바이올린과 피아노, 서로 다른 두 악기의 모범적인 앙상블
바이올리니스트 나탈리아 로메이코는 러시아 노보시비르스크 출신으로, 7세에 노보시비르스크 필하모닉과 협연했으며, 프레미오 파가니니 콩쿠르, 마이클 힐 콩쿠르 등에서 우승했다. 2010년부터 런던 왕립음악원의 바이올린 교수로 가르치고 있다. 피아니스트 디나라 클린톤은 우크라이나 하르키우 출신으로, 모스크바에서 엘리소 비르살라제로부터 배웠으며, 런던 왕립음악원에서도 공부했다. 2007년 부조니 콩쿠르 공동 준우승자이며, 현재 왕립음악원과 메뉴인 스쿨의 교수이다. 바이올린은 선율을 이끌고 피아노는 분위기를 주도하는 모범적인 앙상블을 들려준다.
Track
01 Clara 3 Romances, Op. 22: I. Andante molto / 클라라 슈만 3개의 로망스
02 Clara 3 Romances, Op. 22: II. Allegretto
03 Clara 3 Romances, Op. 22: III. Leidenschaftlich schnell
04 Robert Schumann/Kreisler: Fantasy in C, Op. 131 / 로베르트 슈만 환상곡 (크라이슬러 편곡)
05 Szymanowski Mythes, Op. 30, M29 No. 1 La fontaine d'Arethuse (The Fountain of Arethusa) / 시마노프스키 신화 1번 <아레투사의 샘>
06 Szymanowski Mythes, Op. 30, M29 No. 2 Narcisse (Narcissus) / 시마노프스키 신화 2번 <나르키소스>
07 Szymanowski Mythes, Op. 30, M29 No. 3 Dryades et Pan (Dryads & Pan) / 시마노프스키 신화 3번 <드리아데스와 판>
08 Szymanowski Nocturne & Tarantella, Op. 28, M30 / 시마노프스키 <녹턴과 타란텔라>
09 Prokofiev 5 Pieces from Cinderella No. 1 Waltz / 프로코피에프 <신데렐라 중 5개의 소품>
10 Prokofiev 5 Pieces from Cinderella No. 2 Gavotte
11 Prokofiev 5 Pieces from Cinderella No. 3 Passepied
12 Prokofiev 5 Pieces from Cinderella No. 4 Winter Fairy
13 Prokofiev 5 Pieces from Cinderella No. 5 Mazurka
The unifying idea behind the musical works in this album is that of transcendence into otherworldliness, or indeed the passage from reality to a fantasy world, starting with the composers themselves and their escape from their own personal struggles, and extending to the listener, who is thus introduced to a magical atmosphere of fairy tales, myths, and exotic soundscapes. As we will see in detail below, Clara Schumann very successfully sought self-forgetfulness in composing, which offered her an escape from an unfortunate reality where women were thought to be not suited to composition. Her husband, Robert Schumann, opted for the freedom of the fantasy form to escape the classical compositional forms he often found himself confined to, and pushed the boundaries in violin writing in this late work, the Fantasie Op.131. Karol Szymanowski chose Ancient Greek mythology to create the dreamlike atmosphere in his Mythes, while dance helped him escape the reality of his own disability and Middle Eastern aromas added to the mood in his Nocturne and Tarantella. Finally, in the midst of World War II and Prokofiev’s incredibly difficult personal circumstances at the time, it is a fairy tale and the magic attached to it that takes centre stage in his compositional work.
