“ bestehen aus acht Fantasiestücken mit unterschiedlicher Ausdehnung, wobei der Wechsel von leidenschaftlich-bewegten und innig-gesangvollen Abschnitten charakteristisch ist. Ganz bewusst wird dabei eine Anlehnung an die Sonatenform gemieden. Der Eindruck des Improvisatorischen kann allerdings nicht darüber hinwegtäuschen, dass Motive und Rhythmen sich zu einem dichten Beziehungsgeflecht verbinden. Hinzuweisen ist auch auf die überlegte Tonartendisposition, denn die langsameren Teile stehen in B-Dur, und die schnellen Sätze verwenden g-Moll und nahe verwandte Tonarten.

Robert Schumann’s “Kreisleriana” is made up of eight fantasy pieces of various lengths. The alternation between passionate/moving and intimate/cantabile sections is characteristic. Conforming to the sonata form is consciously avoided. The improvisatory air cannot belie the fact that the motives and rhythms are bound in a tight mesh of relationships. The carefully considered disposition of the tonality should also be mentioned, since the slower sections are in B-flat major and the fast movements use G minor and closely related keys.

로베르트 슈만의 <크레이슬레리아나>는 길이가 다른 8개의 환상곡으로 구성되어 있다. 열정적으로 움직이는 부분과 친밀하게 노래하는 부분 사이의 교대가 특징이다. 소나타 형식을 따르는 것은 의도적으로 피한다. 그러나 동기와 리듬이 결합하여 촘촘한 관계망을 형성한다는 사실은 즉흥적인 느낌(분위기)을 숨길 수 없다. 느린 부분들은 내림B장조이고 빠른 부분들은 G단조 그리고 밀접하게 관계된 조성들을 사용하기 때문에 신중하게 고려된 조성의 배치도 주목할 가치가 있다.

Während Robert Schumann bis zum Opus 23 ausschließlich Klavierwerke veröffentlichte, bevorzugte er später größere Besetzungen und kehrte nur gelegentlich zum solistischen Tasteninstrument zurück. Ende 1850 war Schumann Städtischer Musikdirektor in Düsseldorf geworden, die Uraufführung der „Rheinischen“ Sinfonie am 6. Februar 1851 wurde zwar mit Beifall aufgenommen, doch die Kritik an Schumanns Konzerten wurde unaufhaltsam lauter. Auf einer Schiffsreise, die von Bonn bis nach Basel, an den Genfer See und nach Chamonix führte, konnte das Ehepaar Schumann Abstand gewinnen. Unmittelbar im Anschluss an die Reise schrieb Robert Schumann vom 13. bis zum 22. August 1851 die drei Fantasiestücke op. 111. Der Titel stand lange Zeit nicht fest. Erst wollte Schumann „Romanzen“ als Überschrift wählen, dann wurde „Clavierstücke“ vorgesehen, zuletzt blieb es bei „Fantasiestücke“. Im Gegensatz zum leidenschaftlichen Eröffnungsstück zeichnet sich das zweite Stück bei einfacher dreiteiliger Liedform durch Schlichtheit und gesangvolle Melodik aus, die nur im Mittelteil einer etwas rascheren Bewegung weicht.

Robert Schumann published piano pieces exclusively until Opus 23, then favoured larger instrumentation and only occasionally returned to the solo keyboard. Schumann became the Municipal Music Director in Düsseldorf at the end of 1850 and the premiere of the “Rheinish” Symphony on 6 February 1851 was applauded, but criticism of Schumann’s concerts grew more pronounced. On a boat tour from Bonn to Basel, then on to Lake Geneva and Chamonix, the Schumanns were able to take a step back from the situation. Immediately after the trip, Robert Schumann wrote the “Three Fantasy Pieces” Op. 111 from 13 to 22 August 1851. The title was uncertain for a long time. Schumann first wanted to call them “Romanzas”, then settled on “Piano Pieces”, but finally reverted to “Fantasy Pieces”. In contrast to the passionate opening piece, the second piece is characterised by its simplicity and cantabile melodies in a simple three part lied form, which only gives way to somewhat faster movement in the middle section.