이 앨범에 담긴 음악 작품들을 관통하는 핵심 사상은 초월, 즉 현실에서 환상의 세계로의 이동인데, 이는 작곡가 자신과 그들의 개인적인 갈등에서 벗어나는 여정에서 시작하여, 듣는 이에게 동화, 신화, 그리고 이국적인 음악적 파노라마의 마법 같은 분위기를 선사한다. 아래에서 자세히 살펴보겠지만, 클라라 슈만은 작곡을 통해 자기 망각을 매우 성공적으로 추구했는데, 이는 여성은 작곡에 적합하지 않다고 여겨졌던 불행한 현실에서 벗어날 기회를 제공했다. 그녀의 남편인 로베르트 슈만은 자신이 종종 얽매여 있던 고전적인 작곡 형식에서 벗어나기 위해 환상곡 형식의 자유로움을 선택했고, 후기 작품인 환상곡 작품 131에서 바이올린 작품의 벽을 허물었다. 카롤 시마노프스키는 그의 작품 <신화>에서 고대 그리스 신화를 몽환적인 분위기로 표현했고, 춤은 그가 얽매인 현실에서 벗어나는 데 도움을 주었으며, <녹턴과 타란텔라>에서는 서아시아의 향기가 그 분위기를 더욱 고조시켰다. 마지막으로, 제2차 세계대전과 극도로 어려운 개인적 상황 속에서도 프로코피에프의 작품은 동화와 그 안에 담긴 마법 같은 이야기로 가득 차 있다.
There is a poignancy about Clara Schumann’s music, even before actually listening to it. Her exceptional talent for composition was stifled due to the outdated yet pervasive belief that women were inherently unsuited to compose music for public consumption. However, she was in no way silenced; she may have famously stated that women were not born to compose, but she was certainly born and raised to play the piano and was for some time the more famous musician in the Schumann family. Composing gave Clara great pleasure; in her own words, ‘there is nothing that surpasses the joy of creation, if only because through it one wins hours of self-forgetfulness, when one lives in a world of sound’.
클라라 슈만의 음악에는 실제로 듣기 전부터 가슴 아픈 사연이 있다. 그녀의 탁월한 작곡 재능은 여성은 대중을 위한 음악을 작곡하기에 본질적으로 적합하지 않다는 시대에 뒤떨어진, 그러나 널리 퍼진 믿음 때문에 억눌렸다. 하지만 그녀는 결코 침묵하지 않았는데, 그녀는 여성이 작곡하기 위해 태어난 것이 아니라고 유명하게 언급해왔을지 모르지만, 피아노를 연주하기 위해 태어나고 자랐으며, 한동안 슈만 가문에서 가장 유명한 음악가였다. 클라라는 작곡에 큰 기쁨을 느꼈는데, 그녀 자신의 말로 표현하자면 다음과 같다. “창작의 기쁨을 능가하는 것은 없다. 그것을 통해 자신을 잊어버리는 시간을 얻을 수 있기 때문이다. 그때 우리는 소리의 세계에 살게 된다.”
Her Three Romances were composed in 1853 and dedicated to celebrated violinist Joseph Joachim, with whom Clara took the pieces on tour. Joachim continued to perform the romances on his own tours, with the king allegedly being in ecstasy over the compositions. The three movements are exciting, contrasting, and are brimming with distinctive character. The immensely passionate first romance is built on a very emotional melodic framework, with a lyrical songlike flowing tune in the violin part, a very effective dialogue between the two instruments and a sentimental reference to Robert Schumann’s First Violin Sonata. The second romance has a nostalgic, with a pervasive sense of melancholy permeating the movement. The syncopated and lyrical main theme, which goes through several variations in its short span, is animated by trills in the violin part and complemented by energising piano figures. The third and final romance, Leidenschaftlich schnell (meaning passionate, fast), opens rhapsodically with rolling arpeggios on the piano, over which the violin soars with a charming and optimistic song. The subsequent variations maintain an engagingly lyrical quality as the violin sustains its ethereal mood, held aloft by the piano’s unrelenting and bubbling accompaniment. At the end of the work, the piece slows down and beautifully resolves with the lower end of the violin register. Schumann is very idiomatic with her violin writing, which makes this composition especially popular within violin repertoire.
클라라 슈만의 3개의 로망스는 1853년에 작곡되어 저명한 바이올리니스트 요제프 요아힘에게 헌정되었으며, 클라라는 이 곡들을 가지고 순회공연을 떠났다. 요제프 요아힘은 자신의 순회공연에서도 이 로망스를 계속 연주했고, 이 곡들에 매료되었다고 전해진다. 세 악장은 흥미진진하고 대조적이며, 독특한 개성으로 가득하다. 매우 열정적인 첫 번째 로망스는 매우 감정적인 선율의 틀을 바탕으로 하고 있으며, 바이올린 파트에서는 서정적이면서도 노래처럼 흐르는 선율, 두 악기 사이의 효과적인 대화, 그리고 로베르트 슈만의 바이올린 소나타 1번에 대한 감상적인 언급이 특징이다. 두 번째 로망스는 향수를 불러일으키는 분위기로, 악장 전체에 걸쳐 짙게 드리워진 우울함이 느껴진다. 짧은 시간 동안 여러 변주를 거치는 당김음 리듬의 서정적인 주요 주제는 바이올린 파트의 트릴(떤꾸밈음)로 활기를 더하고, 활기찬 피아노 연주로 완성된다. 세 번째이자 마지막 로망스(열정적으로 빠르게)는 피아노에서 아르페지오가 쉴 새 없이 연주되면서 서사시 풍으로 시작되고, 그 위로 바이올린이 매력적이면서도 낙관적인 노래로 솟아오른다. 그 후의 변주곡들은 바이올린이 피아노의 끊임없고 풍부한 반주에 힘입어 천상의 분위기를 유지하며, 매력적이면서도 서정적인 분위기를 지속한다. 작품의 마지막 부분에서는 곡의 속도가 느려지고 바이올린 음역대의 저음으로 아름답게 마무리된다. 슈만은 바이올린 작곡에 매우 관용적인데, 이 때문에 이 곡은 바이올린 레퍼토리에서 특히 인기가 많다.
Robert Schumann’s Fantasie in C major, Op.131, originally for violin and orchestra, was composed in 1853, the same year his wife Clara composed her Three Romances, after a request for more violin repertoire by Joseph Joachim, who immediately performed it in Düsseldorf, and later in Leipzig and Hannover. It was declared, after its Leipzig performance, to have been Schumann’s best concert piece. However, like many of his last works, it was thought to be marred by his declining mental health and was soon neglected. Violin virtuoso and composer Fritz Kreisler arranged the work for violin and piano in 1937, in an attempt to revive it.
로베르트 슈만의 C장조 환상곡 작품 131은 원래 바이올린과 오케스트라를 위한 작품으로, 그의 아내 클라라가 3개의 로망스를 작곡한 해인 1853년에 작곡되었는데, 요제프 요아힘이 더 많은 바이올린 레퍼토리를 요청한 이후로, 요제프 요아힘은 즉시 뒤셀도르프에서, 그리고 나중에 라이프치히와 하노버에서도 이 곡을 연주했다. 라이프치히 공연 후, 이 곡은 슈만의 최고 연주회용 소품으로 평가받았다. 그러나 그의 많은 후기 작품들과 마찬가지로, 그의 정신 건강 악화로 인해 작품이 손상되었다고 여겨져 곧 잊혔다. 바이올린 거장이자 작곡가인 프리츠 크라이슬러는 1937년 이 작품을 바이올린과 피아노곡으로 편곡하여 부활시키려 했다.
The fantasie is one of the freest possible musical forms and characteristic of the Romantic period, during which many composers sought expression outside of Classical forms. Cast in one movement, the work is a rich tapestry of emotions, ranging from expressive lyricism to lively virtuosity. It begins deceptively in A minor with a sombre introduction, which soon gives way to a sprightly theme in C major, which becomes a recurring refrain throughout the rest of the work and also forms the basis of the coda.