로베르트 슈만은 작품 23(4개의 밤의 소곡)까지 피아노곡들만 출판했지만, 나중에는 더 큰 기악 편성을 선호했으며 가끔 피아노 독주곡으로 돌아왔다. 슈만은 1850년 말에 뒤셀도르프의 시립 음악 감독이 되었고 1851년 2월 6일 마지막 교향곡 3번 <라인> 초연으로 박수를 받았지만, 슈만의 연주회들에 대한 비판은 더욱 커졌다. 본에서 바젤, 그러고 나서 제네바 호수와 샤모니로 가는 보트 투어에서 슈만은 거리를 둘 수 있었다. 여행 직후 로베르트 슈만은 1851년 8월 13~22일에 3개의 환상곡 작품 111을 썼다. 오랫동안 제목이 정해지지 않았다. 슈만은 처음에 “로망스”로 선택했고, 그다음에는 “피아노 소품>으로 계획했지만, 마침내 <환상곡>으로 정착했다. 열정적인 첫 번째 곡과 달리 두 번째 곡은 단순한 3부 가곡 형식의 소박함과 칸타빌레(노래하듯이) 멜로디가 특징으로, 이는 중간 부분에서 다소 빠른 악장에만 자리를 양보한다.

Michael Tegethoff (Translation: Daniel Costello) / 미하엘 테게토프 글 (다니엘 코스텔로 번역)

Musikalisches Können und mitteleuropäische Kultur: Alexander Gadjiev verdankt ersteres seiner Familie, denn beide Eltern sind Klavierlehrer und Musiker, und letzteres seiner Heimatstadt Gorizia, einer natürlichen Drehscheibe von Völkern, Kulturen und Sprachen. Beide Faktoren hatten einen entscheidenden Einfluss auf seine natürliche Fähigkeit, verschiedene Musikstile und –sprachen nach seinem eigenen Geschmack aufzunehmen, aufzubereiten und zu überarbeiten. Von seinem Vater, einem bekannten russischen Klavierlehrer, erhielt er Unterricht. Bereits mit neun Jahren trat Alexander mit Orchester auf und im Alter von zehn Jahren gab er sein erstes Solokonzert. Sein Abitur schloss er mit siebzehn Jahren mit den besten Noten und Auszeichnungen ab. Beim 30. Premio Venezia, einem Wettbewerb, bei dem nur die begabtesten Nachwuchstalente in Italien zugelassen werden, erspielte er den 1. Platz. Die vielen Konzertabende des Premio Venezia ermöglichten es ihm, an zahlreichen Orten in Italien und im Ausland (London, Paris, Madrid, Dublin) zu konzertieren.

Musical exposure and Central European culture: Alexander Gadjiev owes the first to his family, with both parents being piano teachers and musicians, and the second to Gorizia – his city of origin – a natural crossroads of people, cultures and languages. These factors have both had a determining influence on his natural ability to absorb, process and rework different musical styles and languages to his own taste. Tutored by his father, a well-known Russian teacher, Alexander played a solo concerto for the first time with orchestra at the age of nine, and held his first solo recital aged ten. He was awarded his diploma at the age of seventeen with the highest marks and honours. This allowed him to participate in the Premio Venezia – a competition reserved for the best young talents in Italy – and to win the 30th edition of the award. The numerous recitals of the Premio Venezia allowed him to perform throughout Italy and abroad (London, Paris, Madrid, Dublin).

음악적 능력과 중부 유럽 문화. 알렉산더 가지예프는 부모님 모두 피아노 교육자이자 음악가인 그의 가족에 첫 번째 빚을 지고 있으며, 두 번째는 그의 출신 도시이자 민족, 문화, 언어의 자연스러운 교차로인 고리치아에 빚지고 있다. 두 가지 요소 모두 다양한 음악 스타일과 언어를 자신의 취향에 맞게 흡수, 처리, 재작업하는 그의 타고난 능력에 결정적인 영향을 미쳤다. 러시아의 저명한 교육자인 아버지의 지도를 받은 알렉산더는 9세에 처음으로 오케스트라와 협연했으며 10세에 첫 독주회를 가졌다. 그는 17세에 가장 높은 점수와 영예로 고등학교를 졸업했다. 이를 통해 그는 이탈리아 최고의 영재들만이 참가하는 대회인 제30회 프레미오 베네치아에 참가하여 우승했다. 베네치아 전국피아노콩쿠르의 수많은 독주회에 이어 이탈리아 전역과 해외(런던, 파리, 마드리드, 더블린)에서 연주했다.