환상곡은 낭만주의 시대의 가장 자유로운 음악 형식 중 하나이며, 당시 많은 작곡가가 고전주의 형식을 벗어난 표현을 모색했다. 단악장으로 구성된 이 작품은 풍부한 감정의 향연으로, 표현의 서정성부터 생동감 넘치는 기교까지 아우른다. A단조로 시작되는 이 곡은 음울한 도입부로 이어지다가 곧 경쾌한 C장조 주제로 이어지며, 이 주제는 작품 전반에 걸쳐 반복되는 후렴구이자 코다의 토대가 된다.
Szymanowski’s Mythes mark the start of the composer’s second compositional period, his first period having been an obvious display of his great affinity for late romantic German masters such as Brahms, Strauss and Wagner. Szymanowski’s new compositional style was a direct outcome of his world travels in 1914, when he visited Sicily and North Africa, expanding his imagination and interest in exotic culture and mythology, and then went on to spend time in Paris, where he was introduced to Ravel, Debussy, Cocteau and Stravinsky. A year later, Mythes was born and with it came a new musical language, greatly affected by French impressionist music, as well as the many conflicting concepts of the fin de siècle.
시마노프스키의 <신화>는 작곡가의 두 번째 작곡 시기의 시작을 알리는 작품으로, 첫 번째 시기는 브람스, 리하르트 슈트라우스, 바그너 같은 독일 후기 낭만주의 거장들에 대한 그의 깊은 애정을 여실히 보여주는 시기였다. 시마노프스키의 새로운 작곡 스타일은 1914년 세계 여행의 직접적인 결과물이었는데, 당시 그는 시칠리아와 북아프리카를 방문하여 이국적인 문화와 신화에 대한 상상력과 관심을 넓혔고, 이후 파리에서 시간을 보내며 라벨, 드뷔시, 콕토, 스트라빈스키를 접했다. 1년 후, <신화>가 탄생했고, 프랑스 인상파 음악과 19세기 말의 여러 상충되는 개념에 큰 영향을 받은 새로운 음악 언어가 탄생했다.
Each of the three Mythes is based on an ancient Greek myth; the first two, in line with impressionist music ideals, focus on the atmosphere created by the inspiring beauty of the myth, rather than the story itself. In La fontaine d’Arethuse, where the nymph Arethusa is turned into a stream while fleeing from river god Alpheus, Szymanowski expresses the mood that is created by the presence of flowing water. In Narcissus, where a hunter who was known for his beauty falls in love with a reflection in a water pool not realising it was his own and becomes entranced by it, the still and clear water surface in which Narcissus’ beauty is reflected leads the central atmosphere of the movement. In the third myth, Dryades et Pan, the musical content takes on a more anecdotic sense, in Szymanowksi’s own words, as we perceive the murmuring of the forest on a hot summer night, thousands of mysterious voices overlapping in the darkness, the fun and dancing of the Dryads – the tree nymphs and guardians of the forest, followed by the dreamy sound of a pipe and the appearance of Pan, god of nature, his subsequent departure and the return of the Dryads’ dance, before everything calms down in the silence and freshness of dawn. The mood of these three fantasy worlds is fulfilled with a highly sophisticated harmony and a wealth of violin techniques, including trills, glissandi combined with tremolo, harmonics and notably in the most instrumentally innovative third myth, the presence of quarter-tones. These are combined with a light and delicate texture to create still yet internally shimmering and vibrant soundscapes.