Wendepunkt in seiner internationalen Karriere:

Im Dezember 2015 belegte er den 1. Platz beim 9. Internationalen Klavierwettbewerb in Hamamatsu, einem der zehn bedeutendsten Klavierwettbewerbe der Welt. Unter den Jury-Mitgliedern waren neben Martha Argerich auch Akiko Ebi und Sergey Babayan. Seine Auftritte verzauberten ganz Hamamatsu und folglich gewann er ebenso den Zuschauerpreis. Dieser Erfolg öffnete Alexander die Türen zu den renommiertesten Konzertsälen in Japan und zu großen Klavierfestivals, wie dem Chopin-Festival in Duszniki, dem ClaviCologne International Piano Festival in Düsseldorf, dem Piano Festival Rafael Orozco in Cordoba, dem Ljubljana Festival, dem Bologna Festival, dem Settimane Musicali für das Teatro Olimpico in Vicenza, dem Festival Animato de Paris, dem Ravenna Musica und dem Salzburger Kammermusikfestival.

December 2015 marked a turning point in his international career.

At the Ninth Hamamatsu International Piano Competition – one of the ten most prestigious piano competitions in the world – the jury, which included Martha Argerich, Akiko Ebi and Sergey Babayan, among others, awarded him the first prize. His performances enchanted Hamamatsu, and he also won the audience prize. Since then, Alexander has regularly been invited to perform in Japan and at major piano festivals around the world including the “Chopin” Festival in Duszniki, the ClaviCologne International Piano Festival in Düsseldorf, Piano Festival Rafael Orozco in Cordoba, the Ljubljana Festival, Bologna Festival, Settimane Musicali for the Teatro Olimpico in Vicenza, the Festival Animato de Paris, Ravenna Musica, and the Kammermusik Salzburg Festival.

2015년 12월은 그의 국제 경력에서 전환점이 되었다. 세계에서 가장 권위 있는 10대 피아노 콩쿠르 중 하나인 제9회 하마마쓰 국제피아노콩쿠르에서 마르타 아르헤리치, 아키코 에비, 세르게이 바바얀 등이 포함된 심사위원단은 그에게 1등상을 수여했다. 그의 연주는 하마마쓰 전체를 매료시켰으며, 청중상도 받았다. 이후 알렉산더는 일본에서 가장 저명한 콘서트홀들과 두슈니키 쇼팽 페스티벌, 뒤셀도르프의 클라비쾰른 국제피아노페스티벌, 코르도바의 라파엘 오로스코 피아노 페스티벌, 류블랴나 페스티벌, 볼로냐 페스티발, 비첸차의 올림피코 극장을 위한 음악 주간, 파리 아니마토 페스티발, 라벤나 무지카, 잘츠부르크 실내악 페스티벌 등 세계의 주요 피아노 페스티벌에 정기적으로 초청받았다.

Alexander hat bereits in einigen der weltweit bedeutendsten Opernhäuser und Konzertsäle musiziert, unter anderem im Teatro La Fenice in Venedig, Teatro Regio in Turin, Teatro Alighieri in Ravenna, Kioi Hall und Bunka Kaikan in Tokio, Kitara Concert Hall in Sapporo, Hyogo Performing Arts Center in Osaka, Salle Cortot in Paris, im Moskauer Konservatorium und danach in Salt Lake City, Istanbul, Barcelona, Rom, Mailand und in zahlreichen anderen Städten, gemeinsam mit weltbekannten Orchestern, wie dem Orchestra di Padova e del Veneto, dem Orchestra Sinfonica del Teatro della Fenice, den I Virtuosi Italiani, dem Tokyo Symphony Orchestra, dem Nagoya Philharmonic Orchestra, dem Kyoto Symphony Orchestra, dem Prague Symphony Orchestra, dem Pomeranian Philharmonic Orchestra, dem Jerusalem Symphony Orchestra und dem Mitteleuropa Orchestra.

Alexander has played in some of the most important opera houses and concert halls such as at Teatro La Fenice in Venice, Teatro Regio in Turin, Teatro Alighieri in Ravenna, Kioi Hall and Bunka Kaikan in Tokyo, Kitara Concert Hall in Sapporo, Hyogo Performing Arts Center in Osaka, Salle Cortot in Paris, the Moscow Conservatory, and then in Salt Lake City, Istanbul, Barcelona, Rome, Milan etc. and with internationally famous orchestras such as Orchestra di Padova e del Veneto, Orchestra Sinfonica del Teatro della Fenice, I Virtuosi Italiani, the Tokyo Symphony Orchestra, the Nagoya Philharmonic Orchestra, the Kyoto Symphony Orchestra, the Prague Symphony Orchestra, the Pomeranian Philharmonic Orchestra, the Jerusalem Symphony Orchestra, and the Mitteleuropa Orchestra.

알렉산더는 베네치아의 라 페니체 극장, 토리노의 왕실 극장, 라벤나의 알리기에리 극장, 도쿄의 기오이 홀, 도쿄문화회관, 삿포로의 기타라 콘서트홀, 오사카의 효고현립예술문화센터, 파리의 코르토 홀, 모스크바 음악원 같은 가장 중요한 오페라 하우스들과 콘서트홀들, 솔트레이크시티, 이스탄불, 바르셀로나, 로마, 밀라노 등지에서 연주했으며 파도바-베네토 오케스트라, 페니체 극장 교향악단, 이 비르투오시 이탈리아니, 도쿄 교향악단, 나고야 필하모닉 오케스트라, 교토 교향악단, 프라하 교향악단, 포메라니안 필하모닉 오케스트라, 예루살렘 교향악단, 중부유럽 오케스트라 같은 국제적으로 유명한 오케스트라들과 협연했다.

Ebenso hat er bereits mit vielen weltweit berühmten Dirigenten musiziert: mit Yuri Temirkanov, Marek Pijarowski, Ken Takaseki, Anton Nanut, Tatsuya Shimono, Tomomi Nishimoto, Christopher Franklin, Marco Guidarini, Olivier Ochanin, En Shao, Ulrich Windfuhr, Giedrė Šlekytė˙, Gianluca Martinenghi, und Tiziano Severini.

He has also worked with some of the most famous conductors around the world including Yuri Temirkanov, Marek Pijarowski, Ken Takaseki, Anton Nanut, Tatsuya Shimono, Tomomi Nishimoto, Christopher Franklin, Marco Guidarini, Olivier Ochanin, En Shao, Ulrich Windfuhr, Giedrė Šlekytė˙, Gianluca Martinenghi, and Tiziano Severini.

그는 유리 테미르카노프, 마레크 피야로프스키, 겐 다카세키, 안톤 나누트, 다쓰야 시모노, 도모미 니시모토, 크리스토퍼 프랭클린, 마르코 귀다리니, 올리비에 오샤닌, 엔 샤오, 울리히 빈트푸어, 기에드레 실레키테, 지안루카 마르티넨기, 티치아노 세베리니 등 세계적으로 유명한 지휘자들과도 함께 일했다.

Er hat CDs für Suonare News und ALM Records Japan aufgenommen und seine Konzerte wurden von Rai Radio3, Rai3, Radio Vaticana, Radio Classica, ORF, RTV Slovenija und Radio Koper mitgeschnitten.

He has recorded for Suonare News, ALM Records Japan, and his concerts were broadcast by Rai Radio3, Rai3, Radio Vaticana, Radio Classica, ORF, RTV Slovenija and Radio Koper.

그는 수오나레 뉴스 및 ALM 레코드 저팬에서 음반을 녹음했으며 그의 연주회들은 Rai 라디오3, Rai3, 라디오 바티카나, 라디오 클라시카, ORF, RTV 슬로베니야, 라디오 코페르에서 중계되었다.

Zurzeit studiert er bei Pavel Gililov am Mozarteum Salzburg und ist Teilnehmer renommierter Meisterkurse, wie der „Eppan Piano Academy“ und der „Verbier Piano Academy“, die beide nur eine Handvoll ausgewählter Pianisten aus aller Welt aufnehmen.

He is currently studying with Pavel Gililov at Mozarteum Salzburg and participating in prestigious masterclasses such as the “Eppan Piano Academy” and “Verbier Piano Academy”, both limited to a very small number of selected pianists from around the world.

그는 현재 잘츠부르크 모차르테움에서 파벨 길릴로프를 사사하고 있으며, 전 세계에서 선택된 소수의 피아니스트만 받아들이는 “에판 피아노 아카데미”와 “베르비에 피아노 아카데미” 등 유명한 마스터클래스에 참가하고 있다.

Stimmen über Alexander Gadjiev:

What people are saying about him:

사람들이 그에 대해 말하는 것들은 다음과 같다.