세 편의 신화는 각각 고대 그리스 신화를 기반으로 하는데, 인상파 음악의 이념에 따라, 처음 두 작품은 이야기 자체보다는 신화가 자아내는 아름다움이 만들어내는 분위기에 초점을 맞춘다. 요정 아레투사가 강의 신 알페이오스를 피해 도망치던 중 시냇물로 변하는 장면이 나오는 <아레투사의 샘>에서, 시마노프스키는 흐르는 물이 만들어내는 분위기를 표현한다. 미모로 유명한 사냥꾼이 물웅덩이에 비친 자신의 모습을 깨닫지 못하고 사랑에 빠지게 되는 <나르키소스>에서는, 나르키소스의 아름다움이 비치는 고요하고 맑은 수면이 이 악장의 중심 분위기를 이끈다. 세 번째 신화, <드리아데스와 판>에서는 음악적 내용이 더욱 일화 같은 느낌을 지니는데, 시마노프스키의 표현을 빌리자면, 뜨거운 여름밤 숲의 속삭임, 어둠 속에서 겹겹이 쌓인 수천 개의 신비로운 목소리, 나무의 요정이자 숲의 수호자인 드라이어드의 춤과 즐거움, 그리고 몽환적인 파이프 소리와 목신 판의 등장, 그의 퇴장과 드라이어드의 춤이 다시 나오는 장면이 이어지고, 모든 것이 새벽의 고요함과 신선함 속에서 고요하게 가라앉는다. 이 세 가지 환상 세계의 분위기는 트릴, 글리산도와 트레몰로의 결합, 화음, 기악적으로 가장 혁신적인 세 번째 신화에서 두드러지는 4분음표들의 존재 등 고도로 정교한 화성과 풍부한 바이올린 기법으로 완성된다. 이러한 요소들은 가볍고 섬세한 질감과 어우러져 고요하면서도 내면적으로는 반짝이고 생동감 넘치는 음악적 파노라마를 만들어낸다.
Nocturne and tarantella was composed in the same year as Mythes and starts off in common musical territory, with long elegant lines soaring high above the piano accompaniment in Nocturne, before intermittent outbursts of Spanish dance are introduced, alternating this first part’s atmosphere between a slow and dreamy exoticism, and energetic and at times agitated Mediterranean folklore. It has been argued that Szymanowski’s fascination with dance and its rather frequent appearance in his second period works was owing to his knee disability, his compositions perhaps serving as an escape from his own reality of being unable to dance. The Tarantella was allegedly composed in a single evening, while drinking with violinist Paweł Kochański, who performed the premiere of the piece, and August Iwański, to whom the work is dedicated. In a rapid 6/8 rhythm and comprising an array of technical features for the violin, the Tarantella is rich in impressionistic harmony but also infused with Middle Eastern aromas.
<녹턴과 타란텔라>는 <신화>와 같은 해에 작곡되었으며, 공통된 음악적 영역에서 시작하는데, <녹턴>에서는 피아노 반주 위로 길고 우아한 선율이 높이 솟아오르다가 간헐적으로 스페인 무곡의 폭발이 도입되어, 이 첫 부분의 분위기는 느리고 몽환적인 이국주의와 활기차고 때로는 흥분되는 지중해 민속이 교차한다. 시마노프스키가 춤에 매료되어 2기 작품들에 춤이 자주 등장하는 것은 그의 무릎 장애 때문이라는 주장이 제기되어 왔으며, 그의 작품들은 춤을 출 수 없는 현실에서 벗어나기 위한 도피처였을 것이다. <타란텔라>는 초연을 맡은 바이올리니스트 파베우 코한스키, 그리고 이 작품을 헌정한 아우구스트 이반스키와 함께 술을 마시던 어느 날 저녁에 작곡되었다고 전해진다. 빠른 6/8박자 리듬과 바이올린을 위한 다양한 기교를 갖춘 <타란텔라>는 인상주의적 화성이 풍부하지만, 서아시아의 향도 깃들어 있다.
Prokofiev’s Five Pieces from Cinderella are taken from the first two acts of his ballet, composed to complement Nikolai Volkov’s libretto. The ballet score, one of his most melodious and celebrated compositions, was commissioned following the success of his ballet Romeo and Juliet and Prokofiev started working on it in 1941, but did not complete it until 1944, due to World War II and his work on the opera War and Peace. Prokofiev’s lushly passionate, romantic and virtuosic score captures perfectly the drama and atmosphere of the famous fairy tale, with its added element of magic.
프로코피예의 <신데렐라 중 5개의 소품>은 그의 발레 작품 중 1막과 2막에서 따온 것으로, 니콜라이 볼코프의 대본을 보완하기 위해 작곡되었다. 그의 가장 아름답고 유명한 작품 중 하나인 이 발레 음악은 자신의 발레 <로미오와 줄리엣>의 성공에 힘입어 의뢰되었으며, 프로코피에프는 1941년부터 착수했지만, 제2차 세계대전과 오페라 <전쟁과 평화> 작업으로 인해 1944년이 되어서야 완성했다. 프로코피에프의 화려하고 열정적이며 낭만적이고 기교 넘치는 음악은 유명한 동화의 드라마와 분위기를 완벽하게 담아내면서도 마법 같은 요소를 더했다.
The first piece is the very colourful Waltz, from Act II, which evokes the imagery of a royal ball, with its swirling gowns, dazzling ballroom and with hints of the ticking clock, representing Cinderella’s impending deadline. Next, we hear the Gavotte from Act I, a traditional French dance characterised by its moderate tempo and graceful steps, infused by Prokofiev with his signature blend of lyricism and wit. The Passepied, a lively and graceful dance, also of French origin, is filled with charm, lightness and intricate rhythms. The fourth piece, the delicate and shimmering Winter Fairy from Act I, is a solo variation of the winter fairy, at the end of which she hands Cinderella her sparkling new cloak to wear to the ball. Finally, we hear the Mazurka from Act II, a traditional Polish dance in triple meter that adds folkloric charm to the story, with its lively, syncopated rhythms propelling the dance forward. The five pieces are ingeniously rewritten by Prokofiev for violin and piano to retain the magic and drama created by the large orchestra of the original score.
첫 번째 곡은 2막에 등장하는 매우 화려한 왈츠로, 소용돌이치는 드레스, 눈부신 무도회장, 똑딱거리는 시계의 은은한 분위기로 왕실 무도회를 연상시키며 신데렐라의 임박한 마감 시간을 상징한다. 다음으로 1막에 등장하는 가보트는 프로코피에프 특유의 서정성과 재치가 어우러진, 완만한 템포와 우아한 스텝이 특징인 프랑스 전통 무곡이다. 역시 프랑스에서 유래한 활기차고 우아한 무곡인 파스피에는 매력, 경쾌함, 정교한 리듬으로 가득하다. 네 번째 곡은 1막에 등장하는 섬세하고 반짝이는 겨울 요정의 독주 변주로, 마지막에 요정은 신데렐라에게 무도회에서 입을 반짝이는 새 망토를 건네준다. 마지막으로 감상할 2막의 마주르카는 3박자의 폴란드 전통 무곡으로, 이야기에 민속적인 매력을 더하며, 생동감 넘치는 당김음 리듬이 무곡을 더욱 풍성하게 이끌어간다. 5개의 소품은 프로코피에프가 바이올린과 피아노를 위한 버전으로 독창적으로 편곡하여 원곡의 대규모 오케스트라가 만들어내는 마법과 드라마를 그대로 담아냈다.
Markella Vandoros, February 2024
2024년 2월 마르켈라 반도로스 글
Natalia Lomeiko, Violin
Born into a family of musicians in Novosibirsk, and settling in New Zealand in 1996, Natalia has established herself internationally as a versatile performing artist.
나탈리아 로메이코는 1979년 노보시비르스크의 음악가 가문 출생으로 1996년 뉴질랜드로 이주하면서 다재다능한 공연 예술가로서 국제적인 입지를 다졌다.
Since her debut with the Novosibirsk Philharmonic Orchestra at the age of seven, Natalia has performed as a soloist with many orchestras, such as the Royal Philharmonic Orchestra under the baton of Lord Menuhin, Philharmonia, Singapore Symphony, New Zealand Symphony, Auckland Philharmonia, Christchurch Symphony, Tokyo Royal Philharmonic and numerous others.
7세에 노보시비르스크 필하모닉 오케스트라와 데뷔 협연을 가진 나탈리아는 로열 필하모닉 오케스트라(예후디 메뉴인 지휘), 필하모니아, 싱가포르 심포니, 뉴질랜드 심포니, 오클랜드 필하모니아, 크라이스트처치 심포니, 도쿄 로열 필하모닉 등 많은 오케스트라와 협연해왔다.