„Alexander Gadjiev ist meiner Ansicht nach eine der wichtigsten Persönlichkeiten der europäischen Klavierkunst von heute. Er beherrscht das Gleichgewicht zwischen Farbe und Dynamik, Feinheit und Kraft, Kontrolle und Leidenschaft in Vollkommenheit. In Prokofievs spektakulärer Klaviersonate Nr. 7 setzt Gadjiev sich mit seiner überwältigen rhythmischen Energie durch, was an die Pracht sowjetischer Klavierkunst erinnert. Bei der Ballade Nr. 4 zeigt er seine Kenntnisse eines zauberhaften ‚mezza voce‘. Er enthüllt die kulturellen Prophezeiungen des letzten Werks Chopins mit impressionistischem Klang und und selbst den symphonischen Ravel meistert er in atemberaubender Weise.“ - Mario Messinis, Musikkritiker, nachdem Gadjiev den 30. Premio Venezia gewonnen hatte.

“Alexander Gadjiev is, in my opinion, one of the most important figures in modern European pianism. He has a perfect understanding of how to balance timbre and dynamics, subtlety and full-out playing, control and fervour. In Prokofiev‘s spectacular Piano Sonata No. 7, Gadjiev imposes himself with his overwhelming rhythmic energy, evoking the pomp of Soviet pianism. In Ballade No. 4, he is also familiar with the sorcery of ‚mezza voce‘, he uncovers the cultural prophecies of the last Chopin, right down to the impressionist sound, and even symphonic Ravel, in a dizzying upwards path.” - Mario Messinis, music critic, when Gadjiev won the 30th Premio Venezia

“알렉산더 가지예프는 내 생각에 현대 유럽 피아니즘에서 가장 중요한 인물 중 한 명이다. 그는 음색과 역동성, 미묘함과 완전한 연주(섬세함과 힘), 통제과 열정 사이의 균형을 완벽하게 마스터한다. 프로코피에프의 장엄한 피아노 소나타 7번에서 가지예프는 소비에트 피아니즘의 화려함을 불러일으키는 압도적인 리드미컬한 에너지로 자신을 몰아붙인다. 발라드 4번에서 그는 ‘메차 보체’(목소리를 [절반으로] 낮추어서 : 억제하여 약음으로 노래하라는 지시)에 대한 지식을 보여주는데, 쇼팽의 마지막 작품의 문화적 예언을 인상주의적인 사운드와 그가 마스터한 교향적인 라벨까지 숨 막히게 드러낸다.” - 마리오 메시니스, 가지예프가 제30회 프레미오 베네치아에서 우승할 당시의 음악 평론가

„Alexander hat die seltene Fähigkeit, das Publikum mit seinem erzählerischen Stil zu bezaubern. Seine Interpretation von Bach/Busonis Chaconne war einer der Höhepunkte des gesamten Wettbewerbs. Ich war regelrecht hypnotisiert. Gadjiev hat echte Eleganz und Leidenschaft“. - Sergey Babayan, weltbekannter Pianist und Jurymitglied des 9. Internationalen Hamamatsu Klavierwettbewerbs.

“Alexander has the rare ability to hypnotise the public with his narrative ability. His interpretation of Bach/Busoni‘s Chaconne was one of the high points of the entire competition. I was genuinely hypnotised by it. Gadjiev has true elegance and passion”. - Sergey Babayan, internationally famous pianist, when Gadjiev won the Ninth Hamamatsu International Piano Competition

“알렉산더는 스토리텔링 스타일로 청중을 매료시키는 드문 능력을 지니고 있다. 바흐/부조니의 샤콘느 해석은 콩쿠르 전체의 하이라이트 중 하나였다. 나는 완전히 최면에 걸렸다. 가지예프는 진정한 우아함과 열정을 지니고 있다.” - 가지에프가 제9회 하마마쓰 국제피아노콩쿠르에서 우승할 당시의 심사위원이자 세계적으로 유명한 피아니스트 세르게이 바바얀

„Seine Stärke liegt in der Originalität und Kreativität seiner Interpretation. Sie ist traditionell, geht aber weit über die konventionellen Beschränkungen der Musik hinaus.“ - Akiko Ebi, Vorsitzende des 9. Internationalen Hamamatsu Klavierwettbewerbs.

“His strength lies in the originality and creativity of his interpretation. It is based on tradition, but goes well beyond the traditional confines of music.” - Akiko Ebi, President of the Ninth Hamamatsu International Piano Competition

“그의 강점은 해석의 독창성과 창의력에 있다. 전통적이지만 기존의 음악적 한계를 훨씬 뛰어넘는다.” - 제9회 하마마쓰 국제피아노콩쿠르 심사위원장 아키코 에비

어쿠센스 레코드는 독일의 음반사로 교향악 위주이다.