Natalia has collaborated with several distinguished conductors including Lionel Bringuier, Matthias Bamert, Arvo Volmer, Olari Elts, Vladimir Verbitsky, Miguel Harth-Bedoya, Eckehard Stier, Mikhail Gerts, Valery Polyansky, Yuri Simonov, Pavel Kogan and Nabil Shehata.
리오넬 브랑기에, 마티아스 바메르트, 아르보 볼메르, 올라리 엘츠, 블라디미르 베르비츠키, 미겔 하르트-베도야, 에케하르트 슈티어, 미하일 게르츠, 발레리 폴리안스키, 유리 시모노프, 파벨 코간, 나빌 셰하타 등 저명한 지휘자들과도 협연해왔다.
Following her wins at ‘Premio Paganini’ and Michael Hill International Violin Competitions, Natalia recorded with pianist Olga Sitkovetsky for Dynamic, Fone, Trust Records, Atoll, and with violinist/violist Yuri Zhislin for Naxos and pianists Ivan Martin and Dinara Klinton for Orchid Classics. She has also recorded for SOMM with Alexander Karpeev.
나탈리아는 2000 파가니니 국제바이올린콩쿠르와 2003 마이클 힐 바이올린 국제바이올린콩쿠르에서 우승한 이후 피아니스트 올가 시트코베츠키와 다이내믹, 포네, 트러스트 레코드, 아톨에서 녹음, 바이올리니스트 겸 비올리스트 유리 지슬린과 낙소스에서 녹음, 오키드 클래식에서 피아니스트 이반 마르틴 및 디나라 클린톤과 녹음했다. 피아니스트 알렉산더 카르페예프와 SOMM 레이블에서 녹음하기도 했다.
Natalia has performed extensively as a soloist and chamber musician in prestigious venues including Carnegie Hall, Wigmore Hall, the Kings Place, the Queen Elizabeth Hall, Buckingham Palace, the Barbican and the Royal Festival Hall. She has performed chamber music with such distinguished musicians as Maxim Vengerov, Gidon Kremer, Yuri Bashmet, Ivan Martin, Tabea Zimmerman, Claudio Bohorquez and Daishin Kashimoto.
나탈리아는 독주자이자 실내악 연주자로서 카네기홀, 위그모어 홀, 킹스 플레이스, 퀸엘리자베스 홀, 버킹엄 궁전, 바비칸 센터, 로열 페스티벌 홀 등 저명한 공연장들에서 폭넓게 연주했다. 막심 벤게로프, 기돈 크레머, 유리 바슈메트, 이반 마르틴, 타베아 침머만, 클라우디오 보호르케스, 다이신 가시모토 등 유명한 연주자들과 실내악 협연도 가졌다.
Natalia has been appointed a Professor of Violin at the Royal College of Music in London in 2010 and currently resides in London.
2010년에는 런던 왕립 음대 바이올린 교수로 임명되었으며 런던에 거주한다.
Dinara Klinton, Piano
After sharing the top prize at the 2007 Busoni Piano Competition age 18, Dinara took up a busy international concert schedule, appearing at many festivals including the “Progetto Martha Argerich” in Lugano, the Cheltenham Music Festival, the Aldeburgh Proms and “La Roque d’Antheron”. She has performed at many of the world’s major concert venues, including the Royal Albert Hall, Royal Festival Hall, Barbican Centre and Wigmore Hall in London, Berliner Philharmonie and Konzerthaus, Elbphilharmonie Hamburg, Gewandhaus Leipzig, New York 92Y, Cleveland Severance Hall, Tokyo Sumida Triphony Hall, Great Hall of Moscow Conservatory and Tchaikovsky Concert Hall.
디나라 클린톤은 1989년 7월 6일 하르키우 출생으로 18세에 2007 부조니 국제피아노콩쿠르 공동 2위에 입상한 후 바쁜 국제 연주 일정을 보냈으며, 루가노의 마르타 아르헤리치 프로젝트, 첼트넘 음악제, 올드버러 프롬스, 라 로크 당테롱 등 많은 페스티벌에 출연했다. 런던의 로열 앨버트 홀, 로열 페스티벌 홀, 바비칸 센터, 위그모어 홀, 베를린 필하모니, 베를린 콘체르트하우스, 함부르크 엘프필하모니, 라이프치히 게반트하우스, 뉴욕 92Y, 클리블랜드 세브란스 홀, 도쿄 스미다 트리포니 홀, 모스크바 음악원 대강당, 차이코프스키 콘서트홀 등 세계의 주요 콘서트 무대에서 여러 차례 연주했다.
Her concerto engagements include The Philharmonia, Royal Philharmonic Orchestra, Lucerne Symphony Orchestra and others. Dinara combines her performing career with piano professor positions at the Royal College of Music and the Yehudi Menuhin School.
협주곡 계약으로는 필하모니아, 로열 필하모닉 오케스트라, 루체른 심포니 오케스트라 등이 있다. 디나라는 왕립 음악 대학과 예후디 메뉴인 스쿨에서 피아노 교수로 재직하면서 연주 활동도 병행하고 있다.
As a solo recording artist, she has received widespread critical acclaim. Her album of Liszt’s Études d’exécution transcendante, released by the German label GENUIN classics was selected by BBC Music Magazine as Recording of the Month. Dinara’s debut album ‘Music of Chopin and Liszt’ was made at the age of 16 with the American label DELOS. Her other albums include a CD of Chopin’s music by The Fryderyk Chopin Institute in Poland and the complete Prokofiev Piano Sonatas released by Piano Classics, as well as a rarely played Balakirev’s Piano Concerto No.1 with Niederrheinische Sinfoniker, released by Dabringhaus und Grimm.
독주자로서 그녀는 비평가들의 찬사를 널리 받았다. 독일 레이블 게뉴인 클래식에서 발매된 ‘리스트의 초절기교 연습곡’ 앨범은 BBC 뮤직 매거진에서 “이달의 음반”으로 선정되었다. 데뷔 앨범 ‘쇼팽과 리스트의 음악’은 16세에 미국 레이블 델로스에서 발매되었다. 그녀의 다른 앨범으로는 폴란드 프리데리크 쇼팽 협회에서 발매한 쇼팽 음악 CD, 피아노 클래식에서 발매한 프로코피에프 피아노 소나타 전곡, 다브링하우스 & 그림에서 발매한 (거의 연주되지 않는) 발라키레프 피아노 협주곡 1번(크레펠트 교향악단 협연)이 있다.
Dinara’s music education started in the age of five in her native Kharkiv, Ukraine. She graduated with highest honours from the Moscow Central Music School under Valery Piassetski, and the Moscow State Conservatory P.I. Tchaikovsky under Eliso Virsaladze. She went on to complete her Master’s degree at the Royal College of Music under Dina Parakhina. Dinara also attended masterclasses at the Lake Como Piano Academy and worked with Boris Petrushansky in the Imola Piano Academy.
디나라는 다섯 살 때 고향 우크라이나 하르키우에서 음악 교육을 시작했다. 그녀는 모스크바 중앙음악학교(발레리 피아세츠키 사사)와 모스크바 국립 차이코프스키 음악원(엘리소 비르살라제 사사)을 수석으로 졸업했다. 이후 왕립 음대(디나 파라히나 사사)에서 석사 학위를 취득했다. 레이크 코모 국제피아노아카데미에서 열린 마스터클래스도 참가했으며 이몰라 국제피아노아카데미에서 보리스 페트루샨스키를 사사했다.
부클릿에 입상한 부조니 콩쿠르가 2006년이라고 잘못 나와서 2007년으로 고쳤다. 원래 pdf 파일을 구글링했던 건데 나오지 않았고 오키드 음반 사이트에서 내용물을 구했다.